La Gloriosa Austeridad de Ben Nicholson

Cuando Ben Nicholson murió en 1982 a la edad de 88 años, dejó un legado problemático en su tierra natal de Inglaterra. Por un lado, sus relieves abstractos son considerados por la mayoría de los académicos británicos como el epítome del Modernismo Británico. Por otro lado, Nicholson tenía la reputación de ser algo así como un actor—un artista que cambiaba de estilo con frecuencia y de manera estratégica para mantenerse relevante en el mercado. Un día hacía un relieve abstracto, pero al ver que no se vendía, al día siguiente volvía a pintar un hermoso paisaje. Cualquiera que sea la versión de Nicholson que más se acerque a la realidad sigue siendo un tema de debate acalorado en Gran Bretaña cada vez que aparece una retrospectiva de su obra. Sin embargo, para los espectadores fuera de Gran Bretaña, la cuestión es puramente académica. La conclusión a nivel internacional es que con sus pinturas en relieve, Nicholson añadió algo único a la historia del arte abstracto modernista—no es un logro fácil para nadie. Su legado no tiene nada que ver con si estaba creando estas obras porque pensaba que se venderían, o si solo intentaba ser estratégico para competir con sus contemporáneos. Los relieves son simplemente ejemplos fenomenales de austeridad y precisión, y como tales, merecen ser glorificados. De hecho, es exactamente su austeridad y precisión lo que hace que tantas personas describan los relieves como esencialmente británicos. Son como representaciones concretas del deseo británico de que todo en el mundo desordenado se reduzca a algo simple, nítido y directo. Sin embargo, sus superficies sobrecargadas y su metodología obsesiva también revelan quizás algo más sobre la cultura británica—que justo debajo de la superficie de esa búsqueda pública de lo austero se esconde una corriente subterránea de ansiedad y obsesión.

La Búsqueda de la Novedad

Nicholson nació en 1894 en una familia que estaba literalmente desbordante de talento artístico. Su padre y su madre eran ambos pintores, y su abuela materna era sobrina de los artistas Robert Scott Lauder y James Eckford Lauder. No solo Nicholson creció para ser un artista, sino que también lo hizo su hermana, y su hermano se convirtió en arquitecto. Sin embargo, en lugar de deleitarse en su herencia artística, Nicholson buscó distanciarse de lo que, en su opinión, era una visión romántica enfermiza. Nicholson era un joven modernista. Quería crear obras aspiracionales que mostraran los aspectos más ideales del mundo moderno. Con esas aspiraciones en mente, a los 16 años se inscribió en la Slade School of Fine Art, la escuela de arte británica más prestigiosa, en 1910. Pero evidentemente prefería pasar su tiempo jugando al billar en lugar de ir a clase, y terminó abandonando después de un semestre.

Ben Nicholson - luz de luna, 1966. Grabado en una placa usada (anteriormente I.C.I. cobertizo, 1948). Prueba BAT; inscrito en lápiz 'bon a tirer BN'; inscrito en lápiz en el reverso 'prueba del artista (luz de luna)'; anotaciones en lápiz en el reverso en otra mano. 12 3/5 × 15 in; 32 × 38 cm. Foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres.

Nicholson recordó más tarde que su mejor experiencia educativa en el arte llegó cuando viajó a los Estados Unidos en 1917. Durante una visita a California, se encontró por primera vez con la obra Cubista Sintético de Picasso. La delineación de la realidad en masas y planos simplificados tuvo un profundo efecto en Nicholson, quien comparó el resto de la obra que realizó en su vida con ese estándar. Sin embargo, no fue hasta 1924 que logró crear su propia primera composición abstracta. Titulada “1924 (primera pintura abstracta, Chelsea),” medía 55.4 x 61.2 cm. La obra de óleo y lápiz sobre lienzo consiste en una disposición de cuadrados y rectángulos superpuestos y atenuados, inclinados en un ligero ángulo. La superficie es pictórica pero también plana. Parece hacer referencia a composiciones geométricas de artistas como Malevich y Mondrian, pero sus humildes cualidades materiales le dan una calidad mucho menos académica que las obras de esos artistas. Pero después de pintar esta composición, Nicholson regresó de inmediato a sus pinturas de paisajes y naturalezas muertas. Pasarían diez años más hasta que llegara a las obras de relieve abstracto que lo harían famoso.

Ben Nicholson - Naturaleza muerta, 1962. Litografía sobre papel. 18 1/2 × 26 in; 47 × 66 cm. Foto cortesía de Frestonian Gallery, Londres.

Dulce alivio

El segundo después de Picasso, el artista que tuvo la influencia más profunda en Nicholson fue Barbara Hepworth. Nicholson y Hepworth comenzaron a socializar alrededor de 1931. Su asociación comenzó siendo de naturaleza profesional, pero pronto se convirtió en un romance, lo que llevó a su primera esposa a divorciarse de Nicholson. A diferencia de Nicholson, Hepworth estaba segura de su búsqueda de la abstracción. Creía puramente en el valor de las masas y los planos, y sabía que una forma abstracta podía ser apreciada completamente por sus propias cualidades materiales y formales. Tres años después de su relación con Hepworth, Nicholson hizo sus primeros relieves tallados. Para crear estas obras, cortó formas simples como círculos y cuadrados de cartón y luego pegó las hojas de cartón sobre otras hojas de cartón. Las obras estaban diseñadas para colgar en la pared, sus cualidades tridimensionales desafiando la planitud tradicional de la pintura. Pintó sus superficies con tonos apagados y luego raspó obsesivamente la pintura con cuchillas de afeitar. Comparó ese proceso con ver a su madre fregar la mesa de la cocina cuando era niño. La estética desgastada contradice la precisión mínima de las formas de maneras que crean tanto disonancia como equilibrio.

Ben Nicholson - Fragmento Olímpico, 1966. Aguafuerte. 7 9/10 × 9 4/5 in; 20 × 25 cm. Edición de 60. Foto Osborne Samuel, Londres

Nicholson y Hepworth se casaron en 1938 y se divorciaron en 1951. Durante su relación, Nicholson maduró completamente su visión abstracta y depurada. Incluso después de que su relación terminó, continuó haciendo sus relieves geométricos y pinturas abstractas. Pero también hubo muchos períodos de tiempo en los que se retiró de nuevo a la comodidad del trabajo representacional. Tal vez sea cierto que lo hizo solo para ganar dinero, ya que los coleccionistas británicos no siempre estaban interesados en apoyar el arte abstracto en ese entonces. O tal vez Nicholson simplemente tenía curiosidad sobre la interrelación entre la abstracción y la figuración. Quizás veía sus relieves menos como abstracción, per se, y más como ejemplos de la eliminación del ornamento. En ese sentido, tal vez no estaba tratando de abandonar la realidad representacional, sino más bien de expandir su definición. Si ese es el caso, entonces, al igual que los Constructivistas, Nicholson desafiaba cualquier sentido de estilo y, en cambio, ofrecía una visión estética compleja que abarcaba sus propias esperanzas por un mundo más novedoso, más estratificado y más honesto.

Imagen destacada: Ben Nicholson - Patmos horizontal larga, 1967. Grabado. Prueba de artista; firmada y fechada 'Nicholson 67'; inscrita al dorso en lápiz. 'BN copia caja copia de artista no 6'. 11 7/10 × 17 4/5 in; 29.7 × 45.2 cm. Foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio