Grenzenlose Energie - Die Kunst von Julio Le Parc

Die Welt hat Julio Le Parc wiederentdeckt. Der in Argentinien geborene, in Frankreich lebende Künstler, der auch in seinen späten 80ern noch aktiv in seinem Atelier ist, half in den 1960er Jahren, die kinetische Kunst zu definieren, und war ein früher Befürworter der Idee, dass Kunst eine interaktive, demokratische Erfahrung sein sollte. Im Vergleich zu seinen Zeitgenossen hat Le Parc jedoch nicht genau den Respekt erhalten, den er verdient. Das ist teilweise seine eigene Wahl. 1966 gewann er den Großen Preis für Malerei auf der 33. Biennale von Venedig. Kurz darauf wurde ihm eine Retrospektive im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris angeboten. Laut Legende ließ er jedoch das Werfen einer Münze entscheiden, dass er die Gelegenheit ablehnen sollte. Diese Geschichte verdeutlicht seine Missachtung gegenüber dem Kunstestablishment und seinen Glauben, dass Kunst in erster Linie für die Menschen sein sollte. Sie erklärt auch weitgehend, warum er trotz der Fortsetzung seiner Arbeit, oder wie er es nennt, der Durchführung von „Forschungsanfragen“, in den 1970er Jahren in die Obskurität fiel. 2013 tauchte Le Parc mit einer Einzelausstellung im Palais de Tokyo in Paris wieder auf. Für die meisten Menschen, die diese Ausstellung sahen, war Le Parc eine Offenbarung. Im folgenden Jahr erhielt er seine erste große Einzelausstellung im Vereinigten Königreich, in der Serpentine Gallery. Dann, 2016, genoss er endlich seine erste Retrospektive in einem Museum, im Perez Art Museum Miami. In diesem Jahr wurde seine Arbeit bisher in einer großen Einzelausstellung in New York gezeigt und ist derzeit in zwei weiteren großen Ausstellungen enthalten: einer Gruppenausstellung mit Jesús Rafael Soto im Palm Springs Art Museum mit dem Titel Kinesthesia: Lateinamerikanische kinetische Kunst, 1954-1969; und einer Einzelausstellung bei Perrotin Paris. Und nächsten Monat wird eine weitere Museum-Retrospektive seiner Arbeiten im Tomie Ohtake Institut in São Paulo, Brasilien, eröffnet. Diese Ausstellung wird einen wichtigen historischen Moment für diesen Künstler markieren, der Südamerika verließ aus Angst, er sei zu revolutionär, aber der nun als anerkannter Pionier zurückkehrt, der vor mehr als einem halben Jahrhundert die sozialen und politischen Untertöne der abstrakten Kunst erfasste.

Sozio-Politische Wurzeln

Die Kunstwerke, die Julio Le Parc schafft, sind revolutionär. Einige sind es buchstäblich, da sie aus reflektierendem Metall bestehen, das sich dreht, während es an Fäden hängt, die von der Decke baumeln. Aber sein Werk ist auch in einem anderen Sinne revolutionär, da es ein Statement für Unabhängigkeit und Freiheit ist. Le Parc wurde in der Arbeiterstadt Mendoza geboren, die am Fuß der Anden liegt, etwa 1100 km (600 Meilen) von der argentinischen Hauptstadt Buenos Aires entfernt. Wie die meisten anderen in seiner Heimatstadt zu dieser Zeit begann Le Parc früh zu arbeiten. Von 13 bis 18 Jahren hatte er viele Jobs, darunter Zeitungsjunge, Fahrradmechaniker, Obstpacker, Lederarbeiter, Bibli Angestellter und Metallwerkarbeiter.

Aber er hatte auch zwei andere Interessen als kleines Kind. Er war gut darin, Bilder von Prominenten zu zeichnen, und er interessierte sich für die Studentenproteste, die stattfanden, während junge Menschen nach Wegen suchten, autoritäre Elemente in der Regierung zu reformieren. Bereits im Alter von 15 Jahren fand Le Parc einen Weg, all drei dieser Faktoren – die Arbeitsmoral, das künstlerische Talent und das Interesse an sozialer Aufklärung – zu vereinen, indem er Abendkurse an der Hochschule für Bildende Kunst belegte. Dort hatte er das Glück, Schüler von Lucio Fontana zu sein, dem innovativen Modernisten, dessen Experimente mit Raum ihn zu einer der wichtigsten Figuren der globalen Avantgarde des mittleren 20. Jahrhunderts machten. Fontana führte Le Parc in die aufkommende, südamerikanische Neo-Concrete-Bewegung ein, die ihn inspirierte, in die Zukunft zu blicken und einen innovativen Ansatz zur Ästhetik zu verfolgen.

Julio Le Parc - Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin

Auf dem Weg nach Paris

Mit 18 Jahren verließ Le Parc die Schule und auch seine Familie. Acht Jahre lang reiste er durch das Land. Mit 26 Jahren kehrte er mit neuer Begeisterung für seine Zukunft nach Buenos Aires zurück und schrieb sich an der Akademie der Schönen Künste ein. Dort lernte er, Gemälde, Skulpturen und Drucke zu erstellen, und wurde mit anderen jungen Künstlern seiner Generation verbunden. Gemeinsam forderten er und seine Zeitgenossen alles in Frage, von den akzeptierten Standards der Kunst bis zu den akzeptierten Standards der Regierung und Gesellschaft. An einem Punkt nahm Le Parc an einer direkten politischen Aktion teil, die dazu führte, dass Studenten die drei großen Kunstschulen in Argentinien besetzten, die Direktoren hinauswarfen und versuchten, eine von Studenten geführte Schulregierung einzurichten. Obwohl diese Bewegung letztendlich niedergeschlagen wurde und Le Parc und viele seiner Freunde verhaftet wurden, brachte sie sie zum Nachdenken über ihre Zukunft als Künstler.

Le Parc und seine Freunde schauten sich genau an, was sie in Argentinien erreichen konnten, und entschieden, dass der einzige Weg, um wirklich mit der internationalen Avantgarde in Verbindung zu treten, darin bestand, nach Paris zu ziehen. Obwohl viele seiner Zeitgenossen niemals die Chance haben würden, diesen Traum zu verwirklichen, gewann Le Parc einen Kunstwettbewerb, der vom Französischen Kulturservice gesponsert wurde, und erhielt ein Stipendium, um nach Paris zu ziehen und Kunst zu studieren. Er verließ Argentinien 1958. Nach seiner Ankunft in Paris freundete er sich sofort mit mehreren anderen Zuwanderern an, wie Jesús Rafael Soto und Francisco Sobrino, die verwandte Seelen waren. Er machte auch die Bekanntschaft einer älteren Generation von Künstlern, angeführt von Victor Vasarely, deren Arbeiten mit Kinetik und optischen Illusionen sie in der Meinung von Le Parc und seinen Freunden an die Spitze der Avantgarde stellten.

Julio Le Parc - Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin

Soziale Interventionen und utopisches Licht

Was Le Parc an kinetischer Kunst am meisten interessierte, ist die Tatsache, dass sie sich ständig verändert, je nach Umständen und wer sie betrachtet. Le Parc schloss daraus, dass statische Kunst die Fähigkeit hat, autoritär zu sein, da unveränderliche Objekte verlangen, formal betrachtet zu werden. Er sah Bewegung als eine Möglichkeit, die Erfahrung des Kunstbetrachters zu demokratisieren. Er vermutete, dass, wenn das Werk jedes Mal anders aussieht, wenn jemand es betrachtet, niemand jemals zu einer autoritativen Erklärung gelangen kann. Kinetische Kunst ist daher von Natur aus offen, demokratisch und frei. Betrachter solcher Kunstwerke stehen nicht unter dem Einfluss der Akademien, Institutionen und Kritiker, die so oft so handeln, als wären sie ein faschistisches Regime, das kontrolliert, wie die Öffentlichkeit Kultur erlebt.

Diese grundlegende Erkenntnis war transformativ für Le Parc. Sie führte ihn zu zwei weiteren wichtigen Entdeckungen. Die erste war, dass Kunst eine öffentliche Erfahrung sein sollte, nicht nur eine institutionelle. Er setzte diese Idee in die Tat um, als er und seine Freunde eine Reihe von öffentlichen Interventionen ins Leben riefen, bei denen sie kinetische ästhetische Phänomene auf spielerische Weise in öffentliche Bereiche einführten, die das Publikum dazu erforderten, mit der Kunst zu interagieren. Die zweite wichtige Entdeckung war, dass eine der mächtigsten visuellen Kräfte, die die Art und Weise verändern kann, wie Menschen ein Kunstwerk sehen, Licht ist. Diese Entdeckung führte ihn zu einer lebenslangen Faszination für Licht als kinetisches Element – ein Element, das er als interaktive Komponente in vielen seiner kraftvollsten Werke verwendet hat.

Julio Le Parc - Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin

Ein Erbe der Offenheit

Heute interessieren sich viele junge Künstler für soziale Praktiken in der Kunst und sind neugierig auf das Anrecht, das Zuschauer beanspruchen, um ihre eigene ästhetische Erfahrung zu definieren. Doch viele erkennen Julio Le Parc nicht als einen Führer der Generation von Künstlern, die diese Themen zuerst in den Vordergrund der Avantgarde gebracht haben. Wie seine jüngsten Ausstellungen zeigen, verdient Le Parc einen erhöhten Status, gleich neben Künstlern wie Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez und natürlich Jesús Rafael Soto und Francisco Sobrino – Künstler, die Kinetik, Optik und soziale Praxis in der Kunst pioniert haben. Le Parc hat die einfache Idee der Aktion – die Zuschauer zu zwingen, sich zu bewegen und zu reagieren, um eine Erfahrung zu vervollständigen – aufgegriffen und sie in eine Möglichkeit verwandelt, Kunst zu demokratisieren. Sein Werk steht als radikale Alternative zum konkreten Absolutismus, der so oft mit ästhetischen Dingen verbunden wird. Es ist eine Erinnerung daran, in Bewegung zu bleiben, offen zu sein und eine ständige Bereitschaft zur Transformation zu umarmen.

Und seine Arbeit ist auch eine Einladung, sich daran zu erinnern, nicht so ernst zu sein und bereit zu sein, zu spielen. Dies betonte er in einem Interview mit der New York Times im Jahr 2016. Während sie in seinem Atelier umherging, fand die Interviewerin, Emily Nathan, ein Werk, das Le Parc 1965 geschaffen hatte, mit dem Titel „Ensemble de onze mouvements-surprise“ (Set von elf Überraschungsmomenten). Das Stück hatte, wie der Name schon sagt, elf verschiedene Elemente aus unterschiedlichen Materialien, die von Motoren aktiviert wurden, die der Betrachter steuern konnte. Da Nathan offensichtlich damit spielen wollte, meldete sich Le Parc zu Wort. Er sagte: „Mach ruhig und spiel damit.“ Das tat sie, und bemerkte sofort, dass jedes bewegliche Teil auch einen Klang erzeugte. Eine Symphonie aus Aktion und Gesang erwachte zum Leben. In einer perfekten Zusammenfassung seines Beitrags zum Erbe der demokratisierten Kultur sagte Le Parc über die verschiedenen Steuerungen: „Sie alle erzeugen unterschiedliche Zeichnungen. Ich könnte in ihnen eine Sache sehen, aber jeder Mensch hat die Erlaubnis, zu sehen, was auch immer er sieht.“

Julio Le Parc - Sphère rouge (Rote Kugel), aus Plexiglas und Nylon. © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Foto: André Morin

Vorgestelltes Bild: Julio Le Parc - Bifurkationen, Einzelausstellung bei Perrotin, Paris, Installationsansicht, © Perrotin

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio