Arven efter Sir Howard Hodgkin

Den berømte britiske abstrakte maler og grafiker Howard Hodgkin var blandt de mest dekorerede kunstnere i sin generation. Han repræsenterede Storbritannien ved Venedigbiennalen i 1984 og vandt Turner-prisen i 1985. I 1976 blev han optaget i Most Excellent Order of the British Empire (CBE); han blev adlet i 1992; og i 2003 optog Dronning Elizabeth II ham i Order of the Companions of Honour, hvor han sluttede sig til en udvalgt liste med kun tre andre abstrakte kunstnere—Henry Moore, Victor Pasmore og Bridget Riley—som har modtaget samme udmærkelse. Den berømte status Hodgkin til sidst opnåede i sin karriere står i skarp kontrast til de kampe, han oplevede i sin tidlige professionelle tilværelse. I 1981 udtalte Hodgkin, “Jeg tror, jeg har været heldig, fordi jeg slet ikke havde succes, før jeg var midaldrende, men der var mange bitre øjeblikke at komme igennem, når det tog så lang tid, før nogen overhovedet virkede til at ville se på mine billeder.” I sine 30’ere var han så modløs over afvisning, at han overvejede selvmord. Men i stedet for at give efter for fortvivlelse, genindviede han sig til den æstetiske udtryk for sit indre jeg. Jo mere Hodgkin dykkede indad, desto mere intuitivt forstod han forholdet mellem følelse og de formelle grundelementer i kunsten, såsom farve og maling; og desto mere abstrakt blev hans arbejde efterfølgende. Ved livets afslutning skabte Hodgkin et særpræget værk baseret på en nedbarberet stil, der formidlede rå følelser i de enkleste og mest direkte termer.

Figurer og Følelser

Der har længe været debat om, hvorvidt vi bør omtale Howard Hodgkin som en figurativ eller abstrakt kunstner. Hans tidlige arbejde var tydeligt virkelighedsbaseret og viste figurer i indendørs rum, nogle gange i sociale sammenhænge. Men efterhånden som hans karriere udviklede sig, udviskede han grænsen mellem abstraktion og figurativitet og skabte malerier, der befandt sig i en slags krydsfelt mellem de to. I stedet for kun at beskæftige sig med specifikt indhold fra sit liv, undersøgte han, hvordan formelle elementer som farve, mønster og overflade kunne fremkalde følelsesmæssige elementer i hans billeder. I flere årtier indeholdt hans malerier små figurative elementer indlejret i abstrakte farvefelter, former og mønstre. Men selv når han malede noget, som de fleste tilskuere ville betragte som rent abstrakt, elskede Hodgkin selv at sige, at værket stadig var figurativt, da det hele var intimt forbundet med en igangværende fortælling, der var formet af hans personlige virkelighed.

Hodgkin begyndte at udstille sine malerier i 1950 som 18-årig, mens han stadig var studerende. Faktisk betragtes et af hans tidligste værker, en gouache-maleri på plade med titlen Memoirs, malet da han kun var 16, af nogle fans som et af hans bedste. Han fik sin første soloudstilling i 1962 på det anerkendte Arthur Tooth & Sons Gallery i London. Den unikke blanding af figurativitet og abstraktion, der definerede værkerne i den udstilling, fik Hodgkin til at skille sig ud som unik og modig. Men det britiske publikum forstod ikke straks værkerne, og udstillingen blev ikke en kommerciel succes. Det skulle gå næsten et årti, før tilskuere i hans hjemland begyndte at værdsætte hans særprægede talent.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache på plade, 8 5/8 x 9 7/8 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

Minder fra Indien

Tidligt i livet indså Howard Hodgkin, at de malerier, han ønskede at male, mere var æstetiske levn fra hans egne minder. Som en, der især elskede at rejse, handlede mange af hans stærkeste minder om det storslåede landskab og de ekstraordinære mennesker, han mødte i udlandet. Nogle af de mest succesfulde tryk, han lavede, handlede om rejser til Indien. I en serie serigrafier, han skabte med titlen Indian Views, tog han fat på de små, vandrette vinduer, der er almindelige i siderne af tog i det land. Billederne læses som enkle landskaber med horisontlinjer, men kan også betragtes som abstrakte farvefelter.

Ud over deres følelsesladede brug af farve er hans Indian View-serigrafier også bemærkelsesværdige, fordi de indeholder det arketypiske æstetiske element ramme, som med tiden blev altafgørende for Hodgkin. I mange af hans abstrakte malerier malede han en rektangulær ramme omkring billedet. Senere begyndte han at indramme sine flader i faktiske trærammer og malede derefter billedet både på fladen og rammen, hvorved de to blev forenet. Den malede ramme definerede hans malerier som genstande, der var modstandsdygtige over for ydre indblanding, og tydeliggjorde, at deres mening var fuldstændig indeholdt i dem selv.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Serigrafi på papir, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Udenlandsk Anerkendelse

På trods af den manglende forståelse, Hodgkin oprindeligt mødte fra offentligheden, fortsatte han med at udstille og forfulgte sin unikke stil, skabte hybride abstrakt-figurative billeder og udviklede et følelsesladet, farverigt billedsprog baseret på følelser. I 1971 blev han for første gang inviteret til at udstille i udlandet, i Köln, Tyskland. Den udstilling blev en succes, og året efter udstillede han i en gruppeudstilling i Paris. Og året efter det udstillede han for første gang i USA, på et galleri i New York.

Til sin glæde havde udenlandske tilskuere en helt anden opfattelse af hans arbejde. Efter sin debut i New York sagde Hodgkin, “de forstod med det samme, hvilken slags kunstner jeg var… reaktionen var sådan, at jeg følte, jeg kommunikerede med et publikum. Det har jeg sjældent følt i England.” Måske på grund af denne internationale opmærksomhed, eller måske fordi britiske tilskuere simpelthen indså, hvad de havde gået glip af, så Hodgkin i løbet af de næste år sin ry i Storbritannien forbedres. I 1976 var han blevet tildelt CBE og havde fået sin første retrospektive udstilling på Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, olie på træ, 33 x 36 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

London-skolen

Også i 1976 modtog Hodgkin æren af at blive inkluderet blandt en gruppe britiske kunstnere, der var forbundet med noget kaldet London-skolen. Maleren R. B. Kitaj opfandt udtrykket London-skolen i et katalogessay, han skrev til en udstilling med titlen The Human Clay. Kitaj havde til hensigt med udtrykket at henlede opmærksomheden på, at i modsætning til globale tendenser mod popkunst, minimalisme, konceptkunst og andre populære stilarter, havde en gruppe talentfulde britiske kunstnere flittigt udforsket den menneskelige figurs moderne relevans i kunsten.

The Human Clay omfattede værker af 48 kunstnere; blandt dem var Kitaj og Hodgkin samt flere andre, der efterfølgende blev yderst indflydelsesrige internationalt, såsom Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore og Lucian Freud. Hver især havde på det tidspunkt udforsket figurativitet på unikt moderne måder. Men de fleste afviste alligevel betegnelsen London-skolen, da de først hørte den. Howard Hodgkin afviste betegnelsen, selvom han havde fem værker med i udstillingen, det næsthøjeste antal for en kunstner. At blive inkluderet i udstillingen var dog et løft for Hodgkin og en stor offentlig anerkendelse af hans indsats.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, olie på træ, 44 1/4 x 50 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

Mindre er mere

Gennem hele sin karriere søgte Hodgkin måder at udtrykke mere ved at vise mindre, og reducerede til sidst de figurative elementer i sit arbejde til næsten ikke-eksisterende. Sammenfaldende med den bredere offentlige anerkendelse, han oplevede i slutningen af 1970’erne, gennemgik Hodgkin også en overgang i sit privatliv. Efter 20 års ægteskab med sin kone Julia kom Hodgkin ud som homoseksuel og gav Julia forældremyndigheden over deres to sønner. Hans liv blev samtidig både enklere og mere kompliceret. Selvom titlerne på hans værker fra dette tidspunkt beholdt den personlige fortællende kvalitet, som hans arbejde var blevet kendt for, med henvisninger til specifikke personlige minder, blev indholdet i hans billeder dramatisk mere abstrakt.

Selvom han sandsynligvis ville have afvist en sådan påstand, er det let at se, hvordan det at frigøre sig fra en personlig løgn også kunne have frigjort ham fra behovet for at tilføre sine billeder antydninger, hvilket gjorde ham i stand til at blive mere direkte med sine følelser. Uanset om det havde noget at gøre med den omstændighed eller ej, barberede Hodgkin i de sidste årtier af sit liv sit billedsprog mere dramatisk ned end nogensinde før. Han blev mere dygtig til at formidle farvens, penselstrøgets, overfladens, kompositionens og malingens udtryksfulde potentiale. I sine sidste år var hans kompositioner hans enkleste og måske mest dybsindige, idet de dygtigt formidlede hans grundlæggende idé om hukommelsens og følelsens flygtige kraft.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, olie på træ, 31 x 35 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

Forsidebillede: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalje), 1961-62, olie på lærred, 34 x 39 tommer
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio