Das Erbe von Sir Howard Hodgkin

Der renommierte britische abstrakte Maler und Grafiker Howard Hodgkin gehörte zu den am höchsten ausgezeichneten Künstlern seiner Generation. Er vertrat Großbritannien auf der Biennale von Venedig 1984 und gewann 1985 den Turner-Preis. 1976 wurde er in den Most Excellent Order of the British Empire (CBE) aufgenommen; 1992 wurde er zum Ritter geschlagen; und 2003 ernannte Königin Elisabeth II. ihn zum Mitglied des Order of the Companions of Honour, womit er sich einer ausgewählten Liste von nur drei weiteren abstrakten Künstlern anschloss – Henry Moore, Victor Pasmore und Bridget Riley –, die dieselbe Auszeichnung erhielten. Die gefeierte Stellung, die Hodgkin im Laufe seiner Karriere erreichte, steht in starkem Gegensatz zu den Schwierigkeiten seiner frühen beruflichen Laufbahn. 1981 sagte Hodgkin: „Ich denke, ich hatte Glück, dass ich bis ins mittlere Alter überhaupt keinen Erfolg hatte, aber es gab viele bittere Momente, die man durchleben musste, wenn es so lange dauerte, bis überhaupt jemand meine Bilder sehen wollte.” In seinen 30ern war er so verzweifelt durch Ablehnung, dass er Selbstmord in Erwägung zog. Doch statt der Verzweiflung nachzugeben, widmete er sich erneut der ästhetischen Ausdrucksform seines inneren Selbst. Je mehr Hodgkin nach innen blickte, desto intuitiver verstand er die Beziehung zwischen Gefühl und den formalen Grundlagen der Kunst, wie Farbe und Farbeauftrag; und desto abstrakter wurde seine Arbeit anschließend. Gegen Ende seines Lebens schuf Hodgkin ein unverwechselbares Werk, das auf einem reduzierten Stil basierte und rohe Gefühle in den einfachsten und direktesten Begriffen vermittelte.

Figuren und Gefühle

Es gibt schon lange eine Debatte darüber, ob man Howard Hodgkin als gegenständlichen oder abstrakten Künstler bezeichnen sollte. Seine frühen Werke basierten eindeutig auf der Wirklichkeit und zeigten Figuren in Innenräumen, manchmal in gesellschaftlichen Situationen. Doch im Laufe seiner Karriere verwischte er die Grenze zwischen Abstraktion und Figuration und schuf Gemälde, die eine Art Schnittstelle zwischen beiden darstellten. Statt sich ausschließlich mit konkretem Inhalt aus seinem Leben zu befassen, erforschte er, wie formale Elemente wie Farbe, Muster und Oberfläche emotionale Elemente in seinen Bildern hervorrufen konnten. Über Jahrzehnte enthielten seine Gemälde winzige gegenständliche Elemente, eingebettet in abstrakte Farbflächen, Formen und Muster. Doch selbst wenn er etwas malte, das die meisten Betrachter als rein abstrakt ansehen würden, sagte Hodgkin selbst gern, das Werk sei dennoch gegenständlich, da es alle eng mit einer fortlaufenden Erzählung verbunden war, die von seiner persönlichen Wirklichkeit geprägt wurde.

Hodgkin begann 1950 im Alter von 18 Jahren, seine Gemälde auszustellen, noch als Student. Tatsächlich gilt eines seiner frühesten Werke, ein Gouache-Gemälde auf Holz mit dem Titel Memoirs, das er mit nur 16 Jahren malte, bei einigen Fans als eines seiner besten. Seine erste Einzelausstellung erhielt er 1962 in der angesehenen Arthur Tooth & Sons Galerie in London. Die einzigartige Mischung aus Figuration und Abstraktion, die die Werke dieser Ausstellung prägte, ließ Hodgkin als einzigartig und mutig hervorstechen. Doch die britische Öffentlichkeit verstand die Werke zunächst nicht, und die Ausstellung war kein kommerzieller Erfolg. Es sollte fast ein Jahrzehnt dauern, bis die Betrachter in seiner Heimat sein unverwechselbares Talent zu schätzen wussten.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache auf Holz, 8 5/8 x 9 7/8 Zoll, © Nachlass von Howard Hodgkin

Erinnerungen an Indien

Früh im Leben erkannte Howard Hodgkin, dass die Gemälde, die er malen wollte, eher ästhetische Relikte seiner eigenen Erinnerungen waren. Als jemand, der besonders gerne reiste, bezogen sich viele seiner stärksten Erinnerungen auf die spektakuläre Landschaft und die außergewöhnlichen Menschen, denen er im Ausland begegnete. Einige der erfolgreichsten Drucke, die er anfertigte, handelten von Reisen nach Indien. In einer Serie von Siebdrucken mit dem Titel Indian Views griff er die kleinen, horizontalen Fenster auf, die in den Seiten von Zügen in diesem Land üblich sind. Die Bilder wirken wie einfache Landschaften mit Horizontlinien, können aber auch als abstrakte Farbflächen betrachtet werden.

Neben ihrem gefühlsbetonten Farbeinsatz sind seine Indian View-Siebdrucke auch bemerkenswert, weil sie das archetypische ästhetische Element des Rahmens enthalten, das für Hodgkin im Laufe der Zeit von großer Bedeutung wurde. In vielen seiner abstrakten Gemälde malte er einen rechteckigen Rahmen um das Bild. Später begann er, seine Flächen in echten Holzrahmen einzufassen und das Bild sowohl auf die Fläche als auch auf den Rahmen zu malen, wodurch beides verbunden wurde. Der gemalte Rahmen definierte seine Gemälde als Gegenstände, die gegen äußere Einflüsse resistent sind, und machte deutlich, dass ihre Bedeutung vollständig in ihnen selbst enthalten ist.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Siebdruck auf Papier, 581 x 780 mm, © Nachlass von Howard Hodgkin

Anerkennung von außen

Trotz des anfänglichen Unverständnisses, das Hodgkin vom Publikum erfuhr, stellte er weiterhin aus und verfolgte seinen einzigartigen Stil, schuf hybride abstrakt-gegenständliche Bilder und entwickelte eine gefühlsbetonte, farbenfrohe Bildsprache, die auf Empfindungen basierte. 1971 wurde er erstmals eingeladen, im Ausland auszustellen, in Köln, Deutschland. Diese Ausstellung war ein Erfolg, und im folgenden Jahr zeigte er Werke in einer Gruppenausstellung in Paris. Im darauffolgenden Jahr stellte er erstmals in den Vereinigten Staaten aus, in einer Galerie in New York.

Zu seiner Freude hatten ausländische Betrachter einen ganz anderen Eindruck von seiner Arbeit. Nach seinem Debüt in New York sagte Hodgkin: „Sie erkannten sofort, was für ein Künstler ich war... Die Reaktion war so, dass ich das Gefühl hatte, mit einem Publikum zu kommunizieren. Das habe ich in England selten erlebt.” Vielleicht wegen dieser internationalen Aufmerksamkeit oder vielleicht, weil die britischen Betrachter einfach erkannten, was ihnen gefehlt hatte, verbesserte sich Hodgkins Ruf in Großbritannien in den folgenden Jahren. Bis 1976 wurde ihm der CBE verliehen, und er erhielt seine erste Retrospektive im Museum für Moderne Kunst in Oxford.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, Öl auf Holz, 33 x 36 Zoll, © Nachlass von Howard Hodgkin

Die Schule von London

Ebenfalls 1976 wurde Hodgkin die Ehre zuteil, zu einer Gruppe britischer Künstler zu gehören, die mit etwas namens Schule von London in Verbindung gebracht wurden. Der Maler R. B. Kitaj prägte den Begriff Schule von London in einem Katalogaufsatz, den er für eine Ausstellung mit dem Titel The Human Clay schrieb. Kitaj wollte mit dem Begriff darauf aufmerksam machen, dass im Gegensatz zu weltweiten Trends wie Pop-Art, Minimalismus, Konzeptkunst und anderen populären Stilrichtungen eine Gruppe talentierter britischer Künstler fleißig die moderne Bedeutung der menschlichen Figur in der Kunst erforschte.

The Human Clay umfasste die Werke von 48 Künstlern; darunter waren Kitaj und Hodgkin sowie mehrere andere, die später international von großer Bedeutung wurden, wie Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore und Lucian Freud. Jeder von ihnen hatte damals tatsächlich die Figuration auf einzigartige moderne Weise erforscht. Doch die meisten lehnten die Bezeichnung Schule von London zunächst ab, als sie sie hörten. Howard Hodgkin lehnte das Etikett ebenfalls ab, obwohl er fünf Werke in der Ausstellung hatte, die zweithöchste Anzahl nach einem anderen Künstler. Die Aufnahme in die Ausstellung war dennoch ein Auftrieb für Hodgkin und eine große öffentliche Anerkennung seiner Bemühungen.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Öl auf Holz, 44 1/4 x 50 Zoll, © Nachlass von Howard Hodgkin

Weniger ist mehr

Im Laufe seiner Karriere suchte Hodgkin nach Wegen, mehr auszudrücken, während er weniger zeigte, und reduzierte schließlich die gegenständlichen Elemente in seinen Werken, bis sie kaum noch vorhanden waren. Zeitgleich mit der breiteren öffentlichen Anerkennung, die er Ende der 1970er Jahre erfuhr, durchlief Hodgkin auch eine Veränderung in seinem Privatleben. Nach 20 Jahren Ehe mit seiner Frau Julia outete sich Hodgkin als schwul und übergab Julia das Sorgerecht für ihre beiden Söhne. Sein Leben wurde gleichzeitig einfacher und komplexer. Obwohl die Titel seiner Werke von diesem Zeitpunkt an die persönliche Erzählqualität behielten, für die seine Arbeit bekannt geworden war, und auf bestimmte persönliche Erinnerungen Bezug nahmen, wurde der Inhalt seiner Bilder dramatisch abstrakter.

Obwohl er eine solche Anschuldigung wahrscheinlich zurückgewiesen hätte, ist es leicht zu erkennen, wie die Befreiung von einer persönlichen Unwahrheit ihn auch von der Notwendigkeit befreit haben könnte, seine Bilder mit Andeutungen zu versehen, was ihm erlaubte, direkter mit seinen Gefühlen umzugehen. Ob dies mit dieser Situation zu tun hatte oder nicht, reduzierte Hodgkin in den letzten Jahrzehnten seines Lebens seine Bildsprache dramatischer als je zuvor. Er wurde geschickter darin, das Ausdruckspotenzial von Farbe, Pinselstrich, Oberfläche, Komposition und Farbeauftrag zu vermitteln. In seinen letzten Jahren waren seine Kompositionen am einfachsten und vielleicht am tiefgründigsten, indem sie geschickt seine wesentliche Idee von der flüchtigen Kraft von Erinnerung und Gefühl vermittelten.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Öl auf Holz, 31 x 35 Zoll, © Nachlass von Howard Hodgkin

Titelbild: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (Detail), 1961-62, Öl auf Leinwand, 34 x 39 Zoll
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio