ศิลปะนามธรรมที่มืดมนของอดอล์ฟ ก็อตลีบ
Adolph Gottlieb เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะนามธรรมในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ภาพวาดของเขามีความรู้สึก สะดวกตา และดิบเถื่อน หลายคนมองว่าภาพเหล่านั้นดูมืดมน แต่ Gottlieb มองตัวเองในทางตรงกันข้ามกับความมืดมน เขารู้สึกว่าตนเองมีพลัง ซับซ้อน ทันสมัยอย่างลึกซึ้ง และเป็นผู้ที่ส่องแสงนำทางด้วยศิลปะของเขาไปสู่สิ่งที่ดีกว่าสำหรับมนุษยชาติ เกิดในนครนิวยอร์กในช่วงต้นของยุคที่เต็มไปด้วยความวุ่นวายที่สุดในประวัติศาสตร์มนุษย์ Gottlieb เติบโตขึ้นในยุคที่มืดมน: ช่วงเวลาของความทุกข์ยากทางสังคม การเมือง และเศรษฐกิจ เมื่ออนาคตของสังคมถูกตั้งคำถามอย่างแท้จริง ไม่เพียงแต่จากงานศิลปะของเขาเท่านั้น แต่จากงานเขียนของเขาก็ชัดเจนว่าความวิตกกังวลและความไม่แน่นอนจากสงครามโลกครั้งที่ 1 ภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ และสงครามโลกครั้งที่ 2 มีส่วนช่วยพัฒนาทัศนคติทางศิลปะของเขาอย่างแน่นอน แต่ทัศนคติทางศิลปะนั้นไม่ได้เป็นเพียงความเศร้าหรือความหายนะอย่างที่นักวิจารณ์หลายคนกล่าวไว้ ในความเป็นจริงมันเป็นวิธีที่ Gottlieb พยายามสื่อสารความจริงเกี่ยวกับหัวใจและจิตใจของมนุษย์ในทางที่เต็มไปด้วยความหวัง บางทีความจริงที่ Gottlieb รับรู้อาจหลีกเลี่ยงไม่ได้ที่จะรวมความบ้าคลั่งและความวุ่นวายบางส่วน แต่ผลงานจำนวนมากที่ Gottlieb ทิ้งไว้เมื่อเขาเสียชีวิตในปี 1974 ก็รวมถึงความงดงาม ความสงบ ความเงียบสงบ และความสูงส่ง ความซับซ้อนที่ขัดแย้งเหล่านี้ ซึ่งเป็นตัวกำหนดมุมมองโลกที่บางครั้งก่อให้เกิดความขัดแย้งของเขา ในที่สุดได้นำ Adolph Gottlieb ไปสู่การนิยามใหม่ของศิลปะนามธรรม และส่งผลให้เกิดผลงานที่เพิ่งเริ่มได้รับการยอมรับในความเจิดจรัสและแสงสว่างที่แท้จริง
ศิลปินโดยแท้จริง
Adolph Gottlieb เกิดในครอบครัวชนชั้นแรงงานผู้อพยพในนิวยอร์กในปี 1904 เมื่อเทียบกับเด็กคนอื่นๆ ที่เติบโตในย่าน Lower East Side ในเวลานั้น เขาได้รับโอกาสเริ่มต้นชีวิตที่ดีมาก เนื่องจากพ่อแม่ของเขาสร้างธุรกิจเครื่องเขียนที่ประสบความสำเร็จและหวังว่าจะส่งต่อให้เขาในวันหนึ่ง แต่เขารู้ตั้งแต่ยังเด็กแน่นอนว่าทุกอย่างที่เขาต้องการคือการเป็นศิลปิน เขามั่นใจในความจริงข้อนี้จนลาออกจากโรงเรียนตอนอายุ 15 ปีเพื่อทุ่มเทให้กับศิลปะอย่างเต็มที่ เขาเข้าฟังบรรยายที่ Art Students League สถาบันที่บริหารโดยศิลปินซึ่งศิลปินหลายคนที่กลายเป็นส่วนหนึ่งของ ขบวนการแสดงออกนามธรรม เข้าเรียน และเมื่ออายุเพียง 17 ปี Gottlieb ก็เดินทางไปยุโรป โดยหาเงินค่าตั๋วเรือด้วยการทำงานบนเรือที่มุ่งหน้าไปยังฝรั่งเศส
ความเชื่อมั่นในความสามารถของเขาในวัยหนุ่มส่งผลดีในต่างประเทศ เพราะเขาได้รู้จักกับโลกของศิลปะสมัยใหม่ยุโรปอย่างรวดเร็ว แตกต่างจากศิลปะอเมริกันในทศวรรษ 1920 ศิลปะยุโรปในเวลานั้นเต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์อย่างมหัศจรรย์ เขาได้สัมผัสกับฟอวิสม์, คิวบิสม์, ซูพรีมาติสม์, ฟิวเจอริสม์ และ นามธรรมเรขาคณิต เขาไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์บ่อยครั้งและเข้าร่วมชั้นเรียนศิลปะฟรีที่หาได้ และเมื่อวีซ่าของเขาหมดอายุ เขาใช้เวลาประมาณหนึ่งปีเดินทางทั่วยุโรป ระหว่างทางเขาเชื่อมั่นว่าศิลปินยุโรปเชื่อมโยงกับสิ่งสำคัญบางอย่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาหลงใหลในอิทธิพลที่แพร่หลายของศิลปะชนเผ่า ซึ่งเป็นแนวโน้มที่ทำให้เขาปฏิเสธความเป็นภาษาพูดของศิลปะอเมริกันที่เป็นรูปธรรม และเลือกแสวงหาความเป็นสากลในสัญลักษณ์โบราณและประเพณีภาพที่มีอายุนับศตวรรษ
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, สีสกรีน, 31 1/8 × 23 1/8 นิ้ว, 79.1 × 58.7 ซม. (ซ้าย) และ Flying Lines, 1967, สีสกรีน, 30 × 22 นิ้ว, 76.2 × 55.9 ซม., เครดิตภาพ Marlborough Gallery
ศิลปินนักปรัชญา
เมื่อ Gottlieb กลับมานิวยอร์กในปี 1922 เขานำความรู้สึกถึงความรับผิดชอบในฐานะศิลปินกลับมา เขามองตัวเองเป็นแรงขับเคลื่อนสมัยใหม่สำหรับวัฒนธรรมของเขา และยอมรับแนวคิดที่ว่าศิลปินควรเป็นนักปรัชญาและผู้เปลี่ยนแปลงสังคม เขาจบการศึกษาศิลปะ และในช่วงหลายปีต่อมาได้เป็นเพื่อนกับกลุ่มศิลปิน/นักปรัชญา เช่น Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith และ Milton Avery ซึ่งบางคนกลายเป็นศิลปินอเมริกันที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคของพวกเขา Gottlieb และเพื่อนร่วมงานของเขาเป็นสิ่งผิดปกติ พวกเขาเป็นศิลปินนามธรรม หรืออย่างน้อยก็เป็นศิลปินที่สร้างงานศิลปะที่ถูกตีความว่าเป็นนามธรรม แต่พวกเขาก็เต็มใจที่จะพูดคุยสาธารณะเกี่ยวกับความหมายของงานของพวกเขา
ในเวลานั้น ศิลปินแนวหน้า โดยเฉพาะศิลปินนามธรรม ไม่ได้รับความเข้าใจในสหรัฐอเมริกา และแน่นอนว่าไม่ได้รับความเคารพอย่างกว้างขวาง—แม้แต่ในนิวยอร์ก หลายคนประสบปัญหาในการสนับสนุนตัวเองและคุณค่าของตนเอง โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับคุณค่าของอุดมการณ์ความงามสมัยใหม่ แต่ Gottlieb เป็นผู้สนับสนุนโดยธรรมชาติและผู้สื่อสารโดยกำเนิด เขามีส่วนร่วมทางการเมืองและสังคม และพูดอย่างรวดเร็วเพื่อสนับสนุนสิ่งที่เขาเห็นว่าสำคัญ ในปี 1935 Gottlieb และเพื่อนของเขา Marcus Rothkowitz (ต่อมาเป็น Mark Rothko) ได้นำความเชื่อของพวกเขามาปฏิบัติด้วยการก่อตั้งกลุ่มที่ชื่อว่า The Ten ซึ่งรวมถึง Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg และ Yankel Kufeld ในการประท้วงเปิดเผยต่อแนวโน้มที่มีอยู่ในวงการจัดแสดงนิทรรศการนิวยอร์ก The Ten ได้จัดแสดงงานนามธรรมของพวกเขาร่วมกัน ปฏิเสธสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า “ความเท่าเทียมที่ถูกกล่าวหาของภาพวาดอเมริกันและภาพวาดที่เป็นรูปธรรม”
Adolph Gottlieb - Red Ground, สีน้ำมันบนกระดาษติดผ้าใบ
ภาพสัญลักษณ์
หนึ่งในความก้าวหน้าแรกสู่สไตล์นามธรรมที่โตเต็มที่ซึ่ง Gottlieb พัฒนาขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1940 คือภาพวาด Pictograph ผลงานเหล่านี้เป็นความพยายามในการสร้างภาษาสัญลักษณ์ใหม่ของภาพที่สามารถสื่อสารอารมณ์และความรู้สึกสากลได้ Gottlieb คิดภาพวาด Pictograph ของเขาในลักษณะที่พื้นผิวของภาพถูกทำให้แบนราบ ขจัดความลึกและความรู้สึกของภาพลวงตาที่อาจเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบที่เป็นรูปธรรม เขายังทำให้ทุกส่วนของผืนผ้าใบเท่าเทียมกันในแนวคิดที่ล่วงหน้าซึ่งต่อมาถูกเรียกว่า “ภาพวาดทั่วทั้งผืนผ้าใบ” Pictographs ของเขาใช้ความดิบเถื่อนที่คล้ายกับรอยขีดเขียนของเด็ก และสะท้อนแนวโน้มความงามของสังคมชนเผ่า
ในแง่หนึ่ง Gottlieb พยายามสร้างตัวอักษรภาพใหม่ในประเพณีของอักษรภาพหรืออักษรจีน แต่แทนที่จะพยายามสื่อสารเรื่องราวเฉพาะ เขาพยายามกลั่นกรองข้อความของเขาให้เหลือแต่สิ่งจำเป็นแท้จริง แทนที่จะสะกดเรื่องเล่าที่เขาอ้างอิง เขาพยายามสื่อสารความรู้สึกของมนุษย์ร่วมกันที่อยู่ในแก่นแท้ของเรื่องเหล่านั้น เพื่อบรรลุเป้าหมายนี้ เขาสร้างภาพที่เป็นต้นฉบับอย่างสมบูรณ์และปราศจากความเกี่ยวข้องภายนอก หวังว่าความเป็นสากลของภาพจะก้าวข้ามความแตกต่างทางวัฒนธรรมเล็กน้อยที่ทำให้ผู้คนแยกจากกัน
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, สีน้ำมันบนแผ่นไม้ศิลปิน, 29 1/4 × 23 1/4 นิ้ว, 74.3 × 59.1 ซม., เครดิตภาพ Hollis Taggart Galleries, นิวยอร์ก (ซ้าย) และ Untitled, 1949, สีพาสเทลบนกระดาษ, 24 × 18 นิ้ว, 61 × 45.7 ซม., เครดิตภาพ Berggruen Gallery, ซานฟรานซิสโก (ขวา)
ภูมิทัศน์ในจินตนาการ
เมื่อ Gottlieb พัฒนาภาพ Pictographs เขาได้ดำเนินกระบวนการทำให้เรียบง่าย ผ่านกระบวนการนั้นเขาได้สร้างชุดผลงานที่เรียกว่า Imaginary Landscapes แตกต่างจาก Pictographs ที่ไม่มีจุดเน้นชัดเจนในส่วนใดส่วนหนึ่งของภาพ Gottlieb แบ่งระนาบภาพในภาพวาดเหล่านี้ออกเป็นสองส่วนที่ชัดเจนด้วยเส้นขอบฟ้า ใต้เส้นนั้น Gottlieb เติมรอยขีดเขียนสัญลักษณ์ภาพ และเหนือเส้นนั้นเขาเติมรูปทรงเรขาคณิตสีสัน Imaginary Landscapes แสดงความสัมพันธ์แบบลำดับชั้นระหว่างสองประเภทของภาพ แสดงให้เห็นว่ารอยขีดเขียนที่ซับซ้อนและเต็มไปด้วยอารมณ์ของความวิตกกังวลของมนุษย์อยู่ในฐานะที่ต่ำกว่า ขณะที่ด้านบนเป็นการแสดงออกที่เรียบง่ายและตรงไปตรงมาของความบริสุทธิ์สากล
Imaginary Landscape ถูกทำให้เรียบง่ายลงอีกจนกลายเป็นภาพวาดที่ Gottlieb เรียกว่า Burst ในผลงานเหล่านี้เขาได้ตัดเส้นขอบฟ้าออก แต่ยังคงรอยขีดเขียนที่ด้านล่างและรูปทรงที่เป็นเอกภาพที่ด้านบน Bursts ใช้พื้นที่สีขนาดใหญ่ และรวมองค์ประกอบของสีเข้ากับรูปทรง พวกมันเชื้อเชิญให้เกิดการพิจารณาในระดับที่เกือบศักดิ์สิทธิ์ และดูเหมือนจะสื่อถึงแนวคิดของความสัมพันธ์แบบพึ่งพาอาศัยกันระหว่างจิตสำนึกที่สูงกว่าและต่ำกว่า
Adolph Gottlieb - Imaginary Landscape, 1971, เทคนิค Aquatint สีบนกระดาษ Fabriano พร้อมขอบเต็ม, 26 3/10 × 32 1/2 นิ้ว, 66.7 × 82.6 ซม.
มรดกของ Adolph Gottlieb
ในปี 1970 Gottlieb ประสบอาการเส้นเลือดในสมองแตกและสูญเสียการใช้ร่างกายด้านซ้าย แต่เขายังคงสร้างผลงานต่อไป สร้างสรรค์ผลงานที่ลึกซึ้งและรุนแรงที่สุดในชุด Burst เพียงหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต เมื่อชีวิตของเขาสิ้นสุดลง เขาเป็นที่รู้จักไม่เพียงแต่สำหรับผลงานที่เป็นเอกลักษณ์ที่เขาสร้างขึ้น แต่ยังรวมถึงอิทธิพลที่เขามีต่อผลงานของผู้อื่น ปรัชญาของเขาเป็นส่วนสำคัญของแนวคิดของศิลปินแสดงออกนามธรรม และทัศนคติทางศิลปะของเขาถือว่าเป็นแรงบันดาลใจในการเกิดขึ้นของภาพวาดสีพื้นและ มินิมัลลิสม์
แต่สิ่งที่สำคัญเท่าเทียมกันกับมรดกทางความงามของภาพวาด ประติมากรรม และภาพพิมพ์ที่ Adolph Gottlieb สร้างขึ้นในช่วง 70 ปีของชีวิตคือการมีส่วนร่วมที่เขามีต่อชุมชนศิลปะที่เขาเป็นส่วนหนึ่ง—ซึ่งเกินกว่าความก้าวหน้าทางรูปแบบ รุ่น และขบวนการต่างๆ Gottlieb มีวิสัยทัศน์ว่าศิลปินไม่ใช่ผู้แยกตัวออกจากสังคม แต่เชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับมัน เขาเชื่อในศักยภาพของศิลปะที่จะเปลี่ยนแปลงอารยธรรม และเห็นว่าการพูดคุยเกี่ยวกับแนวคิดความงามอย่างเปิดเผยและใช้ภาษาที่เข้าใจง่ายเป็นสิ่งสำคัญ เพื่อให้ทุกคนเข้าใจ เขามองว่าศิลปินเป็นสิ่งจำเป็นต่อความสามารถของวัฒนธรรมในการเข้าใจตัวเอง และผ่านผลงานของเขาเขาแสดงให้เห็นถึงความรับผิดชอบที่ศิลปินทุกคนมีในการแสดงออกถึงความบ้าคลั่ง ความวุ่นวาย ความเจิดจรัส ความงาม ความมืดมน และแสงสว่างของยุคสมัยของพวกเขา
ภาพเด่น: Adolph Gottlieb -
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
