Das Erbe von Sir Howard Hodgkin

Der renommierte britische abstrakte Maler und Druckgrafiker Howard Hodgkin gehörte zu den am meisten ausgezeichneten Künstlern seiner Generation. Er vertrat Großbritannien auf der Biennale von Venedig 1984 und gewann 1985 den Turner-Preis. 1976 wurde er in den Order of the British Empire (CBE) aufgenommen; 1992 wurde er zum Ritter geschlagen; und 2003 nahm Königin Elizabeth II. ihn in den Order of the Companions of Honour auf, wo er einer ausgewählten Liste von nur drei anderen abstrakten Künstlern – Henry Moore, Victor Pasmore und Bridget Riley – beitrat, die dieselbe Auszeichnung erhalten hatten. Der gefeierte Status, den Hodgkin letztendlich in seiner Karriere erreichte, steht in starkem Kontrast zu den Kämpfen seines frühen Berufslebens. 1981 erklärte Hodgkin: „Ich denke, ich hatte das Glück, dass ich bis zur Midlife-Crisis überhaupt nicht erfolgreich war, aber es gab viele bittere Momente, die ich durchleben musste, als es so lange dauerte, bis jemand überhaupt meine Bilder ansehen wollte.“ In seinen 30ern war er so verzweifelt über die Ablehnung, dass er Selbstmord in Betracht zog. Aber anstatt der Verzweiflung nachzugeben, widmete er sich erneut dem ästhetischen Ausdruck seines inneren Selbst. Je mehr Hodgkin nach innen ging, desto intuitiver erfasste er die Beziehung zwischen Emotion und den formalen Grundlagen der Kunst, wie Farbe und Farbe; und je abstrakter seine Arbeiten anschließend wurden. Am Ende seines Lebens schuf Hodgkin ein unverwechselbares Werk, das auf einem reduzierten Stil basierte, der rohe Gefühle in den einfachsten und direktesten Begriffen kommunizierte.

Zahlen und Gefühle

Es gibt schon lange eine Debatte darüber, ob wir Howard Hodgkin als figurativen oder abstrakten Künstler bezeichnen sollten. Seine frühen Werke waren eindeutig realitätsbasiert und zeigten Figuren in Innenräumen, manchmal in sozialen Umständen. Doch als sich seine Karriere entwickelte, verwischte er die Grenze zwischen Abstraktion und Figuration und schuf Gemälde, die eine Art Schnittstelle zwischen beiden bewohnten. Anstatt sich ausschließlich mit spezifischen Inhalten aus seinem Leben zu beschäftigen, erkundete er, wie formale Elemente wie Farbe, Muster und Oberfläche emotionale Elemente in seinen Bildern hervorrufen konnten. In den folgenden Jahrzehnten enthielten seine Gemälde winzige figürliche Elemente, die in abstrakten Farbflächen, Formen und Mustern eingebettet waren. Aber selbst als er etwas malte, das die meisten Betrachter als rein abstrakt betrachten würden, liebte Hodgkin es zu sagen, dass das Werk immer noch figurativ sei, da es alles eng mit einer fortlaufenden Erzählung verbunden war, die von seiner persönlichen Realität geprägt war.

Hodgkin begann 1950 im Alter von 18 Jahren, seine Gemälde auszustellen, während er noch Student war. Tatsächlich gilt eines seiner frühesten Werke, ein Gouache-Gemälde auf Holz mit dem Titel Memoirs, das er mit nur 16 Jahren malte, für einige Fans als eines seiner besten. Er erhielt 1962 seine erste Einzelausstellung in der renommierten Arthur Tooth & Sons Gallery in London. Die einzigartige Mischung aus Figuration und Abstraktion, die die Werke in dieser Ausstellung prägte, ließ Hodgkin als einzigartig und gewagt hervorstechen. Doch das britische Publikum verstand die Arbeiten nicht sofort, und die Ausstellung war kein kommerzieller Erfolg. Es sollte fast ein Jahrzehnt dauern, bis die Zuschauer in seiner Heimat sein unverwechselbares Talent zu schätzen wussten.

Howard Hodgkin - Memoiren, 1949, Gouache auf Holz, 8 5/8 x 9 7/8 Zoll, © Der Nachlass von Howard Hodgkin

Erinnerungen an Indien

Früh im Leben erkannte Howard Hodgkin, dass die Gemälde, die er malen wollte, eher wie ästhetische Relikte seiner eigenen Erinnerungen waren. Als jemand, der das Reisen besonders liebte, beschäftigten sich viele seiner eindrucksvollsten Erinnerungen mit der spektakulären Landschaft und den außergewöhnlichen Menschen, die er im Ausland traf. Einige der erfolgreichsten Drucke, die er machte, bezogen sich auf Reisen, die er nach Indien unternahm. In einer Serie von Siebdrucken, die er mit dem Titel Indian Views schuf, sprach er die kleinen, horizontalen Fenster an, die an den Seiten der Züge in diesem Land üblich sind. Die Bilder lesen sich wie einfache Landschaften mit Horizontlinien, können aber auch als abstrakte Farbflächen betrachtet werden.

Neben ihrem emotionalen Einsatz von Farbe sind seine Indian View Siebdrucke auch bemerkenswert, da sie das archetypische ästhetische Element des Rahmens enthalten, das im Laufe der Zeit für Hodgkin von entscheidender Bedeutung wurde. In vielen seiner abstrakten Gemälde malte er einen rechteckigen Rahmen, der das Bild enthielt. Später begann er, seine Oberflächen in tatsächliche Holzrahmen zu fassen und das Bild sowohl auf die Oberfläche als auch auf den Rahmen zu malen, wodurch er beides kombinierte. Der gemalte Rahmen definierte seine Gemälde als Objekte, die gegen äußere Einflüsse resistent sind, und machte deutlich, dass ihre Bedeutung vollständig in sich selbst enthalten war.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Siebdruck auf Papier, 581 x 780 mm, © Der Nachlass von Howard Hodgkin

Externe Anerkennung

Trotz des anfänglichen Mangels an Verständnis, den Hodgkin von der Öffentlichkeit erhielt, setzte er seine Ausstellungen fort und verfolgte seinen einzigartigen Stil, indem er hybride abstrakt-figurative Bilder schuf und eine emotionale, farbenfrohe visuelle Sprache entwickelte, die auf Gefühlen basierte. 1971 wurde er zum ersten Mal eingeladen, im Ausland auszustellen, in Köln, Deutschland. Diese Ausstellung war ein Erfolg, und im folgenden Jahr stellte er in einer Gruppenausstellung in Paris aus. Und im Jahr darauf stellte er zum ersten Mal in den Vereinigten Staaten aus, in einer Galerie in New York.

Zu seiner Freude hatten ausländische Zuschauer einen ganz anderen Eindruck von seiner Arbeit. Nach seinem Debüt in New York sagte Hodgkin: „Sie erkannten sofort, was für ein Künstler ich war... die Reaktion war so, dass ich das Gefühl hatte, mit einem Publikum zu kommunizieren. Das habe ich in England selten gefühlt.“ Vielleicht wegen dieser internationalen Aufmerksamkeit oder vielleicht, weil britische Zuschauer einfach erkannten, was sie verpasst hatten, sah Hodgkin in den nächsten Jahren, wie sich sein Ruf in Großbritannien verbesserte. Bis 1976 war er mit dem CBE ausgezeichnet worden und hatte seine erste Retrospektive im Oxford Museum of Modern Art erhalten.

Howard Hodgkin - Nicht am Tisch, 1972, Öl auf Holz, 33 x 36 Zoll, © Der Nachlass von Howard Hodgkin

Die Schule von London

Auch im Jahr 1976 erhielt Hodgkin die Ehre, zu einer Gruppe britischer Künstler zu gehören, die mit etwas namens School of London in Verbindung standen. Der Maler R. B. Kitaj prägte den Begriff School of London in einem Katalogaufsatz, den er für eine Ausstellung mit dem Titel The Human Clay schrieb. Kitaj beabsichtigte, mit dem Begriff auf die Tatsache hinzuweisen, dass eine Gruppe talentierter britischer Künstler im Gegensatz zu globalen Trends in Richtung Pop Art, Minimalismus, Konzeptuelle Kunst und anderen populären Stilen, fleißig die moderne Relevanz der menschlichen Figur in der Kunst erkundete.

Der Human Clay umfasste die Arbeiten von 48 Künstlern; darunter waren Kitaj und Hodgkin sowie mehrere andere, die später international von entscheidender Bedeutung wurden, wie Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore und Lucian Freud. Jeder von ihnen hatte zu dieser Zeit tatsächlich die Figuration auf einzigartig moderne Weise erkundet. Dennoch wiesen die meisten das Etikett School of London zurück, als sie es zum ersten Mal hörten. Howard Hodgkin wies das Etikett zurück, obwohl er fünf Werke in der Ausstellung hatte, die zweithöchste Anzahl eines Künstlers. Dennoch war die Teilnahme an der Ausstellung ein Auftrieb für Hodgkin und eine große öffentliche Bestätigung seiner Bemühungen.

Howard Hodgkin - Das letzte Mal, dass ich Paris sah, 1988-1991, Öl auf Holz, 44 1/4 x 50 Zoll, © Der Nachlass von Howard Hodgkin

Weniger ist mehr

Im Laufe seiner Karriere suchte Hodgkin nach Möglichkeiten, mehr auszudrücken, während er weniger zeigte, und reduzierte schließlich die figürlichen Elemente in seinem Werk, bis sie kaum noch vorhanden waren. Zeitgleich mit der breiteren öffentlichen Anerkennung, die er Ende der 1970er Jahre erlebte, durchlief Hodgkin auch einen Wandel in seinem Privatleben. Nach 20 Jahren Ehe mit seiner Frau Julia kam Hodgkin als schwul heraus und übertrug Julia das Sorgerecht für ihre beiden Söhne. Sein Leben wurde gleichzeitig einfacher und komplexer. Obwohl die Titel seiner Werke von diesem Zeitpunkt an die persönliche Erzählqualität behielten, für die sein Werk bekannt geworden war, und spezifische persönliche Erinnerungen ansprachen, wurde der Inhalt seiner Bilder dramatisch abstrakter.

Obwohl er eine solche Anschuldigung wahrscheinlich geleugnet hätte, ist es leicht zu erkennen, wie ihn die Befreiung von einer persönlichen Falschheit auch von der Notwendigkeit befreit haben könnte, seine Bilder mit Anspielungen zu versehen, was ihm erlaubte, direkter mit seinen Emotionen umzugehen. Ob es mit dieser Situation zu tun hatte oder nicht, in den letzten Jahrzehnten seines Lebens reduzierte Hodgkin seine visuelle Sprache dramatischer als je zuvor. Er wurde geschickter darin, das expressive Potenzial von Farbe, Pinselstrich, Oberfläche, Komposition und Farbe zu vermitteln. In seinen letzten Jahren waren seine Kompositionen die einfachsten und vielleicht tiefgründigsten, die geschickt seine grundlegende Idee von der vergänglichen Kraft von Erinnerung und Emotion kommunizierten.

Howard Hodgkin - Liebe und Tod, 2015, Öl auf Holz, 31 x 35 Zoll, © Der Nachlass von Howard Hodgkin

Vorschaubild: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (Detail), 1961-62, Öl auf Leinwand, 34 x 39 Zoll
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio