Abstracción y el Uso de Diferentes Tipos de Línea en el Arte

La línea es uno de los elementos formales del arte. Junto con elementos como el color, la forma, la textura y el espacio, es algo estético para contemplar aparte de los componentes subjetivos e interpretativos de una obra de arte. Discutir la línea en el arte es aproximadamente equivalente a discutir el aroma en el vino, o el sabor en la comida. Es una parte de una experiencia estética más grande. Objetivamente, los pintores utilizan la línea para delinear formas y crear perspectiva, entre otras cosas. Pero también hay una teoría que sugiere que varios estados emocionales pueden ser inspirados por diferentes tipos de líneas en el arte. Por ejemplo, se dice que una línea horizontal transmite tranquilidad, ya que imita la posición de un cuerpo en reposo; se dice que una línea vertical transmite espiritualidad, porque infiere altura; se dice que las líneas horizontales y verticales mixtas transmiten estabilidad; las líneas diagonales supuestamente transmiten movimiento; y las líneas curvas supuestamente transmiten humanidad y sensualidad. Se desconoce si los espectadores típicos, no entrenados, realmente experimentan tales sentimientos al mirar una pintura; especialmente dado que el tema puede afectar los mensajes que supuestamente están siendo comunicados por las líneas. Pero quizás al observar cómo varios pintores abstractos han utilizado la línea a lo largo de los años, podamos descubrir si realmente hay verdades subyacentes que conectan el estado emocional de los espectadores y la estética de la línea en el arte.

Espiritualidad y Línea

Además de ser uno de los primeros pintores occidentales en perseguir una forma de pintura completamente no representacional, el artista ruso Wassily Kandinsky estaba profundamente preocupado por transmitir espiritualidad a través de su arte. En 1912, publicó un libro llamado Sobre lo espiritual en el arte. En él, discutió su deseo de alcanzar a través del arte visual lo que la música ya había logrado a través del sonido: la comunicación de universalidades a través de un lenguaje estético abstracto.

En 1926, después de probar extensamente sus teorías estéticas, Kandinsky publicó otro libro llamado Punto y Línea sobre el Plano. Este tratado afirmaba de manera definitiva su creencia en el impacto emocional de la línea en el arte. Las pinturas que creó alrededor de este mismo tiempo pueden leerse como demostraciones de sus teorías. Utilizan la línea formalmente para delinear formas, crear formas dimensionales y para crear perspectiva, y también para inspirar un efecto emocional. Un ejemplo icónico es la pintura Composición VIII, que es admirada por su sentido de armonía y equilibrio compositivo. En ella, líneas horizontales y verticales cruzadas en el marco inferior proporcionan una base estable para la composición. Múltiples líneas diagonales crean movimiento hacia un punto de fuga en la parte superior derecha. Y las líneas curvas introducen una presencia biológica viva que está en flujo.

Wassily Kandinsky - Composición VIII, 1923. Óleo sobre lienzo. 55 1/4 x 79 pulgadas (140.3 x 200.7 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim. © 2019 Sociedad de Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York/ADAGP, París.

Fuerzas opuestas

Aunque su filosofía era muy diferente a la de Kandinsky, el pintor holandés Piet Mondrian también creía en el poder comunicativo de la línea. Creía que podía reducir el lenguaje de la pintura a sus elementos más básicos. Gradualmente redujo sus herramientas visuales hasta que llegó a un estilo que utilizaba solo líneas horizontales y verticales, y una paleta de colores severamente limitada. A través de este estilo austero, sentía que podía comunicar la verdad espiritual subyacente del universo.

Mondrian rechazó las líneas diagonales porque quería evitar la perspectiva para alcanzar un plano pictórico completamente plano. Y rechazó las curvas porque quería comunicar algo puro y universal. Creía que las líneas horizontales y verticales solas, cuando se usaban juntas, representaban las fuerzas puras y esenciales, opuestas del universo, como la masculinidad y la feminidad, la positividad y la negatividad, y la quietud y el movimiento.

Piet Mondrian - Composición No III, con rojo, azul, amarillo y negro, 1929. Óleo sobre lienzo. 50 × 50.2 cm (19.6 × 19.7 in). Colección Privada

El Perfecto Imperfecto

La pintora canadiense Agnes Martin empleó un enfoque estético que compartía muchas similitudes con el de Piet Mondrian. Pero Martin fue vista como mucho más expresiva y emocional que Mondrian. Ambos pintores se centraron casi por completo en una combinación de líneas horizontales y verticales. Pero Martin pintó rejillas dibujadas a mano que revelan su toque humano. Incluso en su aparente precisión, contienen sutiles e imperceptibles imperfecciones.

Esas imperfecciones asumen la misma función que una línea curva, transmitiendo algo orgánico y esencialmente humano. Aunque su trabajo es quizás más emocional, como se revela en sus títulos, tales como Amistad, Felicidad-Alegría, y Vida Hermosa, ella, al igual que Mondrian, creía en el poder de las líneas horizontales y verticales para expresar algo armonioso y universal.

Agnes Martin - Amistad, 1963. Hoja de oro y óleo sobre lienzo. 6' 3" x 6' 3" (190.5 x 190.5 cm). Regalo de Celeste y Armand P. Bartos. Colección del MoMA. © 2019 Patrimonio de Agnes Martin / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Color y curvas

La obra del pintor estadounidense Cy Twombly deriva su aspecto icónico de un lenguaje visual basado casi en su totalidad en el color y la línea. Sus pinturas son abstractas, comunicando sentimientos intensos a través de su paleta simplificada y la energía e intensidad de su garabato. Sus líneas son en su mayoría de naturaleza glífica, lo que significa que su naturaleza curva y sensual se asemeja a algún tipo de escritura primitiva.

Junto con las líneas glíficas, las líneas verticales también llenan sus imágenes. Pero en lugar de ser dibujadas, las líneas verticales fueron creadas por las gotas que se formaron cuando su pincel presionó contra la superficie. Las verticales dan a las formas glíficas y curvadas una sensación de que están ascendiendo. Su pintura Bacchus manifiesta perfectamente este fenómeno, ya que sus curvas sensuales evocan una sensación de trascendencia sostenida por las gotas verticales.

Cy Twombly - Sin título (Baco), 2005. Acrílico sobre lienzo. 317.5 x 417.8 cm. © Cy Twombly

Línea e ilusión

La línea es un componente vital del trabajo de los artistas ópticos. Y las pinturas de Bridget Riley no solo utilizan la línea para evocar una respuesta emocional en los espectadores. También utilizan la línea para crear una respuesta física. Las obras que Riley realizó en la década de 1960 a menudo se decían que hacían sentir mal a los espectadores, como si estuvieran mareados y con náuseas por la sensación de movimiento creada por las pinturas.

En su pintura de 1966 Descendiendo, Riley crea una sensación de altura a partir de fuertes verticales, así como una sensación de perspectiva y movimiento a partir de filas repetidas de diagonales. Además, crea una sensación de suavidad sensual a partir de la colocación estratégica de curvas implícitas en las líneas verticales. La falta de líneas horizontales, de hecho, también contribuye a la sensación general de que todo está fuera de equilibrio.

Bridget Riley - Descendiendo, 1966. Emulsión sobre panel. 91.5 x 91.5 cm. © Bridget Riley

Voces Contemporáneas de Línea

Muchos pintores contemporáneos exploran el poder comunicativo de la línea en el arte. El pintor brasileño Christian Rosa utiliza un lenguaje idiosincrático y escaso de líneas que comparte mucho con la obra de Wassily Kandinsky. La pintora abstracta estadounidense Margaret Neill crea composiciones lineales curvas, sensuales e intuitivas que hablan en una conversación armoniosa con la obra de Cy Twombly. El pintor holandés José Heerkens utiliza líneas horizontales y verticales en conjunto con el color para la exploración del espacio. Y el artista franco-estadounidense Peter Soriano utiliza la línea de maneras que fusionan sensibilidades gráficas con algo metafísico y etéreo.

Además de los mencionados, decenas de otros artistas abstractos a lo largo del siglo pasado han explorado el poder de la línea para transmitir significado e inspirar una respuesta emocional. No hay forma de probar si han logrado un éxito universal. Pero no hay duda de que los elementos estéticos formales del arte son al menos capaces de evocar respuestas emocionales. Y considerados en conjunto, las obras de estos artistas abstractos que hemos mencionado presentan argumentos convincentes para el poder comunicativo de la línea.

Imagen destacada: Christian Rosa - Recarga infinita (detalle), 2013, pintura en aerosol, lápiz, cinta, barra de aceite y óleo sobre lienzo, 180 x 200 cm
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio