El legado de Sir Howard Hodgkin

El renombrado pintor abstracto británico y grabador Howard Hodgkin fue uno de los artistas más condecorados de su generación. Representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 1984 y ganó el Premio Turner en 1985. En 1976, fue admitido en la Más Excelente Orden del Imperio Británico (CBE); fue nombrado caballero en 1992; y en 2003, la Reina Isabel II lo incluyó en la Orden de los Compañeros de Honor, donde se unió a una lista selecta de solo tres otros artistas abstractos—Henry Moore, Victor Pasmore y Bridget Riley—que han recibido la misma distinción. La celebrada estatura que Hodgkin finalmente alcanzó en su carrera contrasta marcadamente con las luchas de su vida profesional temprana. En 1981, Hodgkin declaró: “Creo que he tenido la suerte de no haber tenido éxito en absoluto hasta que fui de mediana edad, pero hubo muchos momentos amargos por los que vivir cuando pasó tanto tiempo antes de que a alguien pareciera interesarle mirar mis cuadros.” En sus 30, estaba tan desalentado por el rechazo que consideró el suicidio. Pero en lugar de ceder a la desesperación, se volvió a dedicar a la expresión estética de su yo interior. Cuanto más se adentraba Hodgkin en su interior, más intuitivamente comprendía la relación entre la emoción y los elementos formales del arte, como el color y la pintura; y cuanto más abstracto se volvía su trabajo posteriormente. Al final de su vida, Hodgkin creó una obra distintiva basada en un estilo depurado que comunicaba sentimientos crudos en los términos más simples y directos.

Figuras y Sentimientos

Ha habido durante mucho tiempo un debate sobre si deberíamos referirnos a Howard Hodgkin como un artista figurativo o abstracto. Su trabajo temprano era claramente basado en la realidad, mostrando figuras en espacios interiores, a veces en circunstancias sociales. Pero a medida que su carrera evolucionó, difuminó la línea entre abstracción y figuración, creando pinturas que habitaban una especie de intersección entre los dos. En lugar de tratar únicamente con contenido específico de su vida, exploró las formas en que elementos formales como el color, el patrón y la superficie podían evocar elementos emocionales dentro de sus imágenes. Durante más décadas, sus pinturas contenían minúsculos elementos figurativos incrustados dentro de campos de color, formas y patrones abstractos. Pero incluso cuando pintaba algo que la mayoría de los espectadores consideraría puramente abstracto, Hodgkin mismo solía decir que la obra seguía siendo figurativa, ya que todo estaba íntimamente relacionado con una narrativa en curso informada por su realidad personal.

Hodgkin comenzó a mostrar sus pinturas en 1950 a la edad de 18 años, mientras aún era estudiante. De hecho, una de sus primeras obras, una gouache pintada sobre tabla titulada Memorias, pintada cuando solo tenía 16 años, es considerada por algunos aficionados como una de las mejores. Recibió su primera exposición individual en 1962, en la aclamada Galería Arthur Tooth & Sons en Londres. La mezcla única de figuración y abstracción que definió las obras de esa exposición hizo que Hodgkin se destacara como único y audaz. Pero el público británico no entendió de inmediato la obra, y la exposición no fue un éxito comercial. Pasarían casi diez años antes de que los espectadores en su tierra natal llegaran a apreciar su talento distintivo.

Howard Hodgkin - Memorias, 1949, Gouache sobre tabla, 8 5/8 x 9 7/8 in, © La herencia de Howard Hodgkin

Recuerdos de la India

Desde joven, Howard Hodgkin se dio cuenta de que las pinturas que quería crear eran más como reliquias estéticas de sus propios recuerdos. Como alguien que amaba especialmente viajar, muchos de sus recuerdos más potentes estaban relacionados con los paisajes espectaculares y las personas extraordinarias que encontró mientras estaba en el extranjero. Algunas de las impresiones más exitosas que realizó estaban relacionadas con los viajes que hizo a India. En una serie de serigrafías que creó titulada Vistas de India, abordó las pequeñas ventanas horizontales comunes en los costados de los trenes en ese país. Las imágenes se leen como simples paisajes con líneas de horizonte, pero también pueden ser contempladas como campos de color abstracto.

Además de su uso emotivo del color, sus serigrafías Indian View también son notables en que contienen el elemento estético arquetípico del marco, que con el tiempo se volvió vitalmente importante para Hodgkin. En muchas de sus pinturas abstractas pintó un marco rectangular que contenía la imagen. Luego, comenzó a enmarcar sus superficies en marcos de madera reales y luego a pintar la imagen tanto en la superficie como en el marco, combinando ambos. El marco pintado definió sus pinturas como objetos resistentes a la interferencia externa y aclaró que su significado estaba completamente contenido dentro de sí mismos.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Serigrafía sobre papel, 581 x 780 mm, © La herencia de Howard Hodgkin

Reconocimiento externo

A pesar de la falta de comprensión que Hodgkin recibió inicialmente del público, continuó exhibiendo y siguió persiguiendo su estilo único, creando imágenes híbridas abstracto-figurativas y desarrollando un lenguaje visual emotivo y colorido basado en sentimientos. En 1971, fue invitado por primera vez a exhibir en el extranjero, en Colonia, Alemania. Esa exposición fue un éxito, y al año siguiente exhibió en una muestra colectiva en París. Y al año siguiente exhibió por primera vez en Estados Unidos, en una galería en Nueva York.

Para su deleite, los espectadores extranjeros tenían una impresión muy diferente de su trabajo. Después de su debut en Nueva York, Hodgkin dijo: “se dieron cuenta de inmediato de qué tipo de artista era... la reacción fue tal que sentí que estaba comunicándome con una audiencia. Rara vez he sentido eso en Inglaterra.” Quizás debido a esta atención internacional, o quizás porque los espectadores británicos simplemente se dieron cuenta de lo que se habían estado perdiendo, en los años siguientes Hodgkin vio mejorar su reputación en Gran Bretaña. Para 1976, había sido galardonado con el CBE y había recibido su primera exposición retrospectiva, en el Museo de Arte Moderno de Oxford.

Howard Hodgkin - No en la mesa, 1972, óleo sobre madera, 33 x 36 in, © La herencia de Howard Hodgkin

La Escuela de Londres

También en 1976, Hodgkin recibió el honor de ser incluido entre un grupo de artistas británicos asociados con algo llamado la Escuela de Londres. El pintor R. B. Kitaj acuñó el término Escuela de Londres en un ensayo de catálogo que escribió para una exposición titulada La arcilla humana. Kitaj pretendía que el término llamara la atención sobre el hecho de que, en contraste con las tendencias globales hacia el Pop Art, Minimalismo, Arte Conceptual y otros estilos populares, un grupo de talentosos artistas británicos había estado explorando diligentemente la relevancia moderna de la figura humana en el arte.

El Human Clay incluyó el trabajo de 48 artistas; entre ellos estaban Kitaj y Hodgkin, así como varios otros que posteriormente se convirtieron en vitalmente influyentes a nivel internacional, como Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore y Lucian Freud. Cada uno había, en ese momento, estado explorando la figuración de maneras singularmente modernas. Pero la mayoría, no obstante, rechazó la etiqueta Escuela de Londres cuando la escucharon por primera vez. Howard Hodgkin rechazó la etiqueta, aunque tenía cinco obras en la exposición, el segundo número más alto de cualquier artista. Ser incluido en la muestra, no obstante, fue un impulso para Hodgkin y una gran validación pública de sus esfuerzos.

Howard Hodgkin - La última vez que vi París, 1988-1991, Óleo sobre madera, 44 1/4 x 50 in, © La herencia de Howard Hodgkin

Menos es más

A lo largo de su carrera, Hodgkin buscó formas de expresar más mientras mostraba menos, reduciendo eventualmente los elementos figurativos en su obra hasta que apenas estaban presentes. Coincidiendo con el reconocimiento público más amplio que experimentó a finales de la década de 1970, Hodgkin también atravesó una transición en su vida personal. Después de 20 años de matrimonio con su esposa Julia, Hodgkin salió del armario como gay y le otorgó a Julia la custodia de sus dos hijos. Su vida se volvió simultáneamente más simple y más compleja. Aunque los títulos de sus obras a partir de este momento mantuvieron la calidad narrativa personal por la que su trabajo se había hecho conocido, haciendo referencia a recuerdos personales específicos, el contenido de sus imágenes se volvió dramáticamente más abstracto.

Aunque probablemente habría negado tal acusación, es fácil ver cómo liberarse de una falsedad personal también podría haberlo liberado de la necesidad de invertir su imaginería con insinuaciones, permitiéndole ser más directo con sus emociones. Ya sea que tuviera algo que ver con esa circunstancia o no, en las últimas décadas de su vida, Hodgkin redujo su lenguaje visual de manera más dramática que nunca antes. Se volvió más hábil en transmitir el potencial expresivo del color, la pincelada, la superficie, la composición y la pintura. En sus últimos años, sus composiciones fueron las más simples y, quizás, las más profundas, comunicando hábilmente su idea esencial del poder efímero de la memoria y la emoción.

Howard Hodgkin - Amor y muerte, 2015, Óleo sobre madera, 31 x 35 in, © La herencia de Howard Hodgkin

Imagen destacada: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalle), 1961-62, Óleo sobre lienzo, 34 x 39 pulgadas
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio