Whitney feiert die Farbmalereien der 1960er Jahre in einer neuen Ausstellung

Bob Thompson starb im Alter von 28 Jahren an einer Überdosis Heroin, doch in seiner kurzen Laufbahn vollendete er fast 1000 Gemälde und Zeichnungen. Das Whitney Museum of American Art ehrte sein Werk 1996 mit einer Retrospektive, und in diesem Frühjahr werden seine Gemälde und Worte den Schwerpunkt einer großen Whitney-Ausstellung über Farbe bilden. Spilling Over: Painting Color in the 1960s nimmt seinen Namen von einem Zitat Thompsons: „Ich habe etwas in mir, das einfach platzt, sich windet, klebt, überläuft, um herauszukommen. Heraus in Seelen und Münder und Augen, die so etwas noch nie gesehen haben.“ Die Poesie und Leidenschaft in diesen Worten kommen in seinen Gemälden brillant zum Ausdruck, von denen viele die Kompositionen der Alten Meister übernehmen, die Figuren und Landschaften abstrahieren, um expressionistische, vom Jazz inspirierte Welten zu schaffen, die durch lebendige und trügerische Farbpaletten definiert sind. Thompson repräsentiert diese Ausstellung perfekt, da die Kuratierung traditionelle Zuordnungen zu Bewegungen und Stilen ignoriert. Thompson war niemals einer einzigen Bewegung oder Methode verpflichtet – er griff auf Pop Art, Fauvismus, Expressionismus, Figuration, Abstraktion und alles andere zurück, was seiner Vision diente. Ebenso wird Spilling Over: Painting Color in the 1960s zahlreiche ästhetische Positionen hervorheben, darunter Op Art, Hard Edge Abstraktion, Farbflächenmalerei, Post Painterly Abstraktion, Abstrakten Expressionismus, Minimalismus, feministische Kunst, die Pattern and Decoration-Bewegung und frühe modernistische geometrische Abstraktion. Und es werden Werke aus einer ebenso breiten und vielfältigen Auswahl von Künstlern gezeigt, einige berühmt, wie Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland und Frank Stella, und einige weniger bekannt, wie Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving und Miriam Schapiro. Die Ausstellung besteht vollständig aus der bestehenden Sammlung des Whitney Museums und bietet einen umfassenden Einblick in die wahre Vielfalt künstlerischen Ausdrucks, die während einer der fruchtbarsten Epochen in der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts existierte. Zur Vorbereitung hier kurze Porträts von sechs der weniger bekannten Künstler, die in der Ausstellung vertreten sind.

Emma Amos

Als Emma Amos Anfang der 1960er Jahre erstmals in New York City ankam, stieß sie auf Widerstand von Hochschulen, die ihr sagten, sie sei zu jung zum Unterrichten, und von Galeristen, die ihre Werke nicht zeigten, entweder weil sie schwarz oder weiblich war. Ihre Zuflucht fand sie in der Gesellschaft anderer Künstler, die ihre bereits umfangreiche Kunstausbildung erweiterten, indem sie Amos die Lektionen ihres Handwerks teilten. Sie lernte Textilien von Dorothy Liebes kennen; Druckgrafik von Letterio Calapai; und die Feinheiten, soziale Themen und Politik in ihrer Arbeit anzusprechen, von Mitgliedern der Spiral Group, deren einziges weibliches Mitglied Amos war. Amos zeichnet sich seit langem durch ihre radikale Vorstellungskraft und den Mut aus, verschiedene Stile, Techniken und historische Bezüge zu umarmen. Sie ist eine der großen lebenden Pionierinnen des Postmodernismus.

Emma Amos - Baby, 1966. Öl auf Leinwand. 118,1 × 129,5 cm (46 1/2 × 51 Zoll). Whitney Museum of American Art, New York; gemeinsam erworben vom Whitney Museum of American Art mit Mitteln des Painting and Sculpture Committee und dem Studio Museum in Harlem, Museumsankauf mit Mitteln von Ann Tenenbaum und Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der RYAN LEE Gallery, New York.

Richard Anuszkiewicz

Zusammen mit Bridget Riley ist Richard Anuszkiewicz einer der letzten lebenden Pioniere der Op Art-Bewegung. Als junger Künstler stellte Anuszkiewicz fest, dass ihm die Farbe entglitt, also ging er nach Yale, um Farbtheorie bei dem großen Josef Albers zu studieren. Die einzigartige visuelle Sprache, die Anuszkiewicz entwickelte, machte seine Arbeit für ihre Zeit bahnbrechend. Viele lobten ihre Brillanz, doch von seiner ersten Einzelausstellung wurde nur ein Gemälde verkauft. Glücklicherweise war dieser eine Käufer Alfred F. Barr, Jr., Direktor des Museum of Modern Art. Dieser einzelne, starke Förderer brachte Anuszkiewicz in den Blick der Kuratoren des Whitney Museums, die ihn umgehend in eine große Gruppenausstellung zur geometrischen Abstraktion aufnahmen und seine Beteiligung an The Responsive Eye sicherten, der Ausstellung, die Op Art bekannt machte.

Richard Anuszkiewicz - The Fourth of the Three, 1963. Acryl auf Spanplatte. 122,1 × 122,1 cm (48 1/16 × 48 1/16 Zoll). Whitney Museum of American Art, New York; Ankauf mit Mitteln der Freunde des Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Lizenzierung durch VAGA bei Artists Rights Society (ARS), New York.

Frank Bowling

Mit 85 Jahren erhält Frank Bowling endlich die weltweite Anerkennung, die er seit Jahrzehnten verdient. Seine leuchtenden Leinwände strahlen Farbe und Atmosphäre aus. Nahtlos integriert er eine Vielzahl von Methoden und verbindet unterschiedliche ästhetische Positionen wie Pop Art, Farbflächenmalerei, abstrakten Expressionismus, Arte Povera und Post Painterly Abstraktion. Später in diesem Jahr wird Bowling in einer monumentalen Retrospektive in der Tate Britain gewürdigt, die 60 Jahre seiner Karriere umfasst.

Frank Bowling - Dan Johnson's Surprise, 1969. Acryl auf Leinwand. 294,5 × 264,5 cm (115 15/16 × 104 1/8 Zoll). Whitney Museum of American Art, New York; Ankauf mit Mitteln der Freunde des Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Lizenzierung durch Artists Rights Society (ARS), New York.

Kay Walkingstick

Zu den jüngsten Neuerwerbungen, die in dieser Ausstellung gezeigt werden, gehören Werke von Kay Walkingstick, einer indianischen Künstlerin, deren Arbeit transzendente Brücken zwischen den indigenen ästhetischen Traditionen ihrer Cherokee-Wurzeln und der Ästhetik des globalen Postmodernismus schlägt. Walkingstick ist eine Vorgängerin und Einflussquelle für jüngere indigene Künstler wie Jeffrey Gibson, die danach streben, die Auswirkungen der Gemeinsamkeiten zwischen alten und modernen künstlerischen Traditionen zu erforschen. Die Suche nach Universalismus war für Walkingstick immer entscheidend, die sagte: „Ich möchte, dass alle Menschen an ihren Kulturen festhalten – aber ich möchte auch eine gegenseitige Anerkennung eines gemeinsamen Seins fördern.“

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Öl, Acryl, Wachs und Kupfer auf Leinwand. 92 x 183,5 x 5 cm (36,25 x 72,25 x 2 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung des Montclair Art Museum, erworben mit Mitteln von Alberta Stout.

Alvin Loving

Alvin Loving schuf ein visuell beeindruckendes Werk, das unter anderem Farbe als das primäre verbindende Element zwischen abstraktem Expressionismus und Hard Edge geometrischer Abstraktion definierte. Seine energischen, gestischen Gemälde und materialorientierten, multimedialen Collagen sind gefühlvoll und lyrisch. Seine geometrisch abstrakten Werke hingegen sind kalkuliert und kühn und gehören zu den auffälligsten und intellektuell anregendsten Arbeiten seiner Generation. Als Zeitgenosse von Künstlern wie Sol Le Witt und Victor Vassarely führte Loving deren Ideen und Forschungen auf eine neue Ebene, indem er seine Werke mit visueller Energie erfüllte, die sie auch heute, fast eine Generation nach seinem Tod, frisch und lebendig erscheinen lässt.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Acryl auf geformter Leinwand. 225,1 × 260,4 cm (88 5/8 × 102 1/2 Zoll). Whitney Museum of American Art, New York; Geschenk von William Zierler, Inc. zu Ehren von John I. H. Baur 74.65. Mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses von Al Loving und der Garth Greenan Gallery, New York.

Miriam Schapiro

Die Ikone der feministischen Kunst Miriam Schapiro nahm an der bahnbrechenden Installation Womanhouse teil und wurde eine der einflussreichsten Stimmen innerhalb der Pattern and Decoration-Bewegung. Schapiro stellte Geschlechtervorurteile in der Kunstwelt infrage, indem sie Materialien und Techniken einsetzte, die mit häuslicher Arbeit und Handwerk verbunden sind. Die unbestreitbare Meisterschaft, Schönheit und intellektuelle Integrität ihrer Werke legten die absurden patriarchalen Vorurteile offen, die die Kunstwelt stets dominierten. Farbe war ein wesentlicher Bestandteil ihres Schaffens, der ihre Werke mit einer elektrischen, fast vibrierenden Aktionskraft auflud und die Fähigkeit formaler ästhetischer Elemente hervorhob, als Werkzeuge für sozialen und politischen Wandel aktiviert zu werden.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Acryl und Stoffcollage auf Papier. 76 x 112 cm (30 x 44 Zoll). Geschenk von Mary Ross Taylor zu Ehren ihrer Mutter, Betty S. Abbott. National Museum of Women in the Arts.

Titelbild: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna auf Leinwand. 261,9 × 387,4 cm (103 1/8 × 152 1/2 Zoll). Whitney Museum of American Art, New York; Ankauf mit Mitteln der Glen Alden Foundation und der McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio