Arven efter Sir Howard Hodgkin

Den anerkendte britiske abstrakte maler og grafikeren Howard Hodgkin var blandt de mest dekorerede kunstnere i sin generation. Han repræsenterede Storbritannien på Venezia Biennalen i 1984 og vandt Turner-prisen i 1985. I 1976 blev han optaget i Den Mest Fremragende Orden af Det Britiske Imperium (CBE); han blev ridder i 1992; og i 2003 indlemmede dronning Elizabeth II ham i Ordenen af Æreskammerater, hvor han sluttede sig til en udvalgt liste af kun tre andre abstrakte kunstnere—Henry Moore, Victor Pasmore og Bridget Riley—som havde fået den samme udmærkelse. Den fejrede status, som Hodgkin til sidst opnåede i sin karriere, står i skarp kontrast til de kampe, han oplevede i sin tidlige professionelle liv. I 1981 sagde Hodgkin: “Jeg tror, jeg har været heldig, fordi jeg slet ikke var succesfuld, før jeg var midaldrende, men der var mange bitre øjeblikke at leve igennem, da det tog så lang tid, før nogen syntes at ville se på mine billeder overhovedet.” I sine 30'ere var han så nedslået af afvisning, at han overvejede selvmord. Men i stedet for at give efter for fortvivlelse, gendedikerede han sig til den æstetiske udtryk for sit indre selv. Jo mere Hodgkin dykkede indad, jo mere intuitivt greb han forholdet mellem følelser og de formelle elementer i kunsten, såsom farve og maling; og jo mere abstrakt blev hans arbejde derefter. Ved slutningen af sit liv skabte Hodgkin et karakteristisk værk baseret på en nedskåret stil, der kommunikerede rå følelser i de simpleste og mest direkte termer.

Figurer og Følelser

Der har længe været en debat om, hvorvidt vi skal omtale Howard Hodgkin som en figurativ eller abstrakt kunstner. Hans tidlige værker var klart baseret på virkeligheden, idet de viste figurer i indendørs rum, nogle gange i sociale omstændigheder. Men efterhånden som hans karriere udviklede sig, udviskede han grænsen mellem abstraktion og figuration, og skabte malerier, der beboede en slags skæringspunkt mellem de to. I stedet for kun at beskæftige sig med specifikt indhold fra sit liv, udforskede han måder, hvorpå formelle elementer som farve, mønster og overflade kunne fremkalde følelsesmæssige elementer i sine billeder. I flere årtier indeholdt hans malerier minutte figurative elementer indlejret i abstrakte farvefelter, former og mønstre. Men selv når han malede noget, som de fleste seere ville betragte som rent abstrakt, elskede Hodgkin selv at sige, at værket stadig var figurativt, da det hele relaterede intimt til en igangværende fortælling, der var informeret af hans personlige virkelighed.

Hodgkin begyndte at vise sine malerier i 1950 i en alder af 18, mens han stadig var studerende. Faktisk betragtes et af hans tidligste værker, et gouache maleri på plade med titlen Memoirs, malet da han kun var 16, af nogle fans som værende blandt hans bedste. Han modtog sin første solo-udstilling i 1962, på det anerkendte Arthur Tooth & Sons Galleri i London. Den unikke blanding af figuration og abstraktion, der definerede værkerne i den udstilling, gjorde Hodgkin til en unik og dristig kunstner. Men det britiske publikum forstod ikke straks værket, og udstillingen var ikke en kommerciel succes. Det ville tage næsten et årti, før seerne i hans hjemland ville komme til at værdsætte hans særprægede talent.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Minder fra Indien

Tidligt i livet indså Howard Hodgkin, at de malerier, han ønskede at male, mere var som æstetiske relikvier fra hans egne minder. Som en, der især elskede at rejse, handlede mange af hans mest potente minder om det spektakulære landskab og de ekstraordinære mennesker, han mødte, mens han var i udlandet. Nogle af de mest succesfulde tryk, han lavede, handlede om rejser, han tog til Indien. I en serie af serigrafier, han skabte med titlen Indian Views, adresserede han de små, vandrette vinduer, der er almindelige i siderne af tog i det land. Billederne læses som enkle landskaber med horisontlinjer, men kan også betragtes som abstrakte farvefelter.

Udover deres følelsesmæssige brug af farve, er hans Indian View serigrafier også bemærkelsesværdige, idet de indeholder det arketypiske æstetiske element af rammen, som over tid blev vitalt vigtigt for Hodgkin. I mange af hans abstrakte malerier malede han en rektangulær ramme, der indeholdt billedet. Senere begyndte han at ramme sine overflader i faktiske trærammer og malede derefter billedet på både overfladen og rammen, hvilket kombinerede de to. Den malede ramme definerede hans malerier som objekter, der var modstandsdygtige over for ekstern indblanding, og præciserede, at deres betydning var helt indeholdt i dem selv.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Udefrakommende anerkendelse

På trods af den manglende forståelse, Hodgkin i starten modtog fra offentligheden, fortsatte han med at udstille og forfulgte sin unikke stil, skabte hybride abstrakt-figurative billeder og udviklede et følelsesladet, farverigt visuelt sprog baseret på følelser. I 1971 blev han for første gang inviteret til at udstille i udlandet, i Köln, Tyskland. Den udstilling var en succes, og året efter udstillede han i en gruppeudstilling i Paris. Og året efter udstillede han for første gang i USA, i et galleri i New York.

Til hans glæde havde udenlandske seere en helt anden opfattelse af hans arbejde. Efter sin debut i New York sagde Hodgkin: “de indså straks, hvilken slags kunstner jeg var... reaktionen var sådan, at jeg følte, jeg kommunikerede med et publikum. Jeg har sjældent følt det i England.” Måske på grund af denne internationale opmærksomhed, eller måske fordi britiske seere simpelthen indså, hvad de havde savnet, så Hodgkin i de følgende år sin omdømme i Storbritannien forbedre sig. I 1976 var han blevet tildelt CBE og havde modtaget sin første retrospektive udstilling på Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

London Skolen

Også i 1976 modtog Hodgkin æren af at blive inkluderet blandt en gruppe britiske kunstnere, der var forbundet med noget kaldet School of London. Maleren R. B. Kitaj opfandt termen School of London i et katalogessay, han skrev til en udstilling med titlen The Human Clay. Kitaj havde til hensigt at bruge termen til at henlede opmærksomheden på, at i modsætning til globale tendenser mod Pop Art, Minimalisme, Konceptuel Kunst og andre populære stilarter, havde en gruppe talentfulde britiske kunstnere flittigt udforsket den moderne relevans af den menneskelige figur i kunsten.

The Human Clay omfattede værker af 48 kunstnere; blandt dem var Kitaj og Hodgkin, samt flere andre, der efterfølgende blev vitale indflydelsesrige internationalt, såsom Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore og Lucian Freud. Hver af dem havde på det tidspunkt faktisk udforsket figuration på unikt moderne måder. Men de fleste af dem afviste alligevel betegnelsen School of London, da de først hørte den. Howard Hodgkin afviste betegnelsen, selvom han havde fem værker i udstillingen, det næsthøjeste antal af nogen kunstner. At være inkluderet i udstillingen var alligevel en opmuntring for Hodgkin og en stor offentlig validering af hans bestræbelser.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Mindre er mere

Gennem sin karriere søgte Hodgkin efter måder at udtrykke mere, mens han viste mindre, og reducerede til sidst de figurative elementer i sit arbejde, indtil de næsten ikke var til stede. Samtidig med den bredere offentlige anerkendelse, han oplevede i slutningen af 1970'erne, gennemgik Hodgkin også en overgang i sit personlige liv. Efter 20 års ægteskab med sin kone Julia kom Hodgkin ud som homoseksuel og gav Julia forældremyndighed over deres to sønner. Hans liv blev samtidig enklere og mere komplekst. Selvom titlerne på hans værker fra dette punkt bevarede den personlige fortælling, som hans arbejde var blevet kendt for, med henvisninger til specifikke personlige minder, blev indholdet af hans billeder dramatisk mere abstrakt.

Selvom han sandsynligvis ville have nægtet en sådan anklage, er det let at se, hvordan det at frigøre sig fra en personlig usandhed også kunne have befriet ham fra behovet for at investere sin billedsprog med underforståethed, hvilket gjorde det muligt for ham at blive mere direkte med sine følelser. Uanset om det havde noget at gøre med den omstændighed eller ej, i de sidste årtier af sit liv, reducerede Hodgkin sit visuelle sprog mere dramatisk end nogensinde før. Han blev mere dygtig til at formidle det udtryksfulde potentiale i farve, penselstræk, overflade, komposition og maling. I sine sidste år var hans kompositioner de simpleste, og måske mest dybe, der dygtigt kommunikerede hans essentielle idé om den flygtige kraft af hukommelse og følelser.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Fremhævet billede: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalje), 1961-62, Olie på lærred, 34 x 39 tommer
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio