La Gloriosa Austeridad de Ben Nicholson

Cuando Ben Nicholson murió en 1982 a los 88 años, dejó un legado complicado en su tierra natal, Inglaterra. Por un lado, sus relieves abstractos son considerados por la mayoría de los estudiosos británicos como la máxima expresión del Modernismo británico. Por otro lado, Nicholson tenía la reputación de ser algo teatral: un artista que cambiaba de estilo con frecuencia y de manera estratégica para mantenerse vigente en el mercado. Un día hacía un relieve abstracto, pero al ver que no se vendía, al día siguiente volvía a pintar un hermoso paisaje. Cuál versión de Nicholson se acerca más a la realidad sigue siendo un tema muy debatido en Gran Bretaña cada vez que aparece una retrospectiva de su obra. Sin embargo, para los espectadores fuera de Gran Bretaña la cuestión es puramente académica. La conclusión a nivel internacional es que con sus pinturas en relieve Nicholson aportó algo único a la historia del arte abstracto modernista, algo que no es fácil para nadie. Su legado no tiene que ver con si hacía estas obras porque pensaba que se venderían o si solo intentaba ser estratégico para competir con sus contemporáneos. Los relieves son simplemente ejemplos fenomenales de austeridad y precisión, y como tales merecen ser glorificados. Es precisamente esa austeridad y precisión lo que hace que muchas personas describan los relieves como típicamente británicos. Son como representaciones concretas del deseo británico de que todo en el mundo caótico se reduzca a algo simple, claro y directo. Sin embargo, sus superficies trabajadas en exceso y su metodología obsesiva quizás también revelan algo más sobre la cultura británica: que justo bajo la superficie de esa búsqueda pública de lo austero se oculta una corriente subterránea de ansiedad y obsesión.

La búsqueda de la novedad

Nicholson nació en 1894 en una familia literalmente rebosante de talento artístico. Su padre y su madre eran ambos pintores, y su abuela materna era sobrina de los artistas Robert Scott Lauder y James Eckford Lauder. No solo Nicholson creció para ser artista, sino que también su hermana y su hermano, que se convirtió en arquitecto. Sin embargo, en lugar de regodearse en su herencia artística, Nicholson buscó distanciarse de lo que para él era una visión enfermizamente romántica. Nicholson era un modernista en ciernes. Quería crear obras aspiracionales que mostraran los aspectos más ideales del mundo moderno. Con esas aspiraciones en mente, a los 16 años se inscribió en la Slade School of Fine Art, la escuela de arte británica más prestigiosa, en 1910. Pero evidentemente prefería pasar el tiempo jugando al billar en lugar de asistir a clase, y terminó abandonando después de un semestre.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Aguafuerte sobre una plancha usada (anteriormente cobertizo de I.C.I., 1948). Prueba BAT; inscrito a lápiz 'bon a tirer BN'; inscrito a lápiz al reverso 'prueba del artista (moonshine)'; anotaciones a lápiz al reverso en otra mano. 12 3/5 × 15 in; 32 × 38 cm. Foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Nicholson recordó más tarde que su mejor experiencia educativa artística fue cuando viajó a Estados Unidos en 1917. Durante una visita a California, se encontró por primera vez con la obra cubista sintética de Picasso. La división de la realidad en masas y planos simplificados tuvo un efecto profundo en Nicholson, quien comparó el resto de su obra con ese estándar. Sin embargo, no fue hasta 1924 que logró crear su primera composición abstracta propia. Titulada “1924 (primera pintura abstracta, Chelsea)”, medía 55.4 x 61.2 cm. La obra en óleo y lápiz sobre lienzo consiste en una disposición de cuadrados y rectángulos superpuestos y apagados, inclinados en un ligero ángulo. La superficie es pictórica pero también plana. Parece hacer referencia a composiciones geométricas de artistas como Malevich y Mondrian, pero sus humildes cualidades materiales le dan una calidad mucho menos académica que las obras de esos artistas. Pero después de pintar esta composición, Nicholson volvió directamente a sus paisajes y naturalezas muertas. Pasarían diez años más hasta que llegara a las obras en relieve abstracto que lo harían famoso.

Ben Nicholson - Naturaleza muerta, 1962. Litografía sobre papel. 18 1/2 × 26 in; 47 × 66 cm. Foto cortesía de Frestonian Gallery, Londres

Dulce alivio

Después de Picasso, la artista que tuvo la influencia más profunda en Nicholson fue Barbara Hepworth. Nicholson y Hepworth comenzaron a relacionarse alrededor de 1931. Su asociación empezó de manera profesional, pero pronto se convirtió en un romance, lo que provocó que su primera esposa se divorciara de Nicholson. A diferencia de Nicholson, Hepworth estaba segura de su búsqueda de la abstracción. Creía plenamente en el valor de las masas y los planos, y sabía que una forma abstracta podía ser apreciada completamente por sus propias cualidades materiales y formales. Tres años después de comenzar su relación con Hepworth, Nicholson hizo sus primeros relieves tallados. Para crear estas obras, recortaba formas simples como círculos y cuadrados en cartón y luego pegaba las hojas de cartón unas sobre otras. Las obras estaban diseñadas para colgarse en la pared, y sus cualidades tridimensionales desafiaban la tradicional planitud de la pintura. Pintaba sus superficies con tonos apagados y luego raspaba obsesivamente la pintura con cuchillas de afeitar. Comparaba ese proceso con ver a su madre fregar la mesa de la cocina cuando era niño. La estética desgastada contradice la precisión mínima de las formas de manera que crea tanto disonancia como equilibrio.

Ben Nicholson - Fragmento Olímpico, 1966. Aguafuerte. 7 9/10 × 9 4/5 in; 20 × 25 cm. Edición de 60. Foto Osborne Samuel, Londres

Nicholson y Hepworth se casaron en 1938 y se divorciaron en 1951. Durante su relación, Nicholson maduró completamente su visión abstracta y depurada. Incluso después de que terminó su relación, continuó haciendo sus relieves geométricos y pinturas abstractas depuradas. Pero también hubo muchos períodos en los que volvió a la comodidad del trabajo representativo. Tal vez sea cierto que lo hizo solo para ganar dinero, ya que los coleccionistas británicos no siempre estaban interesados en apoyar el arte abstracto en esa época. O tal vez Nicholson simplemente tenía curiosidad por la interrelación entre abstracción y figuración. Quizás veía sus relieves menos como abstracción per se y más como ejemplos de la eliminación del ornamento. En ese sentido, tal vez no intentaba abandonar la realidad representativa, sino ampliar su definición. Si ese es el caso, entonces, al igual que los constructivistas, Nicholson desafió cualquier sentido de estilo y en cambio ofreció una visión estética compleja que abarcaba sus propias esperanzas de un mundo más novedoso, más estratificado y más honesto.

Imagen destacada: Ben Nicholson - Patmos largo horizontal, 1967. Aguafuerte. Prueba del artista; firmado y fechado 'Nicholson 67'; inscrito al reverso a lápiz. 'BN copy box artist's copy no 6'. 11 7/10 × 17 4/5 in; 29.7 × 45.2 cm. Foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio