Die wagemutigen Künstler der russischen Avantgarde

Stellen Sie sich zwei Kinder auf einem Karussell vor. Eines ist Kunst, das andere Geschichte. Die meiste Zeit schiebt Geschichte und Kunst fährt mit, kommentiert gelegentlich: „Zu schnell“ oder „Zu langsam“. Aber hin und wieder schiebt Kunst und Geschichte fährt mit. Die Russische Avantgarde entstand in einer Zeit zwischen dem Zusammenbruch des Russischen Kaiserreichs und dem Aufstieg der Sowjetunion. In dieser viel zu kurzen Zeit, zwischen etwa 1890 und 1930, hatten Kreativität und Originalität die Oberhand über die russische Intelligenz und Kunst übernahm die Kontrolle über das Karussell. Obwohl die Auswirkungen der Ideen der Russischen Avantgarde in der modernen Russischen Föderation kaum sichtbar sind, bleibt das globale Erbe ihres Genies bestehen.

Die Samen der russischen Avantgarde

Um russische Avantgarde-Künstler zu verstehen, ist es hilfreich, Russlands Vergangenheit zu kontextualisieren. Jeder, der jemals einen Globus gesehen hat, weiß, wie riesig Russland ist. Und bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts war es nicht nur eines der größten Länder der Welt, sondern auch eines der bevölkerungsreichsten. Der überwiegende Teil dieser Bevölkerung war ländlich. Selbst noch 1861, als Zar Alexander II. sie schließlich emancipierte, waren bis zu einem Fünftel aller Russen landwirtschaftliche Leibeigene.

Russland war seit seiner Gründung eine Monarchie. Doch die enormen technologischen und sozialen Veränderungen, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stattfanden, schufen Umstände, die dieses Regierungssystem zum Scheitern verurteilten. Bei Anbruch des 20. Jahrhunderts war offensichtlich, dass die russische Gesellschaft am Rande eines massiven Wandels stand. Die Frage war, welche Form dieser Wandel annehmen würde. So kam es, dass eine praktische Gesellschaft, die nie viel Bedarf an abstraktem kreativen Denken gehabt hatte, plötzlich nach Inspiration bei der Avantgarde suchte.

Wassily Kandinsky - Komposition IV, 1911. Öl auf Leinwand. 159,5 x 250,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Deutschland

Höchstes Wesen

Ein Mann, der bereit und in der Lage war, sich der Herausforderung zu stellen, war ein Künstler namens Kazimir Malevich. Ausgebildet als gegenständlicher Künstler, hatte Malevich mit Kubismus und Futurismus experimentiert, um eine Ästhetik zu entdecken, die der modernen Welt würdig war. Er fand, wonach er suchte, in einer von ihm erfundenen Bewegung namens Suprematismus, einer Ästhetik, die auf flachen, zweidimensionalen geometrischen Formen basiert. Er nannte seinen geometrischen abstrakten Stil Suprematismus, weil er glaubte, dass er den höchsten malerischen Ausdruck repräsentierte.

Früher basierte die russische Kultur, und insbesondere die russische Kunst, auf der Idee, dass Künstler in irgendeiner Weise die objektive Welt darstellen sollten. Der Suprematismus war rein abstrakt und daher offen für Interpretationen. Dieses Konzept, dass die Betrachter frei waren, Kunst nach ihrem eigenen Intellekt zu interpretieren, war sowohl neuartig als auch bedrohlich. Malevich schlug vor, dass es mehr in der Welt gab als die objektive Realität und dass Individuen selbstständig denken sollten: in russischen historischen Begriffen zwei revolutionäre Ideen.

Kazimir Malevich - Schwarzes Kreuz, 1915, Öl auf Leinwand, 80 x 80 cm, Staatliches Russisches Museum

Das Spirituelle in der Kunst

Zusammen mit Malevich an der Spitze der russischen Avantgarde-Leiter stand Wassily Kandinsky. Kandinsky gilt als der erste rein abstrakte Maler der modernen Geschichte. Obwohl jüngste Enthüllungen darauf hindeuten, dass mindestens zwei andere Künstler Jahrzehnte vor Kandinsky abstrakte Werke malten, betrachten die meisten Kandinsky dennoch als eine zentrale Figur sowohl in der Abstraktion als auch in der modernen Kunst im Allgemeinen. Das liegt zum großen Teil sowohl an seinen Gemälden als auch an seinen Schriften.

Kandinskys wegweisendes Buch „Über das Geistige in der Kunst“ behandelt ausführlich seine intellektuelle Suche, einen rein abstrakten Malstil zu entwickeln. Er vergleicht seine Suche mit der instrumentalen Musik, die Emotionen, geistige Zustände, Gefühle und abstrakte Gedanken ohne repräsentative Sprache ausdrückt. Kandinsky schrieb über seinen Wunsch, einen nicht-repräsentationalen visuellen Stil zu erreichen, der, wie die Musik, die spirituellen Universalitäten der menschlichen Existenz kommunizieren könnte. Wie Malevich war Kandinsky ein Revolutionär, indem er lediglich vorschlug, dass Menschen durch Kreativität, Individualität und Gedankenfreiheit etwas Tieferes und Wichtigeres erreichen könnten.

Kazimir Malevich - Schwarzes Quadrat, 1915, © Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Etwas Konstruktives Tun

Zur gleichen Zeit, als Malevich und Kandinsky die tieferen Bedeutungen und Universalitäten der Abstraktion erkundeten, erforschten andere Mitglieder der russischen Avantgarde eine nahezu gegensätzliche Art von abstrakter Kunst. Bekannt als Konstruktivismus, basierte dieser Stil auf derselben geometrischen abstrakten Sprache, die Malevich verwendete, wurde jedoch einem völlig anderen Ziel zugeführt. Das Ziel der konstruktivistischen Kunst war es, nützlich zu sein. Die Konstruktivisten wiesen Wassily Kandinsky wegen seiner Hinwendung zur Spiritualität zurück. Malevich verspottete den Konstruktivismus wegen seiner propagandistischen Ziele.

Eine der liebenswertesten Figuren des Konstruktivismus war der russische Avantgarde-Künstler und Architekt Wladimir Tatlin. Er wird nicht für das erinnert, was er tat, sondern für das, was er nicht tat. Nach der Revolution entwarf er ein Modell für den Tatlinschen Turm, der als kolossales Denkmal für die Bolschewiken gedacht war. Er hätte 400 m hoch sein sollen, 76 m höher als der Eiffelturm. Er sollte Optimismus, industrielle Überlegenheit und die strahlende russische Zukunft, die vor uns lag, vermitteln. Aber er wurde nie gebaut. Der Stahl war nach dem Ersten Weltkrieg nicht verfügbar, und außerdem war das Design strukturell unsicher. Rückblickend ist Tatlins nicht verwirklichter Turm das ultimative Konstruktivisten-Denkmal. Er offenbarte die Schwächen seiner Gesellschaft. Was könnte nützlicher sein, um zu verstehen und somit überwinden zu können?

Kasimir Malewitsch - Suprematistische Komposition Flugzeug fliegend, 1915, Öl auf Leinwand, 22 7/8 x 19 Zoll, MoMA Sammlung

Das fehlende Bindeglied

Viele Kunsthistoriker beenden ihre Liste der russischen Avantgarde-Künstler mit Malevich, Kandinsky und Tatlin. Aber jemand, der oft von der Liste gestrichen wird, ist eine Frau namens Aleksandra Ekster, eine Künstlerin, die in vielerlei Hinsicht eine wichtige Verbindung zwischen Russland und Westeuropa während der bedeutendsten Jahre der Avantgarde war.

Jede bedeutende russische Avantgarde-Bewegung blühte um 1913 auf. Fünf Jahre zuvor, 1908, verließ Aleksandra Ekster zum ersten Mal Russland, um in Paris Kunst zu studieren. Dort freundete sie sich mit Pablo Picasso und Georges Braque an, die sie in die Gesellschaft anderer französischer Künstler und Intellektueller der Zeit einführten. Sie wurde tief von ihren Ideen beeinflusst, nahm sie mit nach Kiew, St. Petersburg und Moskau und teilte sie unter anderem mit Kazimir Malevich, Wassily Kandinsky und Wladimir Tatlin. Ekster war eine wichtige Verbindung zwischen den russischen und westeuropäischen Intelligenzeln. Vielleicht wird sie vergessen, weil sie sich nie auf einen bestimmten Stil festlegte. Sie blieb offen, unabhängig, kreativ und experimentell. Sie blieb Avantgarde.

Wassily Kandinsky - Schwarzer Fleck I (Detail), 1912, Öl auf Leinwand, Sankt Petersburg, Die Russische Museum

Die sowjetische Realität

Dank der internationalen Bemühungen dieser Schlüsselmitglieder der russischen Avantgarde wurde die gesamte moderne Kunstwelt für immer bereichert. In Russland war jedoch der einzige bleibende Einfluss der des Konstruktivismus. Dank der Praktikabilität dieser Bewegung passte sie zu dem, was als sowjetischer Realismus bezeichnet wird, der Stalins Vision davon war, was die aufstrebende Sowjetunion von ihren Künstlern benötigte oder vielmehr forderte.

In den frühen 1930er Jahren diktierten sowjetische Staatsordnungen, dass alle Kunst für die russische Gesellschaft nützlich sein sollte. Die Kernprinzipien des sowjetischen Realismus waren, dass alle Kunst proletarisch (relevant und verständlich für Arbeiter), typisch (aus alltäglichen Genreszenen zusammengesetzt), realistisch (im traditionellen, repräsentativen Sinne) und parteiisch (unterstützend für die offiziellen Staats- und Parteiziele) sein musste. Und so behauptete sich die Geschichte erneut auf dem Karussell, und die Kunst war einmal mehr nur mit auf der Fahrt. Glücklicherweise überlebten die Ideen und Einflüsse der russischen Avantgarde anderswo, beeinflussten jede kommende moderne Kunstbewegung und inspirierten weiterhin zeitgenössische Künstler, die danach streben, zu experimentieren und sich von den Ideen der Vergangenheit zu befreien.

Vorgestelltes Bild: Wassily Kandinsky - Untitled (Erste abstrakte Aquarell), 1910, Aquarell und indische Tinte und Bleistift auf Papier, 19,5 × 25,5" (49,6 × 64,8 cm), Centre Georges Pompidou, Paris
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio