硬边画与抽象秩序的美学

你想走进一幅硬边画吗？下次你去拉斯维加斯时，去看看科斯莫波利坦酒店和赌场。街道层有一家星巴克咖啡馆。走进去，抬头看看墙壁。你会注意到各种表面和装置上涂有鲜艳的原色块。在其中一面墙上，你会看到绘制这些色块的人的签名：法国艺术家兼摄影师乔治·鲁斯（Georges Rousse）。

如果你走到房间的尽头，会看到地板上标记了一个位置，邀请观众站在上面。只有从那个位置，鲁斯的视觉效果才能实现。那些涂色的表面是一个幻觉，是几何抽象画在建筑空间中的三维呈现。

约翰·麦克劳克林 - 无题，1951年，油画于密森板，23 ¾ × 27 ¾ 英寸，范多伦·瓦克斯特收藏

什么是硬边画？

“硬边画”一词由《洛杉矶时报》艺术评论家朱尔斯·兰斯纳在20世纪50年代末创造。这个词指的是一种古老的倾向，这种倾向开始在各种不同的抽象艺术风格中重新出现，但当时在加利福尼亚尤为盛行。这种倾向涉及使用几何形状，以大胆、纯色彩绘制，色块之间以硬朗、清晰的边缘分隔。兰斯纳在创造这个词时，指的是两位主要的硬边画家：约翰·麦克劳克林和海伦·伦德伯格。

这种类型的绘画早在几个世纪前就已存在，并在许多不同文化中有所体现。即使在西方抽象艺术领域，这种使用大胆色彩、明确定义形状和硬边的倾向也曾出现过，例如卡济米尔·马列维奇和皮特·蒙德里安的作品。

硬边画的美学在40年代和50年代曾一度失宠，部分原因是抽象表现主义者的情感化、手势化作品日益流行。如今，硬边画一词更多指的是现代艺术家在多种风格中应用并持续应用的一种倾向，而非某一特定的绘画风格或运动。

海伦·伦德伯格 - 蓝色星球，1965年，丙烯画布，60 x 60 英寸，玛丽琳和卡尔·托马收藏。© 费特尔森艺术基金会，路易斯·斯特恩美术馆提供

卡济米尔·马列维奇 - 红色方块，1915年，油画布，21 × 21 英寸，圣彼得堡俄罗斯博物馆

美的哲学

对许多人来说，抽象艺术最令人困惑的元素之一是它不符合任何客观的美的定义。至少在西方世界，几个世纪以来，绘画中的审美美通常由自然和具象题材定义，如肖像和风景。在抽象艺术兴起之前，艺术品被认为美丽，通常期望复制客观世界中被认为美的事物，如天使、历史人物或草地。

当艺术家开始剖析绘画的元素时，他们挑战了什么可以被视为美的概念。光的特质本身能被认为美吗？印象派认为可以。色彩本身能被认为美吗？奥菲斯派认为可以。许多艺术家和艺术运动甚至挑战了审美美是否相关的观念。艺术是否必须与美有关？

皮特·蒙德里安 - 红蓝黄构成 II，1930年，油画布，46 x 46 厘米，大都会艺术博物馆

秩序之美

无论艺术家、评论家和学者们玩弄怎样的哲学游戏，事实是美对观众来说很重要。艺术观众希望置身于能让他们感到愉悦的物品旁。他们希望艺术能参与他们对满足感的追求，无论这对他们意味着什么。即使全世界的艺术评论家都认为某幅画具有极高的历史价值，如果没有观众愿意接近它，那么它的价值自然会降低。人类喜欢美观事物的基本事实，是许多抽象艺术运动一直在努力解决的问题，而硬边画帮助许多观众正视了这一点。

秩序中有美。理性中有美。色彩中有美。线条中有美。纯净、未被破坏、干净且合理的事物中有美。虽然许多观众即使到今天也难以一开始就看到立体主义作品或瓦西里·康定斯基抽象画的美，但不可否认的是，那些满足我们对结构渴望的画作具有某种吸引力，或至少在心理上令人满足。马列维奇的至上主义硬边几何抽象画和蒙德里安的风格派画作之所以美，是因为它们是对混乱的美学解药。

杰克逊·波洛克 - 蓝色极柱，或编号11，1952年，搪瓷和铝漆加玻璃画布，83.5 × 192.5 英寸，澳大利亚国家美术馆，堪培拉

品味的问题

当然，这并不是说其他类型的抽象艺术不美。美是品味的问题。例如，不同的观众对复杂性的理解能力不同。对一部分人来说看似混乱的东西，对另一部分人来说却是田园诗般的美景。显然，像杰克逊·波洛克和威廉·德库宁这样的行动画家之所以成功，是因为许多观众觉得他们的作品易于理解、相关且美丽。虽然确实有观众认为波洛克的《蓝色极柱》是一团乱，但更多观众认为它表达了人类的普遍性和原始的个人真理。

硬边画在50年代重新流行起来，或许是因为抽象表现主义过于情绪化。毕竟它诞生于人类历史上最暴力、灾难性和恐惧的时期——二战后及原子战争兴起之后。面对每天晚间新闻中不断出现的灭绝威胁，观众最终渴望回归更有助于内心平静和秩序感的东西，这很合理。

50年代和60年代的硬边画正好满足了这一需求。它回归了几何抽象的正式、经典特质。硬边抽象没有直面我们内心的恐怖和原始情感中的混乱，而是为我们提供了一个沉思、冥想的空间，在那里形式、色彩、线条和表面是唯一重要的。在那里，我们可以冥想事物的基本构成元素，或许暂时将自己转化为别的什么。

唐纳德·贾德 - 15件混凝土无题作品，1980-1984年，得克萨斯州马尔法，奇纳蒂基金会，马尔法

极简主义及更多

对正式硬边美学的回归，激发了20世纪中叶抽象艺术的巨大创作变革。它促使色域画家兴起，如肯尼斯·诺兰，他们使用平坦的表面和大面积色彩，创作出冥想式的画作，让观众体验超越感。它还催生了后绘画抽象运动，致力于掩盖艺术家的手迹，突出色彩、线条、形式和表面的形式主义特质。它也启发了唐纳德·贾德及与极简主义相关的艺术家，他们通过拥抱美学形式主义达到了无情感表达的巅峰。

詹姆斯·特瑞尔 - Raethro Pink（角落投影），1968年，© 詹姆斯·特瑞尔

更广泛的遗产

硬边画还启发了光与空间运动的艺术家。任何曾进入詹姆斯·特瑞尔的沉浸式作品，或见过他利用“光圈”——即在表面切割的硬边孔洞以让光线透过的作品的人，都能清楚看到这些作品与硬边画之间的联系。

甚至装置艺术家罗伯特·欧文也因其光影作品被认为继承了硬边画家的遗产。最著名的例子是欧文的丙烯装置，其中一块透明、弯曲的圆形丙烯从墙面伸出，受到光线照射，在周围表面上形成线条、几何图案和光影互动。这些作品将硬边画的原则延伸到三维空间，使观众能够进入其中。

罗伯特·欧文 - 无题，1969年，丙烯画于铸造丙烯，直径137厘米，© 2017 罗伯特·欧文 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

视角的问题

硬边画是否比更具情感风格的绘画更美，或反之，纯属个人观点。而且观点会变化。回到拉斯维加斯的那家星巴克，我们可以看到这正是乔治·鲁斯可能想通过他的作品传达的真正信息。一幅几何形状的硬边画能给我们带来秩序和清晰。但并非所有人都在秩序和清晰中找到幸福。有些人喜欢随意，有些人享受混乱。鲁斯硬边作品的真正美在于，只需简单地向任一方向移动一步，边缘就会变得柔和和变化。它们证明了视角确实决定一切。

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作者：Phillip Barcio