När Georgia O'Keeffe skapade abstrakt konst

Det är en utmaning när man interagerar med konst att ignorera de klichéer, allegorier och omdömen som andra lägger på den, och att helt enkelt närma sig den med ett öppet sinne. Detta är särskilt svårt med Georgia O’Keeffe konst. Under sina 98 år av liv skapade O’Keeffe ett av de mest kända, älskade och omedelbart igenkännliga verken i den amerikanska konstens historia. Exempel på hennes arbete finns i de flesta stora amerikanska museer. Hennes målningar, teckningar och skulpturer har dissekerats av varje stor kritiker under det senaste seklet, och har utgjort grunden för böcker och universitetskurser. Ändå, när vi ombeds att tala om Georgia O’Keeffe konst, sprider många av oss lat en begränsad uppsättning slående liknande perspektiv: att O’Keeffe var en dekorativ konstnär som älskade den amerikanska sydvästern; att hon var en figurativ målare vars mest kända bilder är av blommor; och att dessa ikoniska blommålningar faktiskt är hemliga bilder av vaginor. År 2009 försökte Whitney Museum i New York att undergräva dessa uttjatade uppfattningar genom att hålla utställningen Georgia O’Keeffe: Abstraction. Utställningen visade 125 abstrakta verk av O’Keeffe som tillsammans gjorde gällande att denna viktiga amerikanska konstnär har blivit monumentalt missförstådd. Men trots framgången med Whitney-utställningen och den efterföljande kritiska omprövning hennes arbete har fått, kallas Georgia O’Keeffe fortfarande i stor utsträckning för en figurativ målare, och är fortfarande belastad med metaforer och klichéer om sitt arbete. Folk fortsätter att prata om vad hennes målningar handlar om, istället för hur de får en att känna. Om vi någonsin vill förstå hennes vision mer fullständigt, och förstå hennes oumbärliga bidrag till samtida konst, måste vi hålla ett öppet sinne och ta en djupare titt på vad Georgia O’Keeffe åstadkom som en abstrakt pionjär.

En amerikansk proto-abstraktionist

Oavsett om det spåras tillbaka till arbetet av Hilma af Klint, den 19:e århundradets svenska mystiska målare, postimpressionistiska målare som Georges Seurat, eller visionärer som Wassily Kandinsky och Kazimir Malevich, sägs den moderna historien om abstrakt konst nästan alltid ha börjat antingen i Europa eller Ryssland. Men det finns bevis för att den i Wisconsin födda Georgia O’Keeffe förtjänar lika mycket erkännande som dessa innovatörer. De första abstrakta konstverken vi har av O’Keeffe gjordes åtminstone så tidigt som 1915, samma år som Malevich målade Svart kvadrat och bara två år efter att Kandinsky målade sina första abstrakta verk. Men hennes intellektuella förståelse för den potential som abstraktion har att kommunicera det okända är den främsta anledningen till att O’Keeffe förtjänar lika mycket erkännande för att ha uppfunnit modern abstrakt konst.

Som Klint, Seurat, Kandinsky och Malevitj närmade sig O’Keeffe sitt arbete med en filosofisk respekt. Hon förstod att konsten var mer än bara skapandet av bilder och objekt. Konstnären ansåg att det var en potentiell väg mot uttrycket av något mer djupt. Liksom Kandinsky talade O’Keeffe om musikens förmåga att abstrakt kommunicera djupheter. Hon sa, “Sång har alltid verkat för mig vara det mest perfekta uttrycksmedlet. Det är så spontant. Och efter sången tänker jag på violinen. Eftersom jag inte kan sjunga, målar jag.” Men medan Kandinsky vände sig till abstraktion i hopp om att uttrycka något andligt och universellt, försökte O’Keeffe uttrycka något mer, kan man säga, amerikanskt. Hon försökte uttrycka sig själv.

Georgia O'Keeffe - Abstraction White Rose, 1927 (Left) and Georgia O'Keeffe - Music Pink And Blue II, 1927 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Det där är inte blommor

De tidigaste abstrakta konstverken skapade av Georgia O’Keeffe var enkla, eleganta kompositioner gjorda med kol på papper. Bilderna väcker biomorfa former och mönster som finns i naturen. Men istället för att försöka avbilda sitt motiv direkt i dessa teckningar, fokuserade hon helt på formella element som linje, form, penseldrag, gest och balans. En av de stora berättelserna om dessa kolteckningar är att de lätt kunde ha gått förlorade för historien om det inte vore för en illvillig handling av en vän. O’Keeffe delade teckningarna med den vännen, som sedan visade dem, utan tillstånd, för Alfred Stieglitz, ägaren av 291 Gallery i Manhattan. Stieglitz kände igen den uppenbara skönheten och den slående moderniteten i teckningarna och beslutade omedelbart att ställa ut dem i sin berömda lokal. Och så började den professionella konstkarriären för Georgia O’Keeffe.

Kort efter att ha ställt ut med Stieglitz flyttade O’Keeffe till New York. Under det kommande decenniet eller så expanderade hon prolifiskt sin utforskning av abstraktion. Hon fortsatte att skapa verk som ekade de estetiska elementen och kompositioner hon uppfattade i naturen, och gick långt bortom sina ursprungliga kolteckningar för att utveckla en avancerad intuition för färdiga relationer. Hennes användning av färg höjde avsevärt den uttryckskraft som hennes målningar hade. Men när det gäller vad hon specifikt försökte uttrycka, där framträder en vanlig missuppfattning om hennes arbete. Så många av de bilder hon skapade under denna tid verkar vara ingenting annat än förstora fragment av blommor. Eller de verkar åtminstone tala i direkt samtal med de estetiska kvaliteterna hos blommor. Och kanske kommunicerar de faktiskt något som också kommuniceras av blommor. Men de kommunicerar också något mer. Som O’Keeffe sa: “Jag upptäckte att jag kunde säga saker med färg och former som jag inte kunde säga på något annat sätt - saker jag inte hade ord för. Jag var tvungen att skapa en motsvarighet för vad jag kände för det jag tittade på - inte kopiera det.”

Georgia O'Keeffe - Flower of Life (Left) and Georgia O'Keeffe - Flower of Life II (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

En sann pionjär

Runt 1930-talet, efter ett och ett halvt decennium av fokus på abstrakt bildspråk, började O’Keeffe utforska ett bredare spektrum av stilar och influenser. Hon målade figurativt i flera år för att sedan återvända till abstraktion, och svängde fram och tillbaka, ofta ifrågasättande skillnaden mellan de två tillvägagångssätten. Under sina senare år verkade hon ibland direkt måla de landskap och naturliga objekt som omger hennes hem i New Mexico, dit hon så småningom lämnade New York. Men essensen av hennes arbete förblev alltid densamma. Hennes mål var alltid att kommunicera en känsla, att fånga hur hon kände genom att använda naturen som inspiration, inte att måla dekorativa bilder av naturen som den objektivt framträdde.

I sin livslånga strävan att kommunicera känslor innovativt O’Keeffe många viktiga estetiska undersökningar. Hon visade ett intresse för helhetsabstrakta kompositioner, där hon gav lika stor vikt åt alla områden av bildplanet, långt innan Clement Greenburg tillskrev den prestationen till Abstract Expressionists. Hon fokuserade på plattheten av bildplanet långt innan det blev en fråga för Post-Painterly Abstractionists. Hon var intresserad av de transcendentala krafterna hos abstrakta färgfält långt innan Color Field-konstnärerna utforskade liknande intressen. Och årtionden innan postmodern relativism insinuerade sig i konstvärlden, förstod O’Keeffe intuitivt idén att alla stilar, alla tillvägagångssätt, alla tekniker och alla variationer inom estetik är lika i sitt potentiella värde, och i slutändan sekundära i förhållande till primatet av ärlig självuttryck.

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landscape, New Mexico, Out Back Of Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

Omfamna formaliteterna

Kanske det som har missförståtts om konsten av Georgia O’Keeffe är samma sak som så ofta missförstås om all konst: idén att konsten ska ha definierbara egenskaper, eller vara användbar eller meningsfull på något sätt för allmänheten. Vi lär oss att kritisera konstverk baserat på om vi gillar dem eller inte; att hoppa över beskrivningsfasen, som kräver att vi tittar och känner, och istället rusa till tolkning och bedömningsfaserna. Vi tittar bara på en O’Keeffe-målning tillräckligt länge för att få ett intryck av något vi känner igen, som vad som verkar vara en blomma eller ett landskap, och utropar därmed O’Keeffe till att vara en målare av blommor och landskap. Vi lägger märke till hur vissa blomdelar liknar vissa mänskliga delar och utropar därmed O’Keeffe till att vara en hemlig målare av figurativt antydande. O’Keeffe växlar mellan abstraktion och figurativitet och utropar därmed att hon är responsiv mot marknadskrafter eller offentliga förväntningar. Baserat på våra personliga åsikter om sådana saker säger vi, "Jag älskar det!" eller, "Jag hatar det!"

Men den metoden för kritik är omogen. För att förstå Georgia O’Keeffes konst, eller någon konst, djupare, bör vi dröja kvar i beskrivningsfasen, interagera med ytan, färgerna, nyanserna, linjerna, formerna och relationerna mellan dessa element så länge som möjligt. Låt de formella estetiska elementen i verket sjunga. Känn rytmen i kompositionen. Ja, O’Keeffe sa berömt en gång: “Jag känner att det finns något oexplorerat om kvinnan som bara en kvinna kan utforska.” Men istället för att försöka tvinga dig själv att se en bild av femininitet i hennes målningar, öppna dig för hur femininitet kan kännas. Det som gjorde Georgia O’Keeffe till en pionjär inom amerikansk abstraktion var inte att hon målade bilder som ser ut som Amerika. Det som gjorde henne till en målare av femininitet var inte att hon målade bilder som ser ut som delar av den kvinnliga kroppen. Det som gjorde henne till en pionjär inom amerikansk abstraktion och en målare av femininitet var att hon målade attityder, intryck och känslor som utgjorde hur Amerika och femininitet kändes, för henne.

Georgia O'Keeffe - Series I, No 3, 1918 (Left) and Georgia O'Keeffe - Series 1, No 8, 1918 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Utvald bild: Georgia O'Keeffe - Grey Blue And Black, Pink Circle (detalj), 1927, © The Estate of Georgia O'Keeffe
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio