Fed Farve og Geometri i Maleriet af Gillian Ayres

Den anerkendte britiske abstrakte kunstner Gillian Ayres har arbejdet professionelt med kunst i næsten 70 år. Siden hun dimitterede fra Camberwell School of Art i London i 1950, har hun aldrig vaklet fra sin ene sande passion: maleri. Selv midt i globale strømninger som konceptkunst, performancekunst, landkunst, installationskunst og multimediekunst, som alle udfordrede relevansen af hendes arbejde, forblev Ayres dedikeret til den enkle idé om at skabe billeder med maling. Hendes arbejde har altid været abstrakt, selvom hendes stil løbende har udviklet sig. Når hun bliver spurgt om meningen med hendes værk, eller hvad drivkraften var bag et bestemt værk, hun har skabt, leder hun samtalen væk fra ord. “Det er en visuel oplevelse,” siger hun, “ikke en litterær.”

En vis rastløshed

Når Gillian Ayres taler om sine tidlige dage på kunstskolen, får hun et snedigt udtryk. Hun husker, at hun var fuldstændig afskrækket af mange af sine læreres undervisningsmetoder. Hun og de andre elever skulle bruge hele dage på ting som gentagne gange at tegne en enkelt kropsdel af en model eller skitsere en scene foran en café i London. Hun opfattede gentagelsen og den utrættelige præcision som triviel. Hun længtes efter at opdage modernistisk og abstrakt kunst og skabe den slags kunst, der ville få hende til at føle sig levende, sprudlende og fri.

Hun beskriver sig selv i de dage som oprørsk. Men hun har sagt, “Det er ikke en ambition at gå imod strømmen. Jeg tror ikke, der var et ønske om at være oprørsk. Jeg tror bare, man følte sig rastløs.” Den rastløshed blev endelig bekræftet i begyndelsen af 1950’erne, da hun for første gang stødte på Jackson Pollocks arbejde. Billederne, hun så af ham, hvor han arbejdede på gulvet og håndterede malingen på en løs, aktiv og levende måde, inspirerede hende, og hun vidste straks, at hun ville være fri på samme måde. Den dag i dag regner Ayres Pollock som en stor inspirationskilde; ikke fordi hun kopierede hans teknik, stil eller udseendet af hans værker, men fordi han viste hende en vej til at bryde ud af det klassiske rod.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Olie- og husholdningsmaling på hårdt træfiberplade. 84 x 60 tommer. © Gillian Ayres

Et sandt kald

Nyvakt mod til at gå sine egne veje brugte Ayres 1950’erne på at udvikle en dynamisk, sprudlende abstrakt stil. Selvom arbejdet gav hende respekt blandt andre malere og i mindre grad offentlighedens anerkendelse, var modernismen og abstraktionen stadig ikke bredt accepteret i Storbritannien. Hun havde udstillet og solgt et lille antal malerier, men økonomisk succes udeblev. Derfor tog hun glad imod et midlertidigt job som underviser på Bath Academy of Art, en kunstskole kendt for at være fremsynet. Hun endte med at blive på Bath i syv år, derefter forelæse på Saint Martin's School of Art i 12 år og lede malerafdelingen på Winchester School of Art i tre år.

Mens hun underviste, fortsatte Ayres med at udvikle sin stil. Hun eksperimenterede med biomorfe former, udforskede forskellige farvepaletter og skiftede mellem maleriske, impasto-værker og flade flader. Hendes ry som oprører voksede, da hun fortsatte med at kæmpe for maleriet, mens næsten alle hendes kolleger ledte deres elever mod andre, mere moderne medier. Men i slutningen af 1970’erne fik hun et klart øjeblik. Efter næsten at være død af akut bugspytkirtelbetændelse indså hun, at på trods af sin succes som underviser, var det eneste, hun virkelig ønskede, at male. Hun trak sig straks tilbage fra akademiet og flyttede til det walisiske landskab for at hellige sig kunsten på fuld tid.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Olie på lærred. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Farve og form

Ny dedikeret blev Ayres opslugt af sin kærlighed til maling. Hun havde allerede bevæget sig mod en mere impasto, tekstureret stil, og nu blev hendes arbejde endnu mere malerisk, mere taktilt og mere frodigt. Hun brugte sine bare hænder til at forme malingen og skabte en direkte, personlig forbindelse til overfladerne. Hendes malerier fra denne tid virker som urtidens opdrætspladser for nye farveforhold og uudtænkte former. Utallige muligheder brød frem i de ekstatiske kompositioner, som på en eller anden måde opnåede harmoni trods deres kompleksitet.

Det var omkring denne tid, at Ayres indså, at hun ikke længere havde interesse for tone. Hun ønskede intet af afdæmpede nuancer eller farvevariationer. Hun ønskede intensitet. Sammen med sit fokus på levende, ren farve begyndte hun også at bevæge sig mod en mere figurativ brug af form, skærpede sine linjer og tillod større felter af farve at fylde hendes kompositioner. En følelse af rolig selvtillid opstod i hendes malerier, måske knyttet til et liv nu brugt i konstant eftertanke over det væsentlige arbejde, hun følte sig født til at udføre.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olie på lærred. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

En ny geometri

Gennem 1990’erne og begyndelsen af 2000’erne fortsatte Ayres med at udvikle sig mod en følelse af genkendelige former i sine kompositioner. Spor af naturlige objekter dukker op og forsvinder, som en måne eller en sol, en horisontlinje eller en jordisk samling af former som et festmåltid på et bord eller blomster på en mark. Nogle af hendes kompositioner leger med geometriske former og mønstre, selvom kun i fragmenter. Men det er stadig ikke så meget realistisk figurativt, der er opstået i hendes nyeste værker, som det er en slags figurativt abstrakt billedsprog, der har gjort sig gældende, ligesom det, der opstod, da Matisse i sin sene karriere udviklede sine ikoniske hard-edge-udskæringer.

Dette billedsprog egner sig særligt godt til trykkunst, som længe har interesseret Ayres. I de senere år har hun nydt at lave tryk og træsnit i vintermånederne i sit atelier. Farverne i hendes tryk er mere levende og rene end nogensinde og skaber dristige sammenhænge, der chokerer øjet med deres dynamiske tilstedeværelse. Hun omtaler trykkeprocessen som noget, der forbinder med driften til at gengive. Men på trods af dens grundlæggende reproduktive karakter plejer hun at tilføje håndmalede elementer til mange af de tryk, hun laver, hvilket gør hvert kunstværk unikt. Denne sammensmeltning af mekaniske processer og håndmaling resulterer i en lagdelt blanding af teksturer.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & akvatint med carborundum (siliciumcarbid) & håndmaling på papir. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Grænseløs nyskabelse

I en tid, hvor teknologi og multimediepraksis synes at være i front på enhver kunstmesse og biennale, og hvor åbenlyst sociale, kulturelle og politiske værker tiltrækker størstedelen af mediernes opmærksomhed, er det en bedrift, at Gillian Ayres fortsat har bevist, at abstrakt maleri altid er relevant. Hun har modstået utallige strømningers pres, samtidig med at hun har forblevet tro mod sin enkle kærlighed til farve, form, overflade og maling. I traditionen fra de modernistiske mestre, der inspirerede hende, som Picasso, Matisse og Miro, har Ayres vist værdien af maleri ved samtidig at demonstrere, hvor enkelt og hvor varieret det kan være.

Og alligevel, på trods af sin målrettede kærlighed til mediet, har hendes æstetiske vision og vaner løbende udviklet sig. Hun har arbejdet med forskellige malermaterialer, udforsket og omfavnet hvert mediums særegenhed. Og ved at udvide sin praksis til også at omfatte trykkunst har hun udvidet maleriets grænser, når hun kunne. Hun har vist sig at være kompleks, og alligevel har hun ved at reducere maleriets elementer til farve, form og rum lært flere generationer af beskuere at se enkelt. “Man bekymrer sig frygteligt, på en rastløs måde,” siger hun. “Jeg vil finde noget, og jeg vil have, at mine malerier skal løfte sindet, men jeg tror ikke, jeg ved, hvordan man afslutter et billede, og jeg ved heller ikke, hvordan man begynder. Folk kan godt lide at forstå, og jeg ville ønske, de ikke gjorde. Jeg ville ønske, de bare ville se.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & akvatint med carborundum (siliciumcarbid) & håndmaling på papir. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Forsidebillede: Gillian Ayres - Sun Up (detalje), 1960. Olie på lærred. © Gillian Ayres
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio