El legado de Sir Howard Hodgkin

El renombrado pintor y grabador abstracto británico Howard Hodgkin fue uno de los artistas más condecorados de su generación. Representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 1984 y ganó el Premio Turner en 1985. En 1976, fue admitido en la Muy Excelentísima Orden del Imperio Británico (CBE); fue nombrado caballero en 1992; y en 2003, la Reina Isabel II lo incorporó a la Orden de los Compañeros de Honor, donde se unió a una lista selecta de solo otros tres artistas abstractos—Henry Moore, Victor Pasmore y Bridget Riley—que han recibido la misma distinción. La celebrada estatura que Hodgkin finalmente alcanzó en su carrera contrasta marcadamente con las dificultades de sus primeros años profesionales. En 1981, Hodgkin declaró, “Creo que he tenido suerte en que no tuve éxito hasta que tuve mediana edad, pero hubo muchos momentos amargos que vivir cuando pasó tanto tiempo antes de que alguien pareciera querer mirar mis cuadros en absoluto.” En sus 30 años, estaba tan desanimado por el rechazo que consideró el suicidio. Pero en lugar de rendirse a la desesperación, se rededicó a la expresión estética de su yo interior. Cuanto más se adentraba Hodgkin en su interior, más intuitivamente comprendía la relación entre la emoción y los elementos formales del arte, como el color y la pintura; y más abstracta se volvió su obra posteriormente. Al final de su vida, Hodgkin creó una obra distintiva basada en un estilo depurado que comunicaba el sentimiento crudo en los términos más simples y directos.

Figuras y Sentimientos

Durante mucho tiempo ha habido cierto debate sobre si deberíamos referirnos a Howard Hodgkin como un artista figurativo o abstracto. Su obra temprana estaba claramente basada en la realidad, mostrando figuras en espacios interiores, a veces en circunstancias sociales. Pero a medida que su carrera evolucionó, difuminó la línea entre abstracción y figuración, creando pinturas que habitaban una especie de intersección entre ambas. En lugar de tratar únicamente con contenido específico de su vida, exploró las formas en que elementos formales como el color, el patrón y la superficie podían evocar elementos emocionales dentro de sus imágenes. Durante más décadas sus pinturas contenían minúsculos elementos figurativos escondidos dentro de abstractos campos de color, formas y patrones. Pero incluso cuando pintaba algo que la mayoría de los espectadores considerarían puramente abstracto, Hodgkin mismo solía decir que la obra seguía siendo figurativa, ya que todo se relacionaba íntimamente con una narrativa continua informada por su realidad personal.

Hodgkin comenzó a mostrar sus pinturas en 1950 a la edad de 18 años, mientras aún era estudiante. De hecho, una de sus primeras obras, una pintura en gouache sobre tabla titulada Memorias, pintada cuando tenía solo 16 años, es considerada por algunos admiradores como una de sus mejores. Recibió su primera exposición individual en 1962, en la reconocida Galería Arthur Tooth & Sons en Londres. La mezcla única de figuración y abstracción que definió las obras de esa exposición hizo que Hodgkin destacara como único y audaz. Pero el público británico no entendió inmediatamente la obra, y la exposición no fue un éxito comercial. Pasarían casi diez años antes de que los espectadores en su país llegaran a apreciar su talento distintivo.

Howard Hodgkin - Memorias, 1949, Gouache sobre tabla, 8 5/8 x 9 7/8 pulgadas, © El Patrimonio de Howard Hodgkin

Recuerdos de la India

Desde temprano en su vida, Howard Hodgkin se dio cuenta de que las pinturas que quería pintar eran más como reliquias estéticas de sus propios recuerdos. Como alguien que amaba especialmente viajar, muchos de sus recuerdos más potentes trataban sobre los paisajes espectaculares y las personas extraordinarias que encontró en el extranjero. Algunas de las estampas más exitosas que hizo trataban sobre viajes que realizó a la India. En una serie de serigrafías titulada Vistas de la India abordó las pequeñas ventanas horizontales comunes en los costados de los trenes en ese país. Las imágenes se leen como paisajes simples con líneas de horizonte, pero también pueden contemplarse como campos de color abstractos.

Además de su uso emotivo del color, sus serigrafías Vista de la India son también notables porque contienen el elemento estético arquetípico del marco, que con el tiempo se volvió vital para Hodgkin. En muchas de sus pinturas abstractas pintaba un marco rectangular que contenía la imagen. Luego comenzó a enmarcar sus superficies en marcos de madera reales y pintaba la imagen tanto en la superficie como en el marco, combinando ambos. El marco pintado definía sus pinturas como objetos resistentes a interferencias externas y aclaraba que su significado estaba completamente contenido en sí mismos.

Howard Hodgkin - Vista de la India H, 1971, Serigrafía sobre papel, 581 x 780 mm, © El Patrimonio de Howard Hodgkin

Reconocimiento Exterior

A pesar de la falta de comprensión que Hodgkin recibió inicialmente del público, continuó exhibiendo y siguió persiguiendo su estilo único, creando imágenes híbridas abstracto-figurativas y desarrollando un lenguaje visual emotivo y colorido basado en sentimientos. En 1971, fue invitado por primera vez a exponer en el extranjero, en Colonia, Alemania. Esa exposición fue un éxito, y al año siguiente expuso en una muestra colectiva en París. Y al año siguiente expuso por primera vez en Estados Unidos, en una galería de Nueva York.

Para su alegría, los espectadores extranjeros tuvieron una impresión muy diferente de su obra. Después de su debut en Nueva York, Hodgkin dijo, “se dieron cuenta de inmediato del tipo de artista que era… la reacción fue tal que sentí que me estaba comunicando con un público. Rara vez he sentido eso en Inglaterra.” Quizás debido a esta atención internacional, o quizás porque los espectadores británicos simplemente se dieron cuenta de lo que se habían estado perdiendo, durante los siguientes años Hodgkin vio mejorar su reputación en Gran Bretaña. Para 1976, había sido galardonado con el CBE y había recibido su primera exposición retrospectiva, en el Museo de Arte Moderno de Oxford.

Howard Hodgkin - No en la mesa, 1972, óleo sobre madera, 33 x 36 pulgadas, © El Patrimonio de Howard Hodgkin

La Escuela de Londres

También en 1976, Hodgkin recibió el honor de ser incluido entre un grupo de artistas británicos asociados con algo llamado la Escuela de Londres. El pintor R. B. Kitaj acuñó el término Escuela de Londres en un ensayo de catálogo que escribió para una exposición titulada La Arcilla Humana. Kitaj pretendía que el término llamara la atención sobre el hecho de que, en contraste con las tendencias globales hacia el Arte Pop, el Minimalismo, el Arte Conceptual y otros estilos populares, un grupo de talentosos artistas británicos había estado explorando diligentemente la relevancia moderna de la figura humana en el arte.

La Arcilla Humana incluyó la obra de 48 artistas; entre ellos estaban Kitaj y Hodgkin, así como varios otros que posteriormente se volvieron vitalmente influyentes a nivel internacional, como Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore y Lucian Freud. Cada uno había estado, en ese momento, explorando la figuración de maneras singularmente modernas. Pero la mayoría rechazó la etiqueta Escuela de Londres cuando la escucharon por primera vez. Howard Hodgkin rechazó la etiqueta, aunque tenía cinco obras en la exposición, el segundo mayor número por cualquier artista. Sin embargo, ser incluido en la muestra fue un impulso para Hodgkin y una gran validación pública de sus esfuerzos.

Howard Hodgkin - La última vez que vi París, 1988-1991, óleo sobre madera, 44 1/4 x 50 pulgadas, © El Patrimonio de Howard Hodgkin

Menos es Más

A lo largo de su carrera, Hodgkin buscó maneras de expresar más mostrando menos, reduciendo eventualmente los elementos figurativos en su obra hasta casi desaparecer. Coincidiendo con el mayor reconocimiento público que experimentó a finales de los años setenta, Hodgkin también atravesó una transición en su vida personal. Después de 20 años de matrimonio con su esposa Julia, Hodgkin salió del armario como gay y concedió a Julia la custodia de sus dos hijos. Su vida se volvió simultáneamente más simple y más compleja. Aunque los títulos de sus obras a partir de ese momento conservaron la cualidad narrativa personal por la que su obra se había hecho conocida, haciendo referencia a recuerdos personales específicos, el contenido de sus imágenes se volvió dramáticamente más abstracto.

Aunque probablemente habría negado tal acusación, es fácil ver cómo liberarse de una falsedad personal también pudo haberlo liberado de la necesidad de invertir su imaginería con insinuaciones, permitiéndole ser más directo con sus emociones. Ya fuera por esa circunstancia o no, en las últimas décadas de su vida Hodgkin depuró su lenguaje visual más dramáticamente que nunca. Se volvió más hábil para transmitir el potencial expresivo del color, la pincelada, la superficie, la composición y la pintura. En sus últimos años sus composiciones fueron las más simples y quizás las más profundas, comunicando hábilmente su idea esencial del poder fugaz de la memoria y la emoción.

Howard Hodgkin - Amor y muerte, 2015, óleo sobre madera, 31 x 35 pulgadas, © El Patrimonio de Howard Hodgkin

Imagen destacada: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalle), 1961-62, óleo sobre lienzo, 34 x 39 pulgadas
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio