Fed Farve og Geometri i Maleriet af Gillian Ayres

Den anerkendte britiske abstrakte kunstner Gillian Ayres har professionelt lavet kunst i næsten 70 år. Siden hun dimitterede fra Camberwell School of Art i London i 1950, har hun aldrig viftet fra sin ene rene passion: maleri. Selv midt i globale tendenser som konceptkunst, performancekunst, landkunst, installationskunst og multimediekunst, som hver især udfordrede relevansen af hendes arbejde, forblev Ayres dedikeret til det ligefremme forslag om at skabe billeder med maling. Hendes arbejde har altid været abstrakt, selvom hendes stil kontinuerligt har udviklet sig. Når hun bliver spurgt om betydningen af hendes værk, eller hvad drivkraften var for et bestemt værk, hun har skabt, omdirigerer hun samtalen væk fra ord. “Det er en visuel oplevelse,” siger hun, “ikke en litterær en.”

En vis Rattenhed

Når hun taler om sine tidlige dage på kunstskolen, indtager Gillian Ayres en slags snu attitude. Hun husker, at hun var helt afskrækket af undervisningsmetoderne fra mange af sine professorer. Hun og de andre studerende blev bedt om at tilbringe hele dage med at fokusere på ting som at tegne en kropsdel af en model eller skitsere en scene foran en café i London. Hun opfattede gentagelsen og den utrættelige præcision som triviel. Hun længtes efter at opdage modernisme og abstrakt kunst, og at skabe den type kunst, der ville få hende til at føle sig levende, vibrerende og fri.

Hun beskriver sig selv i de dage som subversiv. Men hun har sagt: “Det er ikke en ambition at gå imod strømmen. Jeg tror ikke, der var et ønske om at være subversiv. Jeg tror, man bare følte sig rastløs.” Den rastløshed blev endelig valideret i begyndelsen af 1950'erne, da hun for første gang stødte på Jackson Pollocks arbejde. De billeder, hun så af ham, der arbejdede på gulvet, håndterede maling på en løs, aktiv, levende måde, inspirerede hende, og hun vidste straks, at hun ville være fri på den måde. Den dag i dag betragter Ayres Pollock som en stor inspiration; ikke at hun kopierede hans teknik, stil eller udseendet af hans arbejde, men snarere at han viste hende en vej til at bryde ud af den klassiske rod.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Et sandt kald

Nyt modig, brugte Ayres 1950'erne på at udvikle en dynamisk, livlig abstrakt stil. Men selvom arbejdet gav hende respekt fra andre malere, og i en lille grad fra offentligheden, var modernisme og abstraktion stadig ikke bredt accepteret i Storbritannien. Hun havde udstillet og solgt et lille antal malerier, men økonomisk succes undveg hende. Så hun accepterede glad, da hun blev tilbudt en midlertidig stilling som underviser ved Bath Academy of Art, en kunstskole kendt for at være progressiv. Hun endte med at blive i Bath i syv år, derefter flyttede hun videre til at undervise ved Saint Martin's School of Art i 12 år, og til at lede malerafdelingen ved Winchester School of Art i tre år.

Mens hun underviste, fortsatte Ayres med at udvikle sin stil. Hun eksperimenterede med biomorfe former, udforskede en række farvepaletter og svingede mellem maleriske, impasto værker og flade overflader. Og hendes ry som en rebel voksede, da hun fortsatte med at stå fast på at forsvare maleri, mens næsten alle hendes kolleger styrede deres studerende mod andre, mere nutidige medier. Men så fik hun i slutningen af 1970'erne et øjeblik af klarhed. Efter næsten at være død af et tilfælde af akut pancreatitis indså hun, at på trods af sin succes som underviser, var alt hun virkelig ønskede at gøre, at male. Hun afsluttede hurtigt sin akademiske karriere og flyttede til det walisiske landskab for fuldt ud at dedikere sig til sin kunst.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Farve og form

Nye genindviede, blev Ayres opslugt af sin kærlighed til maling. Hun havde allerede været tiltrukket af en mere impasto, tekstureret stil, og nu blev hendes arbejde endnu mere malerisk, mere taktilt og mere frodigt. Hun brugte sine bare hænder til at manipulere malingen, og forbinde direkte, personligt med overfladerne. Hendes malerier fra denne tid virker som primordiale ynglepladser for nye farverelationer og uforestillede former. Utallige muligheder brød frem fra de ekstatiske kompositioner, og opnåede på en eller anden måde harmoni trods deres kompleksitet.

Det var omkring dette tidspunkt, at Ayres indså, at hun ikke længere havde nogen interesse i tone. Hun ønskede intet af dæmpede nuancer eller nuancer i farven. Hun ønskede intensitet. Og sammen med sit fokus på levende, ren farve begyndte hun også at bevæge sig mod en mere figurativ brug af form, hårdnede sine linjer og lod større felter af farve bebo hendes kompositioner. En følelse af rolig selvtillid dukkede op i hendes malerier, måske relateret til et liv nu brugt i konstant overvejelse af det essentielle arbejde, hun følte, hun var født til at gøre.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olie på lærred. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

En ny geometri

I løbet af 1990'erne og begyndelsen af 2000'erne fortsatte Ayres med at udvikle sig endnu længere mod en følelse af genkendelige former i sine kompositioner. Spor af naturlige objekter dukker op og forsvinder, såsom en måne eller en sol, en horisontlinje eller en verdensomspændende samling af former, der minder om en fest på et bord eller blomster i en mark. Nogle af hendes kompositioner flirter med geometriske former og mønstre, selvom det kun er i fragmenter. Men det er stadig ikke så meget realistisk figuration, der er dukket op i hendes seneste værker, som det er som om et figurativt abstrakt visuelt sprog har hævdet sig, ligesom det der materialiserede sig, da Matisse, i den senere fase af sin karriere, udviklede sine ikoniske hard-edge udskæringer.

Dette visuelle sprog viser sig at være særligt velegnet til trykteknikken, som længe har interesseret Ayres. I de seneste år har hun nydt at lave tryk og træsnit i vintermånederne i sit atelier. Farverne i hendes tryk er mere livlige og rene end nogensinde, hvilket skaber dristige relationer, der chokerer øjet med deres dynamiske tilstedeværelse. Hun omtaler trykkeprocessen som noget, der forbinder med driften til at reproducere. Men på trods af dens essentielt reproduktive kvalitet, har hun en tendens til at tilføje håndmalede elementer til mange af de tryk, hun laver, hvilket gør hvert kunstværk unikt. Denne fusion af mekaniske processer og håndmaleri resulterer i en lagdelt blanding af teksturer.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Ubegribelig Innovation

I en tid hvor teknologi og multimediepraksis synes at være i front for hver kunstmesse og biennale, og hvor åbenlyst sociale, kulturelle og politiske værker tiltrækker meget af mediernes opmærksomhed, er det en bedrift, at Gillian Ayres fortsat har bevist at abstrakt maleri altid er relevant. Hun har modstået presset fra utallige trends, mens hun hele tiden har været tro mod sin enkle kærlighed til farve, form, overflade og maling. I traditionen fra de modernistiske mestre, der inspirerede hende, som Picasso, Matisse og Miro, har Ayres demonstreret værdien af maleri ved samtidig at vise, hvor enkelt og hvor varieret det kan være.

Og alligevel, på trods af hendes ensidige kærlighed til mediet, har hendes æstetiske vision og hendes vaner kontinuerligt udviklet sig. Hun har arbejdet forskelligt med en række forskellige malemedier, udforsket og omfavnet mediets specificitet for hver enkelt. Og ved at udvide sin praksis til at inkludere trykkeprocesser har hun strakt grænserne for maleri, når hun kunne. Hun har bevist sig selv at være kompleks, og alligevel, ved at reducere elementerne i maleri ned til farve, form og rum, har hun lært flere generationer af seere, hvordan man simpelthen ser. “Man bekymrer sig frygteligt, på en rastløs måde,” siger hun. “Jeg vil finde noget, og jeg vil have mine malerier til at være opløftende, men jeg tror ikke, jeg ved, hvordan man afslutter et billede, og jeg ved heller ikke, hvordan man starter. Folk kan godt lide at forstå, og jeg ville ønske, de ikke gjorde. Jeg ville ønske, de bare ville se.

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Fremhævet billede: Gillian Ayres - Sun Up (detalje), 1960. Olie på lærred. © Gillian Ayres
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio