När Georgia O'Keeffe skapade abstrakt konst

Det är en utmaning när man möter konst att bortse från de klichéer, allegorier och omdömen som andra har lagt på den, och istället närma sig den med ett öppet sinne. Detta är särskilt svårt med Georgia O’Keeffe konst. Under sina 98 år skapade O’Keeffe en av de mest berömda, älskade och omedelbart igenkännbara konstnärskap i amerikansk konsthistoria. Exempel på hennes verk finns i de flesta stora amerikanska museer. Hennes målningar, teckningar och skulpturer har analyserats av varje större kritiker under det senaste seklet och har legat till grund för böcker och universitetskurser. Ändå, när man ombeds tala om Georgia O’Keeffe konst, sprider många av oss slentrianmässigt en begränsad uppsättning slående likartade perspektiv: att O’Keeffe var en dekorativ konstnär som älskade amerikanska sydvästern; att hon var en figurativ målare vars mest kända bilder är av blommor; och att dessa ikoniska blomsterbilder egentligen är hemliga bilder av vaginor. Redan 2009 försökte Whitney Museum i New York undergräva dessa uttjatade föreställningar genom att hålla utställningen Georgia O’Keeffe: Abstraktion. Utställningen visade 125 abstrakta verk av O’Keeffe som tillsammans argumenterade för att denna viktiga amerikanska konstnär har blivit monumentalt missförstådd. Men trots framgången för Whitney-utställningen och den efterföljande kritiska omprövningen av hennes verk, refereras Georgia O’Keeffe fortfarande i stor utsträckning som en figurativ målare och är fortfarande belastad med metaforer och klichéer om hennes konst. Människor fortsätter att tala om vad hennes målningar föreställer, istället för hur de får en att känna. Om vi någonsin vill förstå hennes vision mer fullständigt och förstå hennes oumbärliga bidrag till samtida konst, måste vi hålla ett öppet sinne och ta en djupare titt på vad Georgia O’Keeffe åstadkom som en abstrakt pionjär.

En amerikansk proto-abstraktionist

Oavsett om man spårar tillbaka till Hilma af Klints verk, den svenska mystikermålaren från 1800-talet, postimpressionistiska målare som Georges Seurat, eller visionärer som Wassily Kandinsky och Kazimir Malevich, sägs den moderna historien om abstrakt konst nästan alltid ha börjat i antingen Europa eller Ryssland. Men det finns bevis för att Wisconsin-födda Georgia O’Keeffe förtjänar lika mycket erkännande som dessa nyskapare. De första abstrakta konstverken vi har av O’Keeffe gjordes minst så tidigt som 1915, samma år som Malevich målade Svarta kvadraten och bara två år efter att Kandinsky målade sina första abstrakta verk. Men hennes intellektuella grepp om abstraktionens potential att kommunicera det okända är den främsta anledningen till att O’Keeffe förtjänar lika mycket erkännande för att ha uppfunnit modern abstrakt konst.

Liksom Klint, Seurat, Kandinsky och Malevich närmade sig O’Keeffe sitt arbete med filosofisk vördnad. Hon förstod konst som mer än bara skapandet av bilder och föremål. Konstnären såg det som en möjlig väg till uttryck för något djupare. Liksom Kandinsky talade O’Keeffe om musikens förmåga att abstrakt kommunicera djup. Hon sade, “Sång har alltid verkat för mig vara det mest fulländade uttrycksmedlet. Det är så spontant. Och efter sång tänker jag på fiolen. Eftersom jag inte kan sjunga, målar jag.” Men medan Kandinsky vände sig till abstraktion i hopp om att uttrycka något andligt och universellt, försökte O’Keeffe uttrycka något mer, kan man säga, amerikanskt. Hon försökte uttrycka sig själv.

Georgia O'Keeffe - Abstraktion Vit Ros, 1927 (Vänster) och Georgia O'Keeffe - Musik Rosa och Blå II, 1927 (Höger), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Det är inte blommor

De tidigaste abstrakta konstverken gjorda av Georgia O’Keeffe var enkla, eleganta kompositioner gjorda med kol på papper. Bilderna väcker associationer till biomorfa former och mönster som finns i naturen. Men istället för att försöka avbilda sitt motiv direkt i dessa teckningar, fokuserade hon helt på formella element som linje, form, penseldrag, gest och balans. En av de stora historierna om dessa kolteckningar är att de lätt kunde ha gått förlorade för historien om det inte vore för en listig handling från en vän. O’Keeffe delade teckningarna med den vännen, som sedan utan tillåtelse visade dem för Alfred Stieglitz, ägaren till 291 Gallery i Manhattan. Stieglitz såg den uppenbara skönheten och den slående moderniteten i teckningarna och bestämde sig genast för att ställa ut dem i sitt berömda galleri. Och så började Georgia O’Keeffes professionella konstnärskarriär.

Kort efter att ha ställt ut med Stieglitz flyttade O’Keeffe till New York. Under det följande decenniet utvidgade hon fruktsamt sin utforskning av abstraktion. Hon fortsatte att skapa verk som ekade de estetiska elementen och kompositionerna hon uppfattade i naturen, och gick långt bortom sina första kolteckningar för att utveckla en avancerad intuition för färgförhållanden. Hennes användning av färg ökade avsevärt uttryckskraften i hennes målningar. Men vad hon specifikt försökte uttrycka är där en vanlig missuppfattning om hennes verk gör sig gällande. Många av de bilder hon skapade under denna tid verkar vara inget annat än uppförstorade fragment av blommor. Eller så verkar de åtminstone tala i direkt samtal med blommors estetiska egenskaper. Och kanske kommunicerar de faktiskt något som också kommuniceras av blommor. Men de kommunicerar också något mer. Som O’Keeffe sade, “Jag upptäckte att jag kunde säga saker med färg och former som jag inte kunde säga på något annat sätt – saker jag inte hade ord för. Jag var tvungen att skapa en motsvarighet till vad jag kände inför det jag såg – inte kopiera det.”

Georgia O'Keeffe - Livets blomma (Vänster) och Georgia O'Keeffe - Livets blomma II (Höger), © The Estate of Georgia O'Keeffe

En verklig pionjär

Runt 1930-talet, efter ett och ett halvt decennium av fokus på abstrakta bilder, började O’Keeffe utforska ett bredare spektrum av stilar och influenser. Hon målade figurativt under flera år, återvände sedan till abstraktion, och växlade ofta fram och tillbaka, ofta ifrågasättande skillnaden mellan de två tillvägagångssätten. Under sina senare år verkade hon ibland måla direkt de landskap och naturliga föremål som omgav hennes hem i New Mexico, dit hon så småningom flyttade från New York. Men kärnan i hennes verk förblev alltid densamma. Hennes mål var alltid att förmedla en känsla, att fånga hur hon kände sig genom att använda naturen som inspiration, inte att måla dekorativa bilder av naturen som den objektivt såg ut.

I sin livslånga strävan att förmedla känsla förnyade O’Keeffe många viktiga estetiska undersökningar. Hon visade intresse för helhetskompositioner i abstrakt konst, där alla delar av bildytan tillmättes lika stor betydelse, långt innan Clement Greenberg tillskrev den bedriften till abstrakta expressionisterna. Hon fokuserade på bildytans platthet långt innan det blev en angelägenhet för postmåleriska abstraktionister. Hon var intresserad av abstrakta färgfältens översinnliga krafter långt innan färgfältsmålarna utforskade liknande intressen. Och årtionden innan postmodern relativism smög sig in i konsten, förstod O’Keeffe intuitivt att alla stilar, alla tillvägagångssätt, alla tekniker och alla variationer inom estetiken är lika värdefulla i sin potentiella betydelse, och i slutändan underordnade den ärliga självuttryckets primat.

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landscape, New Mexico, Out Back Of Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

Omfamna formaliteterna

Kanske är det som missförståtts om Georgia O’Keeffes konst samma sak som så ofta missförstås om all konst: idén att konst ska ha definierbara egenskaper, eller vara användbar eller meningsfull på något sätt för allmänheten. Vi lär oss att kritisera konstverk utifrån om vi tycker om dem eller inte; att hoppa över beskrivningsfasen, som kräver att man tittar och känner, och istället rusa vidare till tolkning och bedömning. Vi tittar bara på en O’Keeffe-målning tillräckligt länge för att få ett intryck av något vi känner igen, som vad som verkar vara en blomma eller ett landskap, och förklarar därför O’Keeffe vara en målare av blommor och landskap. Vi märker hur vissa blomdelar liknar vissa mänskliga delar och förklarar därför O’Keeffe vara en hemlig målare av figurativa antydningar. O’Keeffe växlar mellan abstraktion och figurativ konst och därför förklarar vi henne vara påverkad av marknadskrafter eller allmänhetens förväntningar. Baserat på våra personliga åsikter om sådana saker säger vi, ”Jag älskar det!” eller ”Jag hatar det!”

Men den metoden för kritik är omogen. För att förstå Georgia O’Keeffe konst, eller någon konst, djupare bör vi stanna kvar i beskrivningsfasen, interagera med ytan, färgerna, nyanserna, linjerna, formerna och relationerna mellan dessa element så länge som möjligt. Låt de formella estetiska elementen i verket sjunga. Känn rytmen i kompositionen. Ja, O’Keeffe sade berömt en gång, “Jag känner att det finns något outforskad om kvinnan som bara en kvinna kan utforska.” Men istället för att försöka tvinga dig att se en bild av kvinnlighet i hennes målningar, öppna dig för hur kvinnlighet kan kännas. Det som gjorde Georgia O’Keeffe till en pionjär inom amerikansk abstraktion var inte att hon målade bilder som ser ut som Amerika. Det som gjorde henne till en målare av kvinnlighet var inte att hon målade bilder som ser ut som delar av den kvinnliga kroppen. Det som gjorde henne till en pionjär inom amerikansk abstraktion och en målare av kvinnlighet var att hon målade attityder, intryck och känslor som utgjorde vad Amerika och kvinnlighet kändes som, för henne.

Georgia O'Keeffe - Serie I, Nr 3, 1918 (Vänster) och Georgia O'Keeffe - Serie 1, Nr 8, 1918 (Höger), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Framträdande bild: Georgia O'Keeffe - Grå Blå Och Svart, Rosa Cirkel (detalj), 1927, © The Estate of Georgia O'Keeffe
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio