Whitney feiert die Farbmalereien der 1960er Jahre in einer neuen Ausstellung

Bob Thompson starb im Alter von 28 Jahren an einer Überdosis Heroin, aber er vollendete in seiner kurzen Karriere fast 1000 Gemälde und Zeichnungen. Das Whitney Museum of American Art feierte seine Werke in einer Retrospektive von 1996, und diesen Frühling werden seine Gemälde und Worte das Hauptaugenmerk einer großen Whitney-Ausstellung über Farbe bilden. Spilling Over: Painting Color in the 1960s trägt seinen Namen nach einem Zitat von Thompson: „Ich habe etwas in mir, das einfach platzt, sich windet, festklebt, überläuft, um herauszukommen. Heraus in Seelen und Münder und Augen, die noch nie zuvor gesehen haben.“ Die Poesie und Leidenschaft in diesen Worten kommen in seinen Gemälden brillant zur Geltung, von denen viele die Kompositionen der Alten Meister aneignen, die Figuren und Landschaften abstrahieren, um expressionistische, jazz-inspirierte Welten zu schaffen, die durch lebendige und illusorische Farbpaletten definiert sind. Thompson repräsentiert diese Ausstellung perfekt, da die Kuratierung traditionelle Bezeichnungen in Bezug auf Bewegungen und Stile ignoriert. Thompson war niemals einer bestimmten Bewegung oder Methode verpflichtet – er schöpfte aus Pop Art, Fauvismus, Expressionismus, Figuration, Abstraktion und allem anderen, was seiner Vision diente. Ebenso wird Spilling Over: Painting Color in the 1960s eine Vielzahl ästhetischer Positionen ins Rampenlicht rücken, darunter Op Art, Hard Edge Abstraktion, Color Field Painting, Post Painterly Abstraktion, Abstract Expressionism, Minimalismus, Feministische Kunst, die Pattern and Decoration Movement und frühe modernistische geometrische Abstraktion. Und es werden Werke aus einer ebenso breiten und vielfältigen Auswahl von Künstlern enthalten sein, einige berühmt, wie Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland und Frank Stella, und einige weniger bekannt, wie Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving und Miriam Schapiro. Vollständig aus der bestehenden Whitney-Sammlung entnommen, wird es einen umfassenden Einblick in die wahre Vielfalt künstlerischen Ausdrucks bieten, die während einer der fruchtbarsten Epochen in der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts existierte. Zur Vorbereitung finden Sie hier kurze Profile von sechs der weniger bekannten Künstler, die in der Ausstellung vorgestellt werden.

Emma Amos

Als Emma Amos Anfang der 1960er Jahre in New York City ankam, stieß sie auf Widerstand von Hochschulen, die ihr sagten, sie sei zu jung, um zu unterrichten, und von Galeristen, die ihre Arbeiten entweder nicht zeigten, weil sie schwarz oder weiblich war. Ihr Zufluchtsort fand sie in der Gesellschaft anderer Künstler, die ihre bereits umfangreiche Kunstausbildung erweiterten, indem sie Amos die Lektionen ihres Handwerks teilten. Sie lernte von Dorothy Liebes über Textilien; von Letterio Calapai über Druckgrafik; und von Mitgliedern der Spiral Group, deren einziges weibliches Mitglied Amos war, über die Nuancen, soziale Themen und Politik in ihrer Arbeit anzusprechen. Amos hat sich lange durch ihre radikale Vorstellungskraft und den Mut, den sie gezeigt hat, um verschiedene Stile, Techniken und historische Referenzen zu umarmen, ausgezeichnet. Sie ist eine der großen lebenden Pionierinnen des Postmodernismus.

Emma Amos - Baby, 1966. Öl auf Leinwand. 46 1/2 × 51 Zoll (118,1 × 129,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; gemeinsam erworben vom Whitney Museum of American Art mit Mitteln des Malerei- und Skulpturausschusses; und The Studio Museum in Harlem, Museumskauf mit Mitteln von Ann Tenenbaum und Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und RYAN LEE Gallery, New York.

Richard Anuszkiewicz

Zusammen mit Bridget Riley ist Richard Anuszkiewicz einer der letzten lebenden Pioniere der Op Art-Bewegung. Als junger Künstler stellte Anuszkiewicz fest, dass Farbe das eine war, was ihm entglitt, also ging er nach Yale, um Farbtheorie bei dem großen Josef Albers zu studieren. Die einzigartige visuelle Stimme, die Anuszkiewicz entwickelte, machte seine Arbeiten bahnbrechend für ihre Zeit. Viele Menschen lobten ihre Brillanz, aber nur ein Gemälde wurde aus seiner Debüt-Soloausstellung verkauft. Glücklicherweise war dieser eine Käufer Alfred F. Barr, Jr., Direktor des Museum of Modern Art. Dieser einzelne, mächtige Fan brachte Anuszkiewicz in das Blickfeld der Kuratoren von Whitney, die ihn umgehend in eine große Gruppenausstellung zur geometrischen Abstraktion einbezogen und seine Teilnahme an The Responsive Eye sicherten, der Ausstellung, die Op Art auf die Landkarte brachte.

Richard Anuszkiewicz - Der Vierte der Drei, 1963. Acryl auf Verbundplatte. 48 1/16 × 48 1/16 Zoll (122,1 × 122,1 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Kauf mit Mitteln der Freunde des Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Lizenziert von VAGA bei der Artists Rights Society (ARS), New York.

Frank Bowling

Im Alter von 85 Jahren erhält Frank Bowling endlich die weltweite Bekanntheit, die er seit Jahrzehnten verdient. Seine leuchtenden Leinwände strahlen mit Farbe und Atmosphäre. Nahtlos eine Vielzahl von Methoden integrierend, überbrücken sie unterschiedliche ästhetische Positionen wie Pop Art, Color Field Malerei, Abstrakter Expressionismus, Arte Povera und Post Painterly Abstraktion. Später in diesem Jahr wird Bowling in einer monumentalen Retrospektive im Tate Britain im Mittelpunkt stehen, die 60 Jahre seiner Karriere umfassen wird.

Frank Bowling - Dan Johnsons Überraschung, 1969. Acryl auf Leinwand. 115 15/16 × 104 1/8 Zoll (294,5 × 264,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Kauf mit Mitteln der Freunde des Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Lizenzierung durch die Artists Rights Society (ARS), New York.

Kay Gehstock

Zu den neuesten Erwerbungen, die in dieser Ausstellung enthalten sind, gehören Werke von Kay Walkingstick, einer amerikanischen Ureinwohnerin, deren Arbeiten transzendente Brücken zwischen den indigenen ästhetischen Traditionen ihrer Cherokee-Wurzeln und der Ästhetik des globalen Postmodernismus schlagen. Walkingstick ist eine Vorgängerin und Einflussnehmerin jüngerer indigener Künstler wie Jeffrey Gibson, die bestrebt sind, die Auswirkungen der Universalitäten zu erkunden, die von alten und modernen künstlerischen Traditionen geteilt werden. Die Suche nach Universalismus war für Walkingstick immer von entscheidender Bedeutung, die gesagt hat: „Ich möchte, dass alle Menschen an ihren Kulturen festhalten – aber ich möchte auch eine gegenseitige Anerkennung eines gemeinsamen Seins fördern.“

Kay Walkingstick - Nacht/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Öl, Acryl, Wachs und Kupfer auf Leinwand. 36,25 x 72,25 x 2 Zoll. Mit freundlicher Genehmigung des Montclair Art Museum, erworben mit Mitteln von Alberta Stout.

Alvin Loving

Alvin Loving schuf ein visuell beeindruckendes Werk, das unter anderem Farbe als den primären verbindenden Faktor zwischen Abstract Expressionism und Hard Edge Geometric Abstraction definierte. Seine energetischen, gestischen Gemälde und materialfokussierten, multimedialen Collagen sind emotional und lyrisch. Seine geometrischen abstrakten Werke hingegen sind berechnend und kühn und gehören leicht zu den auffälligsten und intellektuell anregendsten Arbeiten seiner Generation. Als Zeitgenosse von Künstlern wie Sol Le Witt und Victor Vassarely hob Loving deren Ideen und Wissenschaft auf ein neues Niveau und durchdrang sein Werk mit visueller Energie, die es selbst heute, fast eine Generation nach seinem Tod, frisch und lebendig erscheinen lässt.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Acryl auf geformter Leinwand. 88 5/8 × 102 1/2 Zoll (225,1 × 260,4 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Geschenk von William Zierler, Inc. zu Ehren von John I. H. Baur 74.65. Mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses von Al Loving und Garth Greenan Gallery, New York.

Miriam Schapiro

Feministische Kunstikone Miriam Schapiro nahm an der bahnbrechenden Installation Womanhouse teil und wurde zu einer der einflussreichsten Stimmen innerhalb der Pattern and Decoration Movement. Schapiro stellte Geschlechtervorurteile in der Kunstwelt in Frage, indem sie Materialien und Techniken einsetzte, die mit Häuslichkeit und Handwerk assoziiert werden. Die unbestreitbare Meisterschaft, Schönheit und intellektuelle Integrität ihres Schaffens legte die absurden patriarchalen Vorurteile offen, die die Kunstwelt immer dominiert hatten. Farbe war ein wesentliches Element ihres Werkes, das ihre Arbeiten mit einem elektrischen, fast vibrierenden Gefühl von Aktion auflud und die Fähigkeit formaler ästhetischer Elemente ins Rampenlicht rückte, als Werkzeuge für sozialen und politischen Wandel aktiviert zu werden.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Acryl- und Stoffcollage auf Papier. 30 x 44 Zoll. Geschenk von Mary Ross Taylor zu Ehren ihrer Mutter, Betty S. Abbott. Nationalmuseum der Frauen in den Künsten.

Vorschaubild: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna auf Leinwand. 103 1/8 × 152 1/2 Zoll. (261,9 × 387,4 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Kauf mit Mitteln der Glen Alden Foundation und der McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio