Die glorreiche Austerität von Ben Nicholson

Als Ben Nicholson 1982 im Alter von 88 Jahren starb, hinterließ er in seiner Heimat England ein zwiespältiges Erbe. Einerseits gelten seine abstrakten Reliefs bei den meisten britischen Fachleuten als Inbegriff des britischen Modernismus. Andererseits hatte Nicholson den Ruf, ein wenig ein Schausteller zu sein – ein Künstler, der seinen Stil häufig und strategisch wechselte, um auf dem Markt relevant zu bleiben. An einem Tag schuf er ein abstraktes Relief, doch wenn dieses sich nicht verkaufte, kehrte er am nächsten Tag wieder zu einem schönen Landschaftsgemälde zurück. Welche Version von Nicholson der Wirklichkeit am nächsten kommt, ist in Großbritannien bei jeder Retrospektive seiner Werke ein heiß diskutiertes Thema. Für Betrachter außerhalb Großbritanniens ist die Frage jedoch rein akademisch. International gesehen ist die Quintessenz, dass Nicholson mit seinen Reliefgemälden der Geschichte der modernistischen abstrakten Kunst etwas Einzigartiges hinzufügte – eine Leistung, die niemandem leichtfällt. Sein Vermächtnis hängt nicht davon ab, ob er diese Werke schuf, weil er dachte, sie würden sich verkaufen, oder ob er nur strategisch handelte, um mit seinen Zeitgenossen zu konkurrieren. Die Reliefs sind schlichtweg phänomenale Beispiele für Strenge und Präzision und verdienen es daher, verherrlicht zu werden. Gerade ihre Strenge und Präzision führen dazu, dass viele Menschen die Reliefs als typisch britisch beschreiben. Sie sind wie greifbare Darstellungen des britischen Wunsches, alles in der unordentlichen Welt auf etwas Einfaches, Klarheit und Geradliniges zu reduzieren. Doch ihre überarbeitete Oberfläche und obsessive Arbeitsweise offenbaren vielleicht auch etwas anderes über die britische Kultur – dass unter der Oberfläche dieser öffentlichen Suche nach Strenge eine unterschwellige Angst und Besessenheit verborgen liegt.

Die Suche nach Neuem

Nicholson wurde 1894 in eine Familie geboren, die buchstäblich vor künstlerischem Talent überquoll. Sein Vater und seine Mutter waren beide Maler, und seine mütterliche Großmutter war die Nichte der Künstler Robert Scott Lauder und James Eckford Lauder. Nicht nur Nicholson wurde Künstler, auch seine Schwester wurde es, und sein Bruder wurde Architekt. Doch statt sich an seinem künstlerischen Erbe zu erfreuen, suchte Nicholson Abstand von dem, was er für eine krankhaft romantische Vorstellung hielt. Nicholson war ein aufstrebender Modernist. Er wollte Werke schaffen, die die idealsten Aspekte der modernen Welt zeigten. Mit diesen Zielen schrieb er sich 1910 im Alter von 16 Jahren an der Slade School of Fine Art ein, der angesehensten britischen Kunstschule. Doch offenbar verbrachte er seine Zeit lieber mit Billardspielen als mit dem Unterricht und brach nach einem Semester ab.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Radierung auf einer gebrauchten Platte (zuvor I.C.I.-Schuppen, 1948). BAT-Probe; mit Bleistift bezeichnet 'bon a tirer BN'; mit Bleistift auf der Rückseite bezeichnet 'Künstlerprobe (moonshine)'; Anmerkungen in Bleistift auf der Rückseite in anderer Hand. 12 3/5 × 15 Zoll; 32 × 38 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Gallery, London

Nicholson erinnerte sich später, dass seine beste Kunstausbildungserfahrung seine Reise in die Vereinigten Staaten 1917 war. Während eines Besuchs in Kalifornien begegnete er zum ersten Mal der synthetischen kubistischen Arbeit von Picasso. Die Aufteilung der Wirklichkeit in vereinfachte Massen und Ebenen hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Nicholson, der den Rest seines Lebens mit diesem Maßstab verglich. Doch erst 1924 gelang es ihm, seine erste eigene abstrakte Komposition zu schaffen. Mit dem Titel „1924 (erstes abstraktes Gemälde, Chelsea)“ maß sie 55,4 x 61,2 cm. Das Öl- und Bleistiftwerk auf Leinwand besteht aus einer Anordnung gedämpfter, überlappender Quadrate und Rechtecke, die leicht schräg gestellt sind. Die Oberfläche ist malerisch, aber auch flach. Es scheint auf geometrische Kompositionen von Künstlern wie Malevich und Mondrian zu verweisen, doch seine bescheidenen Materialeigenschaften verleihen ihm eine weit weniger akademische Qualität als die Werke dieser Künstler. Nach diesem Gemälde kehrte Nicholson jedoch wieder zu Landschaftsbildern und Stillleben zurück. Es sollten noch zehn Jahre vergehen, bis er zu den abstrakten Reliefarbeiten fand, die ihn berühmt machen sollten.

Ben Nicholson - Stillleben, 1962. Lithografie auf Papier. 18 1/2 × 26 Zoll; 47 × 66 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung der Frestonian Gallery, London

Süße Erleichterung

Nach Picasso war die Künstlerin, die den tiefgreifendsten Einfluss auf Nicholson hatte, Barbara Hepworth. Nicholson und Hepworth begannen um 1931 miteinander zu verkehren. Ihre Verbindung begann beruflich, entwickelte sich aber bald zu einer Affäre, die zur Scheidung von Nicholsons erster Frau führte. Anders als Nicholson war Hepworth von ihrer Suche nach Abstraktion überzeugt. Sie glaubte uneingeschränkt an den Wert von Massen und Ebenen und wusste, dass eine abstrakte Form allein wegen ihrer materiellen und formalen Qualitäten geschätzt werden kann. Drei Jahre nach Beginn seiner Beziehung zu Hepworth schuf Nicholson seine ersten geschnitzten Reliefs. Für diese Werke schnitt er einfache Formen wie Kreise und Quadrate aus Pappe aus und klebte die Pappstücke übereinander. Die Werke waren dafür gedacht, an der Wand zu hängen, wobei ihre dreidimensionalen Eigenschaften die traditionelle Flächigkeit der Malerei infrage stellten. Er bemalte ihre Oberflächen mit gedämpften Farbtönen und kratzte die Farbe dann obsessiv mit Rasierklingen ab. Dies verglich er mit dem Anblick seiner Mutter, die als Kind den Küchentisch schrubbte. Die abgenutzte Ästhetik steht im Widerspruch zur minimalen Präzision der Formen und schafft so sowohl Dissonanz als auch Ausgewogenheit.

Ben Nicholson - Olympic Fragment, 1966. Radierung. 7 9/10 × 9 4/5 Zoll; 20 × 25 cm. Auflage von 60. Foto Osborne Samuel, London

Nicholson und Hepworth heirateten 1938 und ließen sich 1951 scheiden. Während ihrer Beziehung reifte Nicholsons reduzierte, abstrakte Vision voll aus. Auch nach dem Ende ihrer Beziehung setzte er seine geometrischen Reliefs und reduzierten abstrakten Gemälde fort. Doch es gab auch viele Zeiten, in denen er sich wieder der vertrauten gegenständlichen Malerei zuwandte. Vielleicht tat er dies tatsächlich nur, um Geld zu verdienen, da britische Sammler damals nicht immer geneigt waren, abstrakte Kunst zu unterstützen. Oder vielleicht war Nicholson einfach neugierig auf das Zusammenspiel von Abstraktion und Gegenständlichkeit. Möglicherweise sah er seine Reliefs weniger als Abstraktion an sich, sondern als Beispiele für die Beseitigung von Schmuck. In diesem Sinne versuchte er vielleicht nicht, die gegenständliche Wirklichkeit aufzugeben, sondern deren Definition zu erweitern. Wenn dem so ist, dann widersetzte sich Nicholson wie die Konstruktivisten jeder Stilrichtung und bot stattdessen eine komplexe ästhetische Vision, die seine eigenen Hoffnungen auf eine neuartige, vielschichtige und ehrlichere Welt umfasste.

Titelbild: Ben Nicholson - long horizontal Patmos, 1967. Radierung. Künstlerprobe; signiert und datiert 'Nicholson 67'; mit Bleistift auf der Rückseite bezeichnet. 'BN copy box artist's copy no 6'. 11 7/10 × 17 4/5 Zoll; 29,7 × 45,2 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Gallery, London
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio