Energía Sin Límites - El Arte de Julio Le Parc
El mundo ha redescubierto a Julio Le Parc. El artista nacido en Argentina y radicado en Francia, que aún trabaja en su estudio hoy en día a finales de sus 80 años, ayudó a definir el arte cinético en la década de 1960 y fue un defensor temprano de la idea del arte como una experiencia interactiva y democrática. Pero en comparación con sus contemporáneos, Le Parc no ha recibido exactamente el respeto que merece. Eso es en parte por elección propia. En 1966, ganó el Gran Premio de Pintura en la 33ª Bienal de Venecia. Poco después, le ofrecieron una exposición retrospectiva en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Sin embargo, según la leyenda, dejó que el lanzamiento de una moneda decidiera que debía rechazar la oportunidad. Esa historia ilustra su desprecio por el establecimiento artístico y su creencia de que el arte debe ser ante todo para el pueblo. También explica en gran medida por qué, a pesar de continuar creando obras, o como él lo llama, realizando “investigaciones,” cayó en el olvido en la década de 1970. En 2013, Le Parc reapareció con una exposición individual en el Palais de Tokyo en París. Para la mayoría de quienes vieron esa muestra, Le Parc fue una revelación. Al año siguiente, tuvo su primera gran exposición individual en el Reino Unido, en la Serpentine Gallery. Luego, en 2016, finalmente disfrutó de su primera exposición retrospectiva en un museo, en el Perez Art Museum Miami. Este año, su obra ha sido presentada en una importante exposición individual en Nueva York, y actualmente está incluida en otras dos grandes exposiciones: una colectiva con Jesús Rafael Soto en el Palm Springs Art Museum titulada Kinesthesia: Arte Cinético Latinoamericano, 1954-1969; y una muestra individual en Perrotin París. Y el próximo mes se inaugurará otra retrospectiva de su obra en el Instituto Tomie Ohtake en São Paulo, Brasil. Esa muestra marcará un momento histórico importante para este artista que dejó Sudamérica por temor a ser demasiado revolucionario, pero que ahora regresa como un pionero reconocido que comprendió hace más de medio siglo las connotaciones sociales y políticas del arte abstracto.
Raíces Sociopolíticas
Las obras que Julio Le Parc crea son revolucionarias. Algunas lo son literalmente, ya que están construidas con piezas de metal reflectante que giran mientras cuelgan de hilos suspendidos del techo. Pero su obra es revolucionaria en otro sentido también, pues es una declaración de independencia y libertad. Le Parc nació en la ciudad obrera de Mendoza, situada al pie de la cordillera de los Andes, a unos 1100 km (600 millas) de la capital argentina, Buenos Aires. Como la mayoría de las personas en su ciudad natal en esa época, Le Parc comenzó a trabajar desde joven. Entre los 13 y los 18 años tuvo muchos empleos, incluyendo repartidor de periódicos, reparador de bicicletas, empacador de frutas, curtidor, empleado de biblioteca y obrero en una planta metalúrgica.
Pero también tenía otros dos intereses desde niño. Era bueno dibujando imágenes de celebridades y estaba interesado en las protestas estudiantiles que ocurrían mientras los jóvenes buscaban formas de reformar los elementos autoritarios del gobierno. Desde los 15 años, Le Parc encontró la manera de unir estos tres factores: la ética de trabajo, el talento artístico y el interés por la conciencia social, tomando clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes. Allí tuvo la fortuna de ser alumno de Lucio Fontana, el innovador artista modernista cuyas experimentaciones con el espacio lo convirtieron en una de las figuras más importantes de la vanguardia global de mediados del siglo XX. Fontana introdujo a Le Parc en el emergente movimiento Neo-Concreto sudamericano, que lo inspiró a mirar hacia el futuro y adoptar un enfoque innovador de la estética.
Julio Le Parc - Bifurcaciones, muestra individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Rumbo a París
A los 18 años, Le Parc dejó la escuela y también a su familia. Durante ocho años viajó por el país. A los 26 años regresó a Buenos Aires con un renovado entusiasmo por su futuro y se inscribió en la Academia de Bellas Artes. Allí aprendió a hacer pinturas, esculturas y grabados, y se conectó con otros jóvenes artistas de su generación. Juntos, él y sus contemporáneos desafiaron todo, desde los estándares aceptados del arte hasta los estándares aceptados del gobierno y la sociedad. En un momento, Le Parc participó en una acción política directa que resultó en la ocupación de las tres principales escuelas de arte de Argentina por parte de estudiantes, expulsando a los directores e intentando instalar un gobierno estudiantil. Aunque finalmente ese movimiento fue reprimido y Le Parc y muchos de sus amigos fueron arrestados, les hizo reflexionar sobre su futuro como artistas.
Le Parc y sus amigos analizaron detenidamente lo que podían lograr en Argentina y decidieron que la única manera de conectarse verdaderamente con la vanguardia internacional era mudarse a París. Aunque muchos de sus contemporáneos nunca tendrían la oportunidad de realizar ese sueño, Le Parc ganó un concurso de arte patrocinado por el Servicio Cultural Francés y recibió una beca para mudarse a París y estudiar arte. Salió de Argentina en 1958. Al llegar a París, hizo amigos de inmediato con varios otros inmigrantes, como Jesús Rafael Soto y Francisco Sobrino, quienes eran espíritus afines. También conoció a una generación mayor de artistas, liderada por Victor Vasarely, cuyo trabajo con cinetismo e ilusiones ópticas los situaba a la vanguardia según la opinión de Le Parc y sus amigos.
Julio Le Parc - Bifurcaciones, muestra individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Intervenciones Sociales y Luz Utópica
Lo que más interesaba a Le Parc del arte cinético es el hecho de que cambia constantemente según las circunstancias y quién lo observa. Le Parc dedujo que el arte estático tiene la capacidad de ser autoritario, ya que los objetos inmutables exigen ser considerados de manera formal. Vio el movimiento como una forma de democratizar la experiencia de mirar arte. Supuso que si la obra es diferente cada vez que alguien la observa, nadie puede llegar a una explicación autoritaria de ella. El arte cinético es por lo tanto abierto, democrático y libre por naturaleza. Los espectadores de tales obras no están bajo el control de las academias, instituciones y críticos que a menudo se comportan como un régimen fascista que controla la forma en que el público experimenta la cultura.
Esta realización fundamental fue transformadora para Le Parc. Lo llevó a hacer dos otros grandes descubrimientos. El primero fue que el arte debe ser una experiencia pública, no solo institucional. Puso esta idea en práctica cuando él y sus amigos iniciaron una serie de intervenciones públicas, en las que introdujeron fenómenos estéticos cinéticos en espacios públicos de manera lúdica, requiriendo que el público interactuara con el arte. El segundo gran descubrimiento fue que una de las fuerzas visuales más poderosas que puede cambiar la forma en que las personas ven una obra de arte es la luz. Ese descubrimiento lo llevó a una fascinación de por vida con la luz como elemento cinético, un elemento que ha usado como componente interactivo en muchas de sus piezas más poderosas.
Julio Le Parc - Bifurcaciones, muestra individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Un Legado de Apertura
Hoy en día, muchos jóvenes artistas están interesados en la práctica social en el arte y sienten curiosidad por el derecho que reclaman los espectadores para definir su propia experiencia estética. Pero muchos no reconocen a Julio Le Parc como un líder de la generación de artistas que primero pusieron estos temas en el centro de la vanguardia. Como revelan sus exposiciones recientes, Le Parc merece un estatus elevado junto a artistas como Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez y, por supuesto, Jesús Rafael Soto y Francisco Sobrino, artistas que fueron pioneros en el cinetismo, la óptica y el arte de práctica social. Le Parc tomó la simple idea de la acción —de obligar a los espectadores a moverse y reaccionar para completar una experiencia— y la convirtió en una forma de democratizar el arte. Su obra es una alternativa radical al absolutismo concreto que a menudo se asocia con las cosas estéticas. Es un recordatorio para seguir moviéndose, mantenerse abierto y abrazar una disposición constante a transformarse.
Y su obra también es una invitación a no tomarse tan en serio y a estar dispuesto a jugar. Reiteró ese punto en una entrevista de 2016 en el New York Times. Mientras caminaba por su estudio, la entrevistadora, Emily Nathan, encontró una obra que Le Parc hizo en 1965 llamada “Ensemble de onze mouvements-surprise” (conjunto de once movimientos sorpresa). La pieza, como su nombre indica, tenía once elementos diferentes hechos de distintos materiales y activados por motores que el espectador podía controlar. Como Nathan obviamente quería tocarla, Le Parc intervino. Dijo: “Adelante, juega con ella.” Ella lo hizo y notó de inmediato que cada parte en movimiento también creaba un sonido. Una sinfonía de acción y canto cobró vida. En una perfecta síntesis de su contribución al legado de la cultura democratizada, Le Parc dijo sobre los diferentes controles: “Todos hacen dibujos diferentes. Yo podría ver una cosa en ellos, pero cada persona tiene permiso para ver lo que quiera.”
Julio Le Parc - Esfera roja, hecha de plexiglás y nailon. Crédito Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ADAGP, París, Foto: André Morin
Imagen destacada: Julio Le Parc - Bifurcaciones, muestra individual en Perrotin, París, vista de instalación, © Perrotin
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
