Grenzenlose Energie - Die Kunst von Julio Le Parc
Die Welt hat Julio Le Parc wiederentdeckt. Der in Argentinien geborene und in Frankreich lebende Künstler, der auch heute noch in seinen späten 80ern in seinem Atelier aktiv ist, half in den 1960er Jahren, die kinetische Kunst zu prägen, und war ein früher Verfechter der Idee von Kunst als interaktives, demokratisches Erlebnis. Im Vergleich zu seinen Zeitgenossen hat Le Parc jedoch nicht gerade die ihm gebührende Anerkennung erhalten. Das liegt teilweise an seiner eigenen Entscheidung. Bereits 1966 gewann er den Großen Preis für Malerei auf der 33. Biennale von Venedig. Kurz darauf wurde ihm eine Retrospektive im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris angeboten. Doch der Legende nach ließ er das Schicksal durch einen Münzwurf entscheiden und lehnte die Gelegenheit ab. Diese Geschichte verdeutlicht seine Missachtung des Kunstestablishments und seinen Glauben, dass Kunst in erster Linie für die Menschen da sein sollte. Sie erklärt auch weitgehend, warum er trotz fortgesetzter Arbeit, die er selbst als „Forschungsanfragen“ bezeichnet, in den 1970er Jahren in Vergessenheit geriet. 2013 tauchte Le Parc mit einer Einzelausstellung im Palais de Tokyo in Paris wieder auf. Für die meisten Besucher dieser Ausstellung war Le Parc eine Offenbarung. Im folgenden Jahr erhielt er seine erste große Einzelausstellung im Vereinigten Königreich, in der Serpentine Gallery. 2016 genoss er schließlich seine erste Retrospektive in einem Museum, im Perez Art Museum Miami. In diesem Jahr wurde seine Arbeit bereits in einer großen Einzelausstellung in New York gezeigt und ist derzeit in zwei weiteren bedeutenden Ausstellungen vertreten: einer Gruppenausstellung mit Jesús Rafael Soto im Palm Springs Art Museum mit dem Titel Kinästhesie: Lateinamerikanische kinetische Kunst, 1954–1969; und einer Einzelausstellung bei Perrotin Paris. Im nächsten Monat wird eine weitere Retrospektive seiner Werke im Tomie Ohtake Institut in São Paulo, Brasilien, eröffnet. Diese Ausstellung markiert einen wichtigen historischen Moment für diesen Künstler, der Südamerika aus Angst vor seiner zu revolutionären Haltung verließ, nun aber als anerkannter Pionier zurückkehrt, der bereits vor mehr als einem halben Jahrhundert die sozialen und politischen Untertöne der abstrakten Kunst erfasste.
Sozial-politische Wurzeln
Die Werke von Julio Le Parc sind revolutionär. Einige sind es buchstäblich, da sie aus reflektierenden Metallstücken bestehen, die sich drehen, während sie an Fäden von der Decke hängen. Doch sein Gesamtwerk ist auch in einem anderen Sinne revolutionär, denn es ist ein Ausdruck von Unabhängigkeit und Freiheit. Le Parc wurde in der Arbeiterstadt Mendoza geboren, die am Fuße der Anden liegt, etwa 1100 km von der argentinischen Hauptstadt Buenos Aires entfernt. Wie die meisten seiner Mitbürger begann Le Parc schon früh zu arbeiten. Von seinem 13. bis 18. Lebensjahr hatte er viele verschiedene Jobs, darunter Zeitungszusteller, Fahrradmechaniker, Obstverpacker, Lederarbeiter, Bibliotheksangestellter und Metallfabrikarbeiter.
Doch als Kind hatte er noch zwei weitere Interessen. Er zeichnete gern Bilder von Berühmtheiten und interessierte sich für die Studentenproteste, die stattfanden, als junge Menschen nach Wegen suchten, autoritäre Elemente in der Regierung zu reformieren. Bereits mit 15 Jahren fand Le Parc eine Möglichkeit, alle drei Faktoren – Arbeitsethos, künstlerisches Talent und Interesse an sozialer Aufklärung – zu verbinden, indem er Abendkurse an der Kunstschule besuchte. Dort hatte er das Glück, Schüler von Lucio Fontana zu sein, dem innovativen Modernisten, dessen Experimente mit Raum ihn zu einer der wichtigsten Figuren der weltweiten Avantgarde Mitte des 20. Jahrhunderts machten. Fontana führte Le Parc an die aufkommende südamerikanische Neo-Konkrete Bewegung heran, die ihn inspirierte, in die Zukunft zu blicken und einen innovativen Zugang zur Ästhetik zu wählen.
Julio Le Parc – Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin
Auf nach Paris
Mit 18 Jahren verließ Le Parc die Schule und auch seine Familie. Acht Jahre lang reiste er durch das Land. Mit 26 kehrte er nach Buenos Aires zurück, voller neuer Begeisterung für seine Zukunft, und schrieb sich an der Akademie der Schönen Künste ein. Dort lernte er Malerei, Bildhauerei und Druckgrafik und knüpfte Kontakte zu anderen jungen Künstlern seiner Generation. Gemeinsam stellten sie alles infrage – von den anerkannten Kunststandards bis hin zu den akzeptierten Normen von Regierung und Gesellschaft. Einmal beteiligte sich Le Parc an einer direkten politischen Aktion, bei der Studenten die drei wichtigsten Kunstschulen Argentiniens besetzten, die Direktoren vertrieben und versuchten, eine von Studenten geführte Schulverwaltung einzurichten. Obwohl diese Bewegung letztlich niedergeschlagen wurde und Le Parc sowie viele seiner Freunde verhaftet wurden, regte sie sie zum Nachdenken über ihre Zukunft als Künstler an.
Le Parc und seine Freunde betrachteten kritisch, was sie in Argentinien erreichen konnten, und entschieden, dass der einzige Weg, wirklich mit der internationalen Avantgarde in Verbindung zu treten, darin bestand, nach Paris zu ziehen. Während viele seiner Zeitgenossen diesen Traum nie verwirklichen konnten, gewann Le Parc einen Kunstwettbewerb, der vom französischen Kulturdienst gesponsert wurde, und erhielt ein Stipendium, um nach Paris zu ziehen und Kunst zu studieren. 1958 verließ er Argentinien. Nach seiner Ankunft in Paris fand er sofort Anschluss bei mehreren anderen Zugezogenen, wie Jesús Rafael Soto und Francisco Sobrino, die verwandte Geister waren. Er lernte auch eine ältere Künstlergeneration kennen, angeführt von Victor Vasarely, dessen Arbeit mit Kinetik und optischen Täuschungen sie nach Le Parcs und seinen Freunden Meinung an die Spitze der Avantgarde stellte.
Julio Le Parc – Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin
Soziale Eingriffe und utopisches Licht
Was Le Parc an kinetischer Kunst am meisten faszinierte, war die Tatsache, dass sie sich ständig verändert, je nach Umständen und Betrachter. Le Parc erkannte, dass statische Kunst autoritär sein kann, da unveränderliche Objekte eine formale Betrachtung erzwingen. Er sah Bewegung als Mittel, das Kunsterlebnis zu demokratisieren. Er schloss daraus, dass, wenn ein Werk bei jedem Betrachten anders ist, niemand je eine endgültige, autoritäre Erklärung dafür geben kann. Kinetische Kunst ist daher von Natur aus offen, demokratisch und frei. Betrachter solcher Werke stehen nicht unter der Knute von Akademien, Institutionen und Kritikern, die sich oft wie ein faschistisches Regime verhalten und kontrollieren, wie die Öffentlichkeit Kultur erlebt.
Diese grundlegende Erkenntnis war für Le Parc wegweisend. Sie führte zu zwei weiteren wichtigen Entdeckungen. Die erste war, dass Kunst ein öffentliches Erlebnis sein sollte, nicht nur ein institutionelles. Diese Idee setzte er um, als er und seine Freunde eine Reihe öffentlicher Eingriffe initiierten, bei denen sie kinetische ästhetische Phänomene spielerisch in öffentlichen Räumen einführten und das Publikum zur Interaktion mit der Kunst aufforderten. Die zweite große Entdeckung war, dass eines der stärksten visuellen Mittel, die Wahrnehmung eines Kunstwerks zu verändern, das Licht ist. Diese Erkenntnis führte zu einer lebenslangen Faszination für Licht als kinetisches Element – ein Element, das er in vielen seiner kraftvollsten Werke als interaktiven Bestandteil einsetzte.
Julio Le Parc – Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin
Ein Erbe der Offenheit
Heute interessieren sich viele junge Künstler für soziale Praxis in der Kunst und sind neugierig auf die Ansprüche der Betrachter, ihr eigenes ästhetisches Erlebnis zu definieren. Doch viele erkennen Julio Le Parc nicht als Wegbereiter jener Künstlergeneration an, die diese Themen erstmals in den Vordergrund der Avantgarde rückte. Wie seine jüngsten Ausstellungen zeigen, verdient Le Parc einen hohen Rang neben Künstlern wie Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez und natürlich Jesús Rafael Soto und Francisco Sobrino – Künstler, die Pionierarbeit in Kinetik, Optik und sozialer Praxis leisteten. Le Parc hat die einfache Idee der Aktion – das Erzwingen von Bewegung und Reaktion der Betrachter, um ein Erlebnis zu vervollständigen – zu einem Mittel gemacht, Kunst zu demokratisieren. Sein Werk steht als radikale Alternative zum oft mit ästhetischen Dingen verbundenen konkreten Absolutismus. Es erinnert daran, in Bewegung zu bleiben, offen zu sein und eine ständige Bereitschaft zur Veränderung zu bewahren.
Seine Arbeit ist auch eine Einladung, nicht zu ernst zu sein und bereit zu sein, zu spielen. Dies betonte er in einem Interview 2016 in der New York Times. Beim Rundgang durch sein Atelier entdeckte die Interviewerin Emily Nathan ein Werk von Le Parc aus dem Jahr 1965 mit dem Titel „Ensemble de onze mouvements-surprise“ (Set aus elf Überraschungsbewegungen). Das Werk, wie der Name sagt, bestand aus elf verschiedenen Elementen aus unterschiedlichen Materialien, die von Motoren angetrieben wurden und vom Betrachter gesteuert werden konnten. Als Nathan offensichtlich das Werk berühren wollte, ermutigte Le Parc sie: „Spiel ruhig damit.“ Sie tat es und bemerkte sofort, dass jedes bewegliche Teil auch einen Klang erzeugte. Eine Symphonie aus Aktion und Klang entstand. In einer perfekten Zusammenfassung seines Beitrags zum Erbe der demokratisierten Kultur sagte Le Parc über die verschiedenen Steuerungen: „Sie alle zeichnen unterschiedliche Bilder. Ich sehe vielleicht etwas Bestimmtes darin, aber jeder hat das Recht, zu sehen, was er sieht.“
Julio Le Parc - Rote Kugel (Sphère rouge), aus Plexiglas und Nylon. Foto: Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Foto: André Morin
Titelbild: Julio Le Parc – Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio
