Energía Sin Límites - El Arte de Julio Le Parc
El mundo ha redescubierto Julio Le Parc. El artista nacido en Argentina y radicado en Francia, que sigue activo en su estudio hoy en día en sus ochenta y tantos, ayudó a definir el arte cinético en los años 60 y fue un temprano defensor de la idea del arte como una experiencia interactiva y democrática. Pero en comparación con sus contemporáneos, Le Parc no ha recibido exactamente el respeto que merece. Eso es en parte una elección propia. En 1966, ganó el Gran Premio de Pintura en la 33ª Bienal de Venecia. Poco después, se le ofreció una exposición retrospectiva en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Sin embargo, según la leyenda, dejó que el lanzamiento de una moneda decidiera que debía rechazar la oportunidad. Esa historia ilustra su desprecio por el establecimiento artístico y su creencia de que el arte debe ser ante todo para el pueblo. También explica en gran medida por qué, a pesar de continuar creando obras, o como él las llama, realizando "investigaciones", cayó en la oscuridad en los años 70. En 2013, Le Parc resurgió con una exposición individual en el Palais de Tokyo en París. Para la mayoría de las personas que vieron esa muestra, Le Parc fue una revelación. Al año siguiente, se le otorgó su primera gran exposición individual en el Reino Unido, en la Serpentine Gallery. Luego, en 2016, finalmente disfrutó de su primera exposición retrospectiva en un museo, en el Pérez Art Museum Miami. Este año, hasta ahora, su trabajo ha sido presentado en una importante exposición individual en Nueva York, y actualmente está incluido en otras dos exposiciones importantes: una muestra colectiva con Jesús Rafael Soto en el Palm Springs Art Museum titulada Kinesthesia: Latin American Kinetic Art, 1954-1969; y una exposición individual en Perrotin París. Y el próximo mes se abrirá otra retrospectiva de su trabajo en el Instituto Tomie Ohtake en São Paulo, Brasil. Esa muestra marcará un momento histórico importante para este artista que dejó Sudamérica por miedo a ser demasiado revolucionario, pero que ahora regresa como un pionero reconocido que comprendió hace más de medio siglo los matices sociales y políticos del arte abstracto.
Raíces Sociopolíticas
Las obras de arte que hace Julio Le Parc son revolucionarias. Algunas lo son literalmente, es decir, están construidas a partir de piezas de metal reflectante que giran mientras cuelgan de hilos del techo. Pero su obra es revolucionaria en otro sentido también, ya que es una declaración de independencia y libertad. Le Parc nació en la ciudad de clase trabajadora de Mendoza, que se encuentra al pie de la cordillera de los Andes, a unos 1100 km (600 millas) de la capital argentina, Buenos Aires. Como la mayoría de las personas en su ciudad natal en ese momento, Le Parc comenzó a trabajar joven. Desde los 13 hasta los 18 años tuvo muchos trabajos, incluyendo repartidor de periódicos, reparador de bicicletas, empacador de frutas, talabartero, empleado de biblioteca y trabajador en una planta metalúrgica.
Pero también tenía otros dos intereses cuando era niño. Era bueno dibujando retratos de celebridades y estaba interesado en las protestas estudiantiles que ocurrían mientras los jóvenes buscaban formas de reformar los elementos autoritarios en el gobierno. A los 15 años, Le Parc encontró una manera de fusionar estos tres factores: la ética de trabajo, el talento artístico y el interés por la iluminación social, al tomar clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes. Fue allí donde tuvo la buena fortuna de ser estudiante de Lucio Fontana, el innovador artista modernista cujos experimentos con el espacio lo convirtieron en una de las figuras más importantes de la vanguardia global a mediados del siglo XX. Fontana introdujo a Le Parc en el emergente movimiento Neo-Concreto de América del Sur, que lo inspiró a mirar hacia el futuro y adoptar un enfoque innovador hacia la estética.
Julio Le Parc - Bifurcaciones, exposición individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Rumbo a París
A los 18 años, Le Parc dejó la escuela y también dejó a su familia. Durante ocho años viajó por el país. A los 26 años, regresó a Buenos Aires con un renovado entusiasmo por su futuro y se inscribió en la Academia de Bellas Artes. Allí, aprendió a hacer pinturas, esculturas y grabados, y se conectó con otros jóvenes artistas de su generación. Juntos, él y sus contemporáneos desafiaron todo, desde los estándares aceptados del arte hasta los estándares aceptados del gobierno y la sociedad. En un momento, Le Parc participó en una acción política directa que resultó en que los estudiantes ocuparan las tres principales escuelas de arte en Argentina, echando a los directores e intentando instalar un gobierno escolar dirigido por estudiantes. Aunque ese movimiento fue finalmente aplastado y Le Parc y muchos de sus amigos fueron arrestados, les hizo pensar en su futuro como artistas.
Le Parc y sus amigos echaron un vistazo profundo a lo que podían lograr en Argentina, y decidieron que la única manera de conectarse verdaderamente con la vanguardia internacional era mudarse a París. Aunque muchos de sus contemporáneos nunca tendrían la oportunidad de realizar ese sueño, Le Parc ganó un concurso de arte patrocinado por el Servicio Cultural Francés y recibió una beca para mudarse a París y estudiar arte. Dejó Argentina en 1958. Después de llegar a París, hizo amistad inmediata con varios otros transplantados, como Jesús Rafael Soto y Francisco Sobrino, quienes eran espíritus afines. También conoció a una generación más antigua de artistas, liderada por Victor Vasarely, cuyo trabajo con cinética e ilusiones ópticas los colocó en la vanguardia, según la opinión de Le Parc y sus amigos.
Julio Le Parc - Bifurcaciones, exposición individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Intervenciones Sociales y Luz Utópica
Lo que más interesaba a Le Parc sobre el arte cinético es el hecho de que cambia constantemente según las circunstancias y quién lo está mirando. Le Parc dedujo que el arte estático tiene la capacidad de ser autoritario, ya que los objetos inmutables exigen ser considerados de una manera formal. Él vio el movimiento como una forma de democratizar la experiencia de mirar arte. Supuso que si la obra es diferente cada vez que alguien la mira, nadie puede llegar a una explicación autoritaria de la misma. El arte cinético es, por lo tanto, abierto, democrático y libre por naturaleza. Los espectadores de tales obras de arte no están bajo el control de las academias, instituciones y críticos que a menudo se comportan como si fueran un régimen fascista que controla la forma en que el público experimenta la cultura.
Esta realización fundamental fue transformadora para Le Parc. Lo llevó a hacer dos otros grandes descubrimientos. El primero fue que el arte debería ser una experiencia pública, no solo institucional. Puso esta idea en acción cuando él y sus amigos instigaron una serie de intervenciones públicas, en las que introdujeron fenómenos estéticos cinéticos en áreas públicas de manera lúdica, requiriendo que el público interactuara con el arte. El segundo gran descubrimiento fue que una de las fuerzas visuales más poderosas que pueden cambiar la forma en que las personas ven una obra de arte es la luz. Ese descubrimiento lo llevó hacia una fascinación de por vida con la luz como un elemento cinético—un elemento que ha utilizado como un componente interactivo en muchas de sus piezas más poderosas.
Julio Le Parc - Bifurcaciones, exposición individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Un Legado de Apertura
Hoy en día, muchos jóvenes artistas están interesados en la práctica social en el arte y tienen curiosidad sobre el derecho que los espectadores reclaman para definir su propia experiencia estética. Pero muchos no reconocen a Julio Le Parc como un líder de la generación de artistas que primero llevó estos temas al primer plano de la vanguardia. Como revelan sus exposiciones recientes, Le Parc merece un estatus elevado junto a artistas como Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez, y por supuesto Jesús Rafael Soto y Francisco Sobrino—artistas que fueron pioneros en el kinetismo, la óptica y el arte de práctica social. Le Parc ha tomado la simple idea de acción—de forzar a los espectadores a moverse y reaccionar para completar una experiencia—y la ha convertido en una forma de democratizar el arte. Su obra se presenta como una alternativa radical al absolutismo concreto que a menudo se asocia con las cosas estéticas. Es un recordatorio de seguir moviéndose, de mantenerse abierto y de abrazar una constante disposición a transformarse.
Y su trabajo también es una invitación a recordar no ser tan serio y estar dispuesto a jugar. Reiteró ese punto en una entrevista de 2016 en el New York Times. Mientras caminaba por su estudio, la entrevistadora, Emily Nathan, encontró una obra que Le Parc hizo en 1965 llamada “Ensemble de onze mouvements-surprise” (conjunto de once momentos sorpresa). La pieza, como su nombre indica, tenía once elementos diferentes hechos de diferentes materiales y activados por motores que el espectador podía controlar. Como Nathan obviamente quería tocarlo, Le Parc intervino. Dijo: “Adelante, juega con ello.” Ella lo hizo y notó de inmediato que cada parte móvil también creaba un sonido. Una sinfonía de acción y canción cobró vida. En una perfecta síntesis de su contribución al legado de la cultura democratizada, Le Parc dijo sobre los diferentes controles: “Todos hacen dibujos diferentes. Yo podría ver una cosa en ellos, pero cada persona tiene permiso para ver lo que quiera ver.”
Julio Le Parc - Sphère rouge (Esfera roja), hecha de plexiglás y nylon. Crédito Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ADAGP, París, Foto: André Morin
Imagen destacada: Julio Le Parc - Bifurcaciones, exposición individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
