Dan Flavin y las Instalaciones de Luz Abstracta

Una atmósfera de espiritualidad suele acompañar al arte abstracto. El misticismo prospera donde la belleza es abundante y el significado ambiguo. Pero algunos artistas abstractos niegan que su obra contenga profundidades, cualidades trascendentales o algún significado más allá de las formalidades estéticas. Dan Flavin es un ejemplo fundamental de este fenómeno. Uno de los artistas más influyentes del siglo XX, Flavin abrió nuevos caminos en el uso de la luz en el arte modernista. Sus obras son hermosas y sin precedentes, lo que las hace propicias para la interpretación creativa. Su naturaleza etérea, la luminiscencia resplandeciente e incluso sus títulos invitan a asociaciones con lo sagrado. Pero Flavin sostenía que tales asociaciones no tenían mérito. Insistiendo en que su arte consistía simplemente en luz iluminando la arquitectura, Flavin dijo: “Uno podría no pensar en la luz como un hecho, pero yo sí. Y es, como dije, un arte tan claro, abierto y directo como jamás encontrarás.”

Icónico o irónico

Flavin creció en un hogar católico irlandés en Queens, Nueva York. De adolescente estudió para ser sacerdote. Pero sin sentirse atraído por la idea de una vida en la iglesia, a los 19 años se alistó en el ejército junto con su hermano. Durante su servicio en Corea comenzó a estudiar arte en serio, y tras completar su servicio regresó a Nueva York donde continuó estudiando arte y trabajó en empleos ocasionales en museos. En 1961, tras experimentar con varios estilos de pintura y collage, creó sus primeras obras basadas en la luz, una serie de cajas pintadas que colgaban en la pared y estaban cableadas con bombillas. Llamó a estas obras “iconos.”

La palabra icono se refería a pinturas luminosas y sagradas hechas por pintores cristianos ortodoxos rusos en tiempos bizantinos. Combinado con su propia historia de haber sido criado en una familia católica y los cinco años que pasó estudiando para ser sacerdote, el uso de la palabra icono por parte de Flavin para estos objetos podría fácilmente implicar intenciones espirituales. Excepto que las pinturas de iconos bizantinos se hacían meticulosamente según estrictos estándares estéticos. Incorporaban medios caros y raros para lograr su efecto luminoso y se creaban para adornar los interiores de espacios gloriosos y sagrados construidos para honrar lo divino. Los iconos de Flavin eran objetos huecos y mínimos hechos con materiales baratos. Usaban luz producida en masa para lograr su luminosidad y eran, según Flavin, “concentraciones construidas que celebran habitaciones desiertas.” Eran en todo sentido lo opuesto a sus contrapartes históricas. ¿Entonces eran icónicos o Flavin estaba siendo irónico?

Dan Flavin - Sin título (para Véronique), 1987. Luz fluorescente roja, amarilla, azul y verde. 96 in; 243.8 cm. Waddington Custot, Londres

Monumentos a la luz

Dos años después de hacer su primer icono, Flavin experimentó un avance. Dio el salto de eliminar las cajas pintadas, renunciando al uso de cualquier tipo de soporte estético secundario y optando en cambio por fijar sus luces directamente a la pared. Al usar luces fluorescentes compradas en tienda, ligeramente modificadas, como objetos de arte, se vinculó con movimientos como Arte Povera y Dadaísmo, debido al uso de materiales cotidianos y objetos prefabricados, y Minimalismo, por su dependencia de materiales y procesos industriales. Flavin dedicó su primera obra en este nuevo estilo al artista Constantin Brancusi, cuya escultura Columna Infinita influyó en su pensamiento.

Restringiéndose a una paleta de colores austera y a un pequeño rango de tamaños de bombillas, Flavin comenzó una prolífica exploración de las posibilidades que ofrecía su nuevo estilo. Hizo 50 “Monumentos” en forma de pirámide dedicados al artista constructivista ruso Vladimir Tatlin, y creó numerosas composiciones fluorescentes sin título dedicadas a otros artistas que lo influenciaron, como Alexander Calder, Robert Ryman y Jasper Johns. Lo notable era que estas composiciones no solo cumplían la función de ser objetos estéticos, sino que también alteraban la percepción del espacio en el que se exhibían.

Dan Flavin - "Monumento" 1 para V. Tatlin, 1964. Tubos de luz fluorescente (blanco frío). 96 1/10 × 23 1/5 in; 244 × 59 cm. Exposición "Sol Negro" en Fondation Beyeler, Riehen

Esquinas, barreras y corredores

A medida que aumentaba el interés por la obra de Flavin, se le permitió acceder a un rango creciente de espacios arquitectónicos para exhibir. Aprovechó este desarrollo para explorar más profundamente cómo sus composiciones de luz podían afectar la naturaleza del espacio arquitectónico. Clasificó sus diversas ideas según los espacios que habitaban, usando nombres como “esquinas,” “barreras” y “corredores.” Sus “esquinas” ocupaban el espacio arquitectónico de una esquina, ya sea creando un fenómeno estético en la propia esquina o usando la esquina como punto de partida para afectar el resto del espacio. Sus “barreras” creaban divisiones artificiales en el espacio, haciendo que la luz actuara tanto como foco como disruptor de la experiencia del espectador.

Los “corredores” de Flavin usaban la luz para alterar la experiencia estética de los pasillos. En algunos casos distorsionaban la forma en que se percibían los pasillos. En otros casos, el pasillo parecía actuar como espacio de exhibición para una composición de luces. Y en algunas circunstancias, las luces simplemente parecían realzar la belleza estética del espacio.

Dan Flavin - sin título (en honor a Leo en el 30 aniversario de su galería), 1987. Luz fluorescente roja, rosa, amarilla, azul y verde. 96 × 96 in; 243.8 × 243.8 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Situaciones y propuestas

La ambigüedad de las creaciones de Flavin lo llevó a dejar de referirse a ellas como obras de arte. Era consciente de que sus composiciones de luz constituían solo una parte de la experiencia que los espectadores podían tener en presencia de la obra. La totalidad de la experiencia del espectador era mucho mayor de lo que él mismo podía prever. Por ello comenzó a llamar a sus creaciones “situaciones” y “propuestas,” implicando que representaban solo el comienzo de un proceso estético en curso.

Algunas “situaciones” habitaban lugares sagrados, como iglesias. Otras habitaban espacios industriales. Otras más habitaban entornos artísticos tradicionales como un museo. La experiencia completa de una Situación de Flavin depende de la luz, la arquitectura, las condiciones atmosféricas, así como de los factores personales que el espectador aporta al ambiente según su relación previa con ese tipo particular de espacio.

Dan Flavin - La diagonal del 25 de mayo de 1963, 1963. Luz fluorescente azul. 96 in; 243.8 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Luces brillantes

Entonces, ¿cómo contextualizamos la obra de Flavin? ¿Sus cualidades abstractas contienen un significado más profundo y oculto más allá de sus cualidades formales? Depende de a quién se le pregunte. Dado que las instalaciones de luz de Flavin se integran tan hermosamente en los espacios que ocupan, es natural que los espectadores reaccionen emocionalmente al encontrarlas. Para la mayoría de nosotros, la mayor parte del tiempo, una habitación es solo un espacio utilitario, iluminado no por placer sino por funcionalidad. Cuando alguien ilumina un espacio por belleza en lugar de por negocio, lo llamamos iluminación ambiental, debido a las vívidas reacciones emocionales que suele inspirar.

Pero en referencia a su propia insistencia en la falta de significado subyacente de sus obras, Flavin acuñó famosamente la expresión “Es lo que es,” continuando, “y no es otra cosa... Todo se entrega clara, abierta y sencillamente.” No obstante, como niños que usan un destornillador en lugar del martillo previsto para clavar un clavo, seguimos tentados a recontextualizar el arte de Flavin para nuestros propios fines. Tal vez refleja un sentido de derecho. Tomamos como nuestro derecho soberano objetivar una obra de arte de la manera que nos convenga, sin importar la intención del artista. O tal vez deberíamos llamarlo la Mirada del Intérprete: un don que nosotros, los espectadores de arte, nos otorgamos a nosotros mismos que permite que el valor de la combinación de una obra de arte y nosotros mismos sea mayor que el de sus partes individuales.

Imagen destacada: Dan Flavin - La diagonal del 25 de mayo de 1963 (para Constantin Brancusi), 1963
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio