Dan Flavin y las Instalaciones de Luz Abstracta

A menudo, una atmósfera de espiritualidad acompaña al arte abstracto. El misticismo prospera donde la belleza es abundante y el significado ambiguo. Pero algunos artistas abstractos niegan que su trabajo contenga profundidades, cualidades trascendentales o cualquier significado más allá de las formalidades estéticas. Dan Flavin es un ejemplo quintessential de este fenómeno. Uno de los artistas más influyentes del siglo XX, Flavin abrió nuevos caminos en el uso de la luz en el arte modernista. Sus obras son bellas y sin precedentes, lo que las hace propensas a la interpretación creativa. Su naturaleza etérea, su luminiscencia resplandeciente e incluso sus títulos invitan a asociaciones con lo sagrado. Pero Flavin sostenía que tales asociaciones no tenían mérito. Insistiendo en que su arte consistía simplemente en luz iluminando la arquitectura, Flavin dijo: “Uno podría no pensar en la luz como un hecho, pero yo sí. Y es, como dije, un arte tan simple, abierto y directo como el que jamás encontrarás.”

Icónico o irónico

Flavin creció en un hogar católico irlandés en Queens, Nueva York. De adolescente, estudió para convertirse en sacerdote. Pero sin sentirse conmovido por la idea de una vida en la iglesia, a los 19 años se unió al ejército con su hermano. Durante su servicio en Corea, comenzó a estudiar arte seriamente, y después de completar su servicio regresó a Nueva York, donde continuó estudiando arte y trabajó en empleos temporales en museos. En 1961, después de experimentar con varios estilos de pintura y collage, creó sus primeras obras basadas en luz, una serie de cajas pintadas que colgaban en la pared y estaban cableadas con bombillas. Llamó a estas obras "íconos."

La palabra ícono se refería a pinturas luminosas y sagradas hechas por pintores ortodoxos rusos en tiempos bizantinos. Combinado con su propia historia de haber crecido en una familia católica y los cinco años que pasó estudiando para convertirse en sacerdote, el uso de la palabra ícono por parte de Flavin para estos objetos podría implicar fácilmente intenciones espirituales. Excepto que las pinturas de íconos bizantinos se hacían meticulosamente de acuerdo con estándares estéticos exigentes. Incorporaban medios costosos y raros para lograr su efecto luminoso y fueron creadas para embellecer los interiores de gloriosos espacios sagrados construidos para honrar lo divino. Los íconos de Flavin eran objetos huecos y minimalistas construidos con materiales baratos. Utilizaban luz producida en masa para lograr su luminosidad y eran, según Flavin, “construcciones concentradas que celebran habitaciones áridas.” Eran en todos los sentidos lo opuesto de sus contrapartes históricas. Entonces, ¿eran icónicos, o Flavin estaba siendo irónico?

Dan Flavin - Sin título (a Véronique), 1987. Luz fluorescente roja, amarilla, azul y verde. 96 in; 243.8 cm. Waddington Custot, Londres

Monumentos a la luz

Dos años después de hacer su primer ícono, Flavin experimentó un avance. Se atrevió a eliminar las cajas pintadas, renunciando al uso de cualquier tipo de soportes estéticos secundarios y optando en su lugar por fijar sus luces directamente a la pared. Al utilizar luces fluorescentes compradas en la tienda, ligeramente modificadas, como objetos de arte, se afilió a movimientos como el Arte Povera y Dadaísmo, debido a su uso de materiales cotidianos y objetos listos para usar, y Minimalismo, por su dependencia de materiales y procesos industriales. Flavin dedicó su primera obra en este nuevo estilo al artista Constantin Brancusi, cuya escultura Columna Sin Fin influyó en su pensamiento.

Restringiéndose a una paleta de colores austera y a un pequeño rango de tamaños de bombillas, Flavin comenzó una prolífica exploración de las posibilidades que su nuevo estilo ofrecía. Hizo 50 "Monumentos" en forma de pirámide dedicados al artista constructivista ruso Vladimir Tatlin, y creó decenas de composiciones fluorescentes sin título dedicadas a otros artistas que lo influenciaron, como Alexander Calder, Robert Ryman y Jasper Johns. Lo notable fue que estas composiciones no solo cumplían la función de ser objetos estéticos, sino que también servían para alterar la percepción del espacio en el que se exhibían.

Dan Flavin - "Monumento" 1 para V. Tatlin, 1964. Tubos de luz fluorescente (blanco frío). 96 1/10 × 23 1/5 in; 244 × 59 cm. Exposición "Sol Negro" en la Fondation Beyeler, Riehen.

Esquinas, Barreras y Corredores

A medida que aumentaba el interés en el trabajo de Flavin, se le dio acceso a una gama en expansión de espacios arquitectónicos en los que exhibir. Capitalizó este desarrollo para explorar más profundamente cómo sus composiciones de luz podían afectar la naturaleza del espacio arquitectónico. Clasificó sus diversas ideas según los espacios que habitaban, utilizando nombres como "esquinas", "barreras" y "corredores". Sus "esquinas" habitaban el espacio arquitectónico de una esquina, creando ya sea un fenómeno estético en la esquina misma o utilizando la esquina como un punto de partida desde el cual afectar el resto del espacio. Sus "barreras" creaban divisiones artificiales en el espacio, haciendo que la luz actuara tanto como el foco como el disruptor de la experiencia del espectador.

Los "corredores" de Flavin usaron la luz para alterar la experiencia estética de los pasillos. En algunos casos, distorsionaron la forma en que se percibían los pasillos. En otros casos, el pasillo parecía actuar como un espacio de exhibición para una composición de luces. Y en algunas circunstancias, las luces parecían simplemente realzar la belleza estética del espacio.

Dan Flavin - sin título (en honor a Leo en el 30 aniversario de su galería), 1987. Luz fluorescente roja, rosa, amarilla, azul y verde. 96 × 96 in; 243.8 × 243.8 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Situaciones y Propuestas

La ambigüedad de las creaciones de Flavin lo llevó a dejar de referirse a ellas como obras de arte. Era consciente de que sus composiciones de luz constituían solo una parte de la experiencia que los espectadores podrían tener en presencia de la obra. La totalidad de la experiencia del espectador era mucho más grande de lo que incluso él podría predecir. Por lo tanto, comenzó a llamar a sus creaciones "situaciones" y "propuestas", implicando que representaban solo el comienzo de un proceso estético en curso.

Algunas “situaciones” habitaban lugares sagrados, como iglesias. Otras habitaban espacios industriales. Otras más habitaban entornos de arte tradicional, como un museo. La experiencia completa de una Situación Flavin depende de la luz, la arquitectura, las condiciones atmosféricas, así como de los factores personales que el espectador aporta al entorno basándose en su relación preexistente con ese tipo particular de espacio.

Dan Flavin - La Diagonal del 25 de mayo de 1963, 1963. Luz fluorescente azul. 96 in; 243.8 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Luces brillantes

¿Entonces, cómo contextualizamos el trabajo de Flavin? ¿Sus cualidades abstractas contienen un significado más profundo y oculto más allá de sus cualidades formales? Depende de a quién le preguntes. Dado que las instalaciones de luz de Flavin se integran tan bellamente en los espacios que ocupan, es natural que los espectadores reaccionen emocionalmente al encontrarse con ellas. Para la mayoría de nosotros la mayor parte del tiempo, una habitación es solo un espacio utilitario, iluminado no por placer sino por funcionalidad. Cuando alguien ilumina un espacio por belleza en lugar de por negocios, lo llamamos iluminación ambiental, debido a las vívidas reacciones emocionales que tiende a inspirar.

Pero en referencia a su propia insistencia en la falta de un significado subyacente en sus obras, Flavin acuñó la famosa expresión “Es lo que es”, continuando, “y no es nada más... Todo se entrega de manera clara, abierta y sencilla.” No obstante, al igual que los niños que usan un destornillador en lugar del martillo destinado para clavar un clavo, seguimos tentados a recontextualizar el arte de Flavin para nuestros propios fines. Tal vez refleja un sentido de derecho. Lo tomamos como nuestro derecho soberano a objetivar una obra de arte de cualquier manera que funcione para nosotros, independientemente de la intención del artista. O tal vez deberíamos llamarlo la Mirada del Intérprete: un regalo que nosotros, los espectadores de arte, nos otorgamos a nosotros mismos que permite que el valor de la combinación de una obra de arte y nosotros mismos sume más que la de sus partes individuales.

Imagen destacada: Dan Flavin - La diagonal del 25 de mayo de 1963 (a Constantin Brancusi), 1963
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio