Cómo la Abstracción Sirvió al Arte de Vanguardia

La mayoría de los políticos hoy ignoran el arte de vanguardia. Lo ven como un bastión inofensivo para intelectuales que comercian con filosofías estéticas esotéricas. Pero no siempre fue así. En un pasado no tan lejano, los que detentaban el poder temían al arte de vanguardia como una fuerza que podía ejercer influencia cultural, o incluso alterar el carácter nacional. Y los movimientos de arte de vanguardia vinculados con la abstracción a menudo se percibían como particularmente amenazantes, debido a la ambigüedad de su propósito y la imprevisibilidad de su influencia. Hoy miramos atrás algunas de las formas en que la abstracción influyó en los movimientos de arte de vanguardia del pasado, y el impacto de esos movimientos en nuestra cultura.

Salon de los Rechazados

1863, París

Avant-garde significa vanguardia. Es un término militar francés para soldados que lideran el camino hacia un nuevo territorio contra enemigos inciertos. Su uso para describir el arte data al menos de 1863. Ese es el año en que un movimiento artístico de vanguardia llamado Impresionismo trastocó la estructura de poder cultural de Francia. Desde 1667, una institución llamada Académie des Beaux-Arts había definido el arte francés respetable. Ellos organizaban una exposición anual llamada Salon de Paris, que otorgaba a ciertos artistas la estatura asociada con la aprobación de la élite social.

Los impresionistas eran experimentadores. Inventaron nuevas formas de pintar; pintaban al aire libre, escenas cotidianas, y se enfocaban más en transmitir la luz que en el tema. Buscaban una nueva manera de pintar, pero también una nueva forma de ver el mundo. Su trabajo fue rechazado en el Salon de Paris. Pero Napoleón decidió que el público debía determinar si había valor en el estilo impresionista, así que organizó el Salon des Refusés en 1963, exhibiendo obras rechazadas por el Salon formal. La muestra fue incluso más popular que el Salon formal, resultando en el auge del Impresionismo y la caída del poder de la Académie des Beaux-Arts.

Salon des Indépendants

1884, París

A pesar del éxito del Salon de Refusés, la idea persistía de que las exposiciones de arte debían ser juzgadas; que ciertas personas élite debían tener el poder de establecer el gusto. Pero en 1884, un grupo llamado Société des Artistes Indépendants, que incluía a Georges Seurat y Paul Signac, los fundadores del Pointillism, ayudó a destruir esa noción creando el primer Salon des Indépendants, una exposición abierta a cualquier artista. Su lema era sin jurado ni recompensa.

Durante sus 30 años de existencia, el Salon des Indépendants ayudó a establecer el Neoimpresionismo, Divisionismo, los Simbolistas, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo y Orfismo. Dio refugio a la abstracción y conectó a artistas vanguardistas afines. Solidificó las reputaciones de Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh y Matisse. Y lo más importante, estableció que el arte modernista no estaba bajo el control de ninguna institución, y que la sociedad podía ser accesada, y por lo tanto influenciada, por la vanguardia.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Óleo sobre lienzo. 8' x 7' 8" (243.9 x 233.7 cm). Colección MoMA. Adquirido a través del legado de Lillie P. Bliss (por intercambio). © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Futurismo italiano

1909, Italia

Alrededor del cambio de siglo XX, ocurrió una evolución general en la mentalidad de las personas industrializadas. La cultura pasó de confiar en las viejas y antiguas formas de dirigir la sociedad a creer que esas formas eran inútiles. El movimiento de arte vanguardista que expresó más claramente esta evolución, y la solidificó en la mente de las masas, fue el Futurismo italiano.

El Manifiesto Futurista, publicado en 1909, expresó la intención de una nueva generación de artistas de destruir las instituciones e ideas del pasado para dar paso a lo nuevo. Ensalzó la maravilla de las máquinas y la velocidad, y abogó por la guerra para purificar la sociedad. El estilo de arte abstracto futurista se basaba en mostrar el movimiento para glorificar la tecnología. Sus ideas fomentaron la retórica y las políticas que condujeron a la Primera Guerra Mundial. Varios de sus miembros murieron en la guerra.

Wyndham Lewis - Pintura vorticista. © The Estate of G A Wyndham Lewis

Suprematismo y Constructivismo

1913, Rusia

Tras la Primera Guerra Mundial, surgieron dos movimientos de vanguardia rusos opuestos en respuesta a los vastos desafíos sociales que enfrentaba ese país. Kazimir Malevich creó un estilo de arte abstracto llamado Suprematismo, que buscaba expresar universalidades de la manera más simple y pura. Malevich escribió en su manifiesto, El Mundo No Objetivo, “El arte ya no se preocupa por servir al estado y a la religión, ya no desea ilustrar la historia de las costumbres, quiere no tener nada más que ver con el objeto, como tal, y cree que puede existir, en y para sí mismo…”

Simultáneamente, Vladimir Tatlin desarrolló el Constructivismo, una filosofía artística que sostiene que el arte debe servir al mundo material de manera objetiva. Aunque el Constructivismo y el Suprematismo eran directamente opuestos, ambos fueron altamente influyentes. El Suprematismo estableció un punto de vista cultural que el arte abstracto, y la humanidad en general, tiene un lado metafísico fundamental. El Constructivismo estableció un punto de vista cultural que el arte, y la vida, es material y debe abordarse desde una perspectiva utilitaria. Ambos puntos de vista obviamente aún prosperan hoy.

Kazimir Malevich - Composición Suprematista: Blanco sobre Blanco, 1918. Óleo sobre lienzo. 31 1/4 x 31 1/4" (79.4 x 79.4 cm). Colección MoMA. Adquisición de 1935 confirmada en 1999 por acuerdo con la herencia de Kazimir Malevich y posible gracias a fondos del legado de Mrs. John Hay Whitney (por intercambio)

Dada

1915, Nueva York

1916, Zúrich

Mientras los artistas rusos debatían si el arte debía ser objetivo o no objetivo, varios artistas en Nueva York y Zúrich fomentaban una tercera perspectiva. Consideraban el arte, y la vida, absurdos. En respuesta a los horrores de la Primera Guerra Mundial, los dadaístas adoptaron el punto de vista nihilista de que nada es sagrado. Se burlaron de todas las instituciones, estilos, filosofías y tendencias mientras simultáneamente apropiaban sus tendencias en su arte.

Los dadaístas crearon una declaración estética intencionalmente caótica e incomprensible. En un sentido fue una respuesta a la locura. En otro sentido, el dadaísmo creó una cultura aún más nihilista al validar y nutrir la locura. Los artistas asociados con el dadaísmo insistían en que no estaban haciendo sátira. No estaban diciendo nada. Estaban destruyendo la idea de que el arte tenía significado.

Jean Arp - Composición Abstracta, 1915. Collage.

Arte Degenerado

1937, Alemania

En la Alemania de posguerra, los artistas vanguardistas trabajaron brevemente en concierto con la cultura más amplia. En 1919, la República de Weimar instituyó reformas de gran alcance, fomentando una Alemania abierta, liberal y moderna. La Bauhaus surgió en consonancia con los ideales de Weimar. Durante 14 años, los artistas asociados con esta institución vanguardista fomentaron la perspectiva cultural de que el arte y la sociedad deberían estar vinculados, combinando arte, arquitectura y diseño.

Pero en 1933, después de un colapso económico, la República de Weimar perdió el control ante el Partido Nazi. Los nazis se oponían al Modernismo. Prohibieron cualquier arte que estuviera fuera de su estrecha visión de la grandeza histórica alemana. Etiquetaron el arte abstracto, el arte moderno y el arte vanguardista como degenerados. La primera exposición de Arte Degenerado en 1937 marcó el inicio de un ataque formal y oficial contra cualquiera asociado con las llamadas ideas degeneradas.

Rechazo Total

1948, Canadá

Mientras los nazis tomaban el control de Alemania, el Reino Unido estaba liberando el control de muchos de sus territorios. En 1931, el Reino Unido aprobó una legislación que permitía a Canadá determinar su propio destino legal y nacional. Así, los canadienses se involucraron en un proceso gradual para determinar su carácter nacional. Un grupo de artistas tomó la iniciativa en esa conversación cultural. Liderados por Paul-Émile Borduas y Jean-Paul Riopelle, el grupo publicó un manifiesto en 1948 llamado Le Refuse Global (Rechazo Total).

El manifiesto exigía que los artistas canadienses fueran libres del control religioso y académico. Abrazaba la abstracción, la experimentación y el secularismo cultural. La reacción inmediata al manifiesto fue negativa, pero durante varias décadas ayudó a instigar la Revolución Tranquila, un movimiento más amplio que logró reformas liberales en todo Canadá. Esas reformas definen el carácter nacional canadiense hoy en día, y en cierta medida deben su génesis a Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Composición, 1954. Óleo sobre lienzo. © Jean-Paul Riopelle

Grupo Gutai

1954, Japón

Mientras Japón se reconstruía después de la Segunda Guerra Mundial, un colectivo de arte vanguardista llamado el Grupo Gutai emprendió una misión para reimaginar la cultura japonesa. Los artistas Gutai creían que la violencia del pasado era el resultado de una cultura de asimilación y aislamiento. Creían que la individualidad, la libertad creativa, una conexión con la naturaleza y una conexión con otras culturas eran fundamentales para fomentar la paz.

El grupo se formó en 1954 y escribió un manifiesto en 1956 que explicaba su enfoque para hacer arte. Su trabajo era intencionalmente abstracto y experimental. Desató un renacimiento cultural en Japón. A través del correo se conectaron con otros artistas alrededor del mundo. Gutai influyó directamente en el Movimiento Fluxus y en muchos otros movimientos de arte conceptual en Europa y Norteamérica.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Óleo sobre lienzo. 81 x 116 cm (31 7/8 x 45 5/8 in). © Shiraga Kazuo

El Movimiento Alternative Artspace

Años 70, Global

Comenzando en Nueva York, el Movimiento Alternative Artspace surgió como un movimiento vanguardista global en los años 70. O, quizás de otra manera, fue un anti-movimiento, porque en lugar de definir un enfoque particular del arte simplemente proporcionaba a un artista un entorno y los medios para ofrecer cualquier fenómeno estético al público.

Artistas conectados con Alternative Artspaces incluyen a Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno y los Beastie Boys. Como un experimento vanguardista inclusivo y abarcador, el movimiento fue en sí mismo una fantástica abstracción: una idea del mundo del arte como una experiencia totalmente abierta resistente a todo juicio, evaluación y crítica.

Sol LeWitt - Dibujo mural 1. © Sol LeWitt

Abstracción, la Vanguardía y Nosotros

En innumerables casos, los movimientos de arte vanguardista han influido en las culturas en las que existieron. No es de extrañar que el malentendido de la abstracción y el miedo al arte vanguardista hayan hecho que algunos de los regímenes e instituciones más poderosos del pasado fueran abiertamente antagónicos hacia el arte como una amenaza a su control.

Al mirar atrás a los muchos movimientos de arte vanguardista del pasado (y hubo muchos más que los que cubrimos), podemos ver que la abstracción fue una parte integral de sus filosofías. Cada movimiento vanguardista se construye en esencia sobre ideas. Y muchas de esas ideas han involucrado experimentación, apertura, ambigüedad y libertad artística.

Imagen destacada: Giacomo Balla - Línea de velocidad (detalle), 1913. Óleo sobre lienzo
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio