ศิลปะนามธรรมที่มืดมนของอดอล์ฟ ก็อตลีบ
Adolph Gottlieb เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญในนามธรรมช่วงกลางศตวรรษที่ 20 งานจิตรกรรมของเขามีอารมณ์ ความเรียบง่าย และความเป็นปฐมภูมิ และหลายคนถือว่ามันมืดมน แต่ Gottlieb มองว่าตนเองเป็นตรงกันข้ามกับความมืด เขารู้สึกว่าเขามีพลังซับซ้อน มีความทันสมัยอย่างร้อนแรง และเป็นคนที่ส่องแสง นำทางด้วยศิลปะของเขาไปสู่สิ่งที่ดีกว่าสำหรับมนุษยชาติ เกิดในนครนิวยอร์กในช่วงต้นของหนึ่งในช่วงเวลาที่วุ่นวายที่สุดในประวัติศาสตร์มนุษย์ Gottlieb แน่นอนว่ามีการเติบโตในความมืด: ช่วงเวลาของความทุกข์ทางสังคม การเมือง และเศรษฐกิจ เมื่ออนาคตของสังคมอยู่ในคำถามในความหมายที่แท้จริงและชัดเจน มันชัดเจนไม่เพียงแต่จากงานศิลปะของเขา แต่จากการเขียนของเขาว่าความวิตกกังวลและความคลุมเครือของสงครามโลกครั้งที่ 1 ภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ และสงครามโลกครั้งที่ 2 มีส่วนสำคัญต่อการพัฒนาวิชวลอิสระของเขา แต่วิชวลอิสระนั้นไม่ใช่เพียงแค่ความเศร้าหรือความหายนะ ตามที่นักวิจารณ์หลายคนได้เสนอไว้ มันเป็นจริงแล้วเป็นวิธีที่ Gottlieb พยายามสื่อสารความจริงเกี่ยวกับหัวใจและจิตใจของมนุษย์ในทางที่มีความหวัง บางทีอาจหลีกเลี่ยงไม่ได้ที่ความจริงที่ Gottlieb มองเห็นนั้นต้องรวมถึงความบ้าคลั่งและความยุ่งเหยิงในระดับหนึ่ง แต่ผลงานที่กว้างขวางที่ Gottlieb ทิ้งไว้เมื่อเขาเสียชีวิตในปี 1974 ยังรวมถึงความงดงาม ความสงบ สันติภาพ และความยิ่งใหญ่ ความซับซ้อนที่ขัดแย้งเหล่านั้น ซึ่งกำหนดมุมมองโลกที่บางครั้งมีการโต้แย้งของเขา ในที่สุดนำ Adolph Gottlieb ไปสู่การนิยามศิลปะนามธรรมใหม่ และส่งผลให้เกิดการสร้างผลงานที่เพิ่งเริ่มได้รับการยอมรับในความเจิดจรัสและแสงสว่างที่แท้จริงของมัน.
ศิลปินในหัวใจ
อดอล์ฟ ก็อตลีบ เกิดในครอบครัวคนงานที่เป็นผู้อพยพในนิวยอร์กในปี 1904 เมื่อเปรียบเทียบกับเด็กคนอื่น ๆ ที่เติบโตในย่านลower east side ในขณะนั้น เขาได้รับโอกาสที่ดีในชีวิต เนื่องจากพ่อแม่ของเขาสร้างธุรกิจเครื่องเขียนที่ประสบความสำเร็จและหวังว่าจะส่งต่อให้เขาในวันหนึ่ง แต่เขารู้ตั้งแต่อายุน้อยว่าเขาต้องการเป็นศิลปิน เขามั่นใจในเรื่องนี้มากจนเขาหยุดเรียนเมื่ออายุ 15 ปีเพื่อมุ่งมั่นกับศิลปะของเขา เขาเข้าฟังบรรยายที่ Art Students League ซึ่งเป็นสถาบันที่บริหารโดยศิลปินซึ่งมีศิลปินหลายคนที่ในที่สุดกลายเป็นส่วนหนึ่งของ Abstract Expressionist เข้าร่วมชั้นเรียน และแล้วเมื่ออายุเพียง 17 ปี ก็อตลีบก็ออกเดินทางไปยุโรป โดยหารายได้จากการทำงานบนเรือที่มุ่งหน้าไปฝรั่งเศส.
ความเชื่อมั่นในความสามารถของเขาในวัยหนุ่มได้ผลตอบแทนในต่างประเทศ เมื่อเขาได้รู้จักกับโลกของยุโรปสมัยใหม่อย่างรวดเร็ว ในทางตรงกันข้ามกับศิลปะอเมริกันในทศวรรษ 1920 ศิลปะยุโรปในขณะนั้นมีความคิดสร้างสรรค์อย่างมหัศจรรย์ เขาได้สัมผัสกับฟอวิซึม, คิวบิซึม, ซูพรีมาทิซึม, ฟิวเจอริซึม และ การนามธรรมและเรขาคณิต เขาไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์และเข้าร่วมชั้นเรียนศิลปะฟรีที่เขาสามารถหาได้ และเมื่อวีซ่าของเขาหมดอายุ เขาใช้เวลาประมาณอีกหนึ่งปีในการเดินทางทั่วยุโรป ระหว่างทาง เขาเริ่มเชื่อว่าศิลปินยุโรปมีความเชื่อมโยงกับสิ่งที่สำคัญ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาได้หลงใหลในอิทธิพลที่แพร่กระจายของศิลปะชนเผ่า ซึ่งเป็นแนวโน้มที่ทำให้เขาปฏิเสธการใช้ภาษาพูดของศิลปะเชิงรูปในอเมริกา เพื่อแสวงหาความเป็นสากลภายในสัญลักษณ์โบราณและประเพณีทางสายตาที่มีอายุนับศตวรรษ.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, สีย้อมผ้าไหม, 31 1/8 × 23 1/8 นิ้ว, 79.1 × 58.7 ซม. (ซ้าย) และ Flying Lines, 1967, สีย้อมผ้าไหม, 30 × 22 นิ้ว, 76.2 × 55.9 ซม., เครดิตภาพ Marlborough Gallery
ศิลปินนักปรัชญา
เมื่อ Gottlieb กลับมาที่นิวยอร์กในปี 1922 เขานำความรู้สึกถึงความรับผิดชอบของเขาในฐานะศิลปินกลับมาด้วย เขามองว่าตนเองเป็นแรงผลักดันในการปรับปรุงวัฒนธรรมของเขา และยอมรับแนวคิดที่ว่าศิลปินควรเป็นนักปรัชญาและตัวแทนของการเปลี่ยนแปลงทางสังคม เขาได้เรียนจบการศึกษาศิลปะ และในช่วงหลายปีถัดมาได้เป็นเพื่อนกับกลุ่มศิลปิน/นักปรัชญาอื่น ๆ เช่น Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith และ Milton Avery ซึ่งบางคนจะกลายเป็นศิลปินอเมริกันที่มีชื่อเสียงที่สุดในรุ่นของพวกเขา Gottlieb และเพื่อนของเขาเป็นข้อยกเว้น พวกเขาเป็นศิลปินนามธรรม หรืออย่างน้อยก็เป็นศิลปินที่สร้างงานศิลปะที่ถูกตีความว่าเป็นนามธรรม แต่พวกเขาก็ยังเต็มใจที่จะพูดคุยต่อสาธารณะเกี่ยวกับความหมายของผลงานของพวกเขา.
ในขณะนั้น ศิลปินแนวหน้า โดยเฉพาะศิลปินนามธรรม ไม่ได้รับการเข้าใจในสหรัฐอเมริกา และแน่นอนว่าไม่ได้รับการเคารพอย่างกว้างขวาง—แม้แต่ในนิวยอร์ก หลายคนมีความยากลำบากในการสนับสนุนตนเองและคุณค่าของตน โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับคุณค่าของอุดมคติทางสุนทรียศาสตร์สมัยใหม่ แต่ Gottlieb เป็นผู้สนับสนุนตามธรรมชาติและเป็นนักสื่อสารที่เกิดมา เขามีส่วนร่วมทางการเมืองและสังคม และพูดขึ้นอย่างรวดเร็วในสิ่งที่เขามองว่าเป็นสิ่งสำคัญ ในปี 1935 Gottlieb และเพื่อนของเขา Mark Rothko (ในขณะนั้นรู้จักในชื่อ Marcus Rothkowitz) ได้นำความเชื่อของพวกเขามาปฏิบัติด้วยการก่อตั้งกลุ่มที่เรียกว่า The Ten ซึ่งประกอบด้วย Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg และ Yankel Kufeld ในการประท้วงอย่างเปิดเผยต่อแนวโน้มที่มีอยู่ในฉากการจัดนิทรรศการของนิวยอร์ก The Ten ได้นำเสนอผลงานนามธรรมของพวกเขาร่วมกัน โดยปฏิเสธสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า “ความเท่าเทียมที่มีชื่อเสียงของการวาดภาพอเมริกันและการวาดภาพตามตัวอักษร.”
อดอล์ฟ ก็อตลีบ - พื้นสีแดง, สีน้ำมันบนกระดาษติดบนผ้าใบ
ภาพเขียน
หนึ่งในความก้าวหน้าครั้งแรกสู่สไตล์นามธรรมที่พัฒนาอย่างเต็มที่ซึ่ง Gottlieb สุดท้ายได้พัฒนาขึ้นเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1940 ในรูปแบบของภาพวาด Pictograph ของเขา ผลงานเหล่านี้เป็นความพยายามในการสร้างภาษาสัญลักษณ์ใหม่ของภาพที่สามารถสื่อสารอารมณ์และความรู้สึกที่เป็นสากล Gottlieb ได้คิดค้นภาพวาด Pictograph ของเขาในลักษณะที่พื้นผิวของมันถูกทำให้แบนราบ โดยการกำจัดความลึกและความรู้สึกของภาพลวงตาที่อาจเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบเชิงรูปภาพ เขายังทำให้ทุกพื้นที่ของผืนผ้าใบมีความเท่าเทียมกันในอ้างอิงที่มีวิสัยทัศน์ต่อสิ่งที่จะถูกเรียกว่า "การวาดภาพแบบทั่วถึง" ภาพวาด Pictographs ของเขาใช้ความดิบที่ทำให้นึกถึงการทำเครื่องหมายแบบเด็ก และกระตุ้นแนวโน้มทางสุนทรียศาสตร์ของสังคมชนเผ่า.
ในแง่หนึ่ง Gottlieb กำลังพยายามสร้างอักษรภาพใหม่ในประเพณีของอักษรอียิปต์โบราณหรืออักษรจีน แต่แทนที่จะพยายามสื่อสารเรื่องราวเฉพาะ เขากำลังพยายามกลั่นข้อความของเขาลงสู่สิ่งที่จำเป็นที่สุด แทนที่จะอธิบายตำนานที่เขาอ้างถึง เขาพยายามสื่อสารความรู้สึกของมนุษย์ที่รวมกันซึ่งอยู่ในแก่นของมัน เพื่อบรรลุเป้าหมายนี้ เขาได้สร้างภาพที่เป็นเอกลักษณ์และปราศจากการเชื่อมโยงจากภายนอกอย่างรอบคอบ โดยหวังว่าคุณลักษณะสากลของพวกมันจะสามารถข้ามความแตกต่างทางวัฒนธรรมที่เล็กน้อยซึ่งทำให้ผู้คนแยกจากกันได้.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, น้ำมันบนกระดานศิลปิน, 29 1/4 × 23 1/4 นิ้ว, 74.3 × 59.1 ซม., เครดิตภาพ Hollis Taggart Galleries, นิวยอร์ก (ซ้าย) และ Untitled, 1949, ปาสเทลบนกระดาษ, 24 × 18 นิ้ว, 61 × 45.7 ซม., เครดิตภาพ Berggruen Gallery, ซานฟรานซิสโก (ขวา)
ภูมิทัศน์ในจินตนาการ
เมื่อ Gottlieb พัฒนาภาพสัญลักษณ์ของเขา เขาได้มีส่วนร่วมในกระบวนการทำให้เรียบง่าย ผ่านกระบวนการนั้นเขาได้มาถึงชุดงานที่เขาเรียกว่า Imaginary Landscapes แตกต่างจากภาพสัญลักษณ์ซึ่งไม่มีการเน้นที่ชัดเจนในส่วนใดส่วนหนึ่งของภาพ Gottlieb ได้แยกพื้นภาพในภาพวาดเหล่านี้ออกเป็นสองพื้นที่ที่แตกต่างกันโดยการแนะนำเส้นขอบฟ้า ด้านล่างเส้นนั้น Gottlieb ได้เพิ่มการขีดเขียนแบบภาพสัญลักษณ์ ด้านบนเส้นนั้นเขาได้เพิ่มรูปทรงเรขาคณิตที่มีสีสัน Imaginary Landscapes แนะนำความสัมพันธ์แบบลำดับชั้นระหว่างสองประเภทของภาพ ภาพที่ถูกแสดงออกมาในฐานะที่เป็นผู้ใต้บังคับบัญชา คือการแสดงออกที่ขีดเขียน อารมณ์ และซับซ้อนของความวิตกกังวลของมนุษย์ ข้างบนคือการแสดงออกที่เรียบง่ายและตรงไปตรงมาของความบริสุทธิ์ที่เป็นสากล.
Imaginary Landscape ได้ถูกทำให้เรียบง่ายลงไปอีกในสิ่งที่ Gottlieb เรียกว่า Burst paintings ในผลงานเหล่านี้เขาได้ตัดเส้นขอบฟ้าออกไป แต่ยังคงรอยขีดเขียนที่ด้านล่างและรูปร่างที่เป็นเอกภาพที่ด้านบน Bursts ใช้พื้นที่สีขนาดใหญ่ และรวมองค์ประกอบของสีเข้ากับรูปร่าง พวกเขาเชิญชวนให้พิจารณาในระดับที่เกือบจะศักดิ์สิทธิ์ และดูเหมือนจะสื่อสารแนวคิดของความสัมพันธ์แบบพึ่งพาอาศัยกันระหว่างจิตสำนึกที่สูงกว่าและต่ำกว่า.
Adolph Gottlieb - ภูมิทัศน์ในจินตนาการ, 1971, อะควาทินต์สี, บนกระดาษฟาบริอาโน, ขอบเต็ม, 26 3/10 × 32 1/2 นิ้ว, 66.7 × 82.6 ซม.
มรดกของอดอล์ฟ ก็อตลีบ
ในปี 1970 Gottlieb ประสบอาการเส้นเลือดในสมองแตกและสูญเสียการใช้ด้านซ้ายของร่างกาย อย่างไรก็ตามเขายังคงสร้างสรรค์ผลงานต่อไป โดยสร้างสรรค์การแสดงออกที่ลึกซึ้งและสุดโต่งที่สุดในชุด Burst ของเขาเพียงหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต เมื่อชีวิตของเขาสิ้นสุดลง เขาเป็นที่รู้จักไม่เพียงแต่สำหรับผลงานที่เป็นเอกลักษณ์ที่เขาสร้างขึ้น แต่ยังรวมถึงอิทธิพลของเขาต่อผลงานของผู้อื่นด้วย ปรัชญาของเขามีความสำคัญต่อแนวคิดของ Abstract Expressionists และวิสัยทัศน์ด้านสุนทรียศาสตร์ของเขาถือว่ามีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของ Color Field Painting และ Minimalism.
แต่สิ่งที่สำคัญไม่แพ้กับมรดกทางสุนทรียศาสตร์ของภาพวาด ประติมากรรม และการพิมพ์ที่ Adolph Gottlieb สร้างขึ้นในช่วง 70 ปีของเขาคือการมีส่วนร่วมที่เขาทำต่อชุมชนศิลปะที่ใหญ่กว่าซึ่งเขาเป็นส่วนหนึ่ง—ซึ่งเกินกว่าความก้าวหน้าทางรูปแบบ รุ่น และขบวนการต่างๆ Gottlieb มีวิสัยทัศน์เกี่ยวกับศิลปินว่าเป็นผู้ที่ไม่แยกตัวออกจากสังคมส่วนที่เหลือ แต่เชื่อมโยงกับมันอย่างซับซ้อน เขาเชื่อในศักยภาพของศิลปะในการเปลี่ยนแปลงอารยธรรม และว่ามันสำคัญที่จะต้องพูดคุยเกี่ยวกับแนวคิดทางสุนทรียศาสตร์อย่างเปิดเผยและใช้ภาษาที่เข้าใจง่ายเพื่อให้ทุกคนสามารถเข้าใจได้ เขามองว่าศิลปินมีความสำคัญต่อความสามารถที่วัฒนธรรมมีในการเข้าใจตนเอง และผ่านผลงานของเขาเขาได้แสดงให้เห็นถึงความรับผิดชอบที่ศิลปินทุกคนมีในการแสดงออกถึงความบ้าคลั่ง ความยุ่งเหยิง ความเจิดจ้า ความงาม ความมืด และแสงสว่างของยุคสมัยของพวกเขา.
ภาพเด่น: Adolph Gottlieb -
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
