Cuando Georgia O'Keeffe creó arte abstracto

Es un desafío al interactuar con el arte ignorar los clichés, alegorías y juicios que otros le han impuesto, y simplemente acercarse a él con una mente abierta. Esto es particularmente difícil con el arte de Georgia O’Keeffe. En sus 98 años de vida, O’Keeffe creó una de las obras más famosas, queridas y reconocibles al instante en la historia del arte estadounidense. Ejemplos de su trabajo se encuentran en la mayoría de los museos estadounidenses importantes. Sus pinturas, dibujos y esculturas han sido diseccionados por cada crítico importante del último siglo, y han formado la base para libros y cursos universitarios. Y sin embargo, cuando se nos pide hablar sobre el arte de Georgia O’Keeffe, muchos de nosotros propagamos perezosamente un rango limitado de perspectivas sorprendentemente similares: que O’Keeffe era una artista decorativa que amaba el suroeste estadounidense; que era una pintora figurativa cuyas imágenes más famosas son de flores; y que esas icónicas pinturas de flores son en realidad imágenes secretas de vaginas. En 2009, el Museo Whitney en Nueva York intentó socavar esas nociones desgastadas al albergar la exposición Georgia O’Keeffe: Abstracción. La muestra presentó 125 obras abstractas de O’Keeffe que juntas argumentaban que esta artista estadounidense esencial ha sido monumentalmente malinterpretada. Pero a pesar del éxito de la exposición Whitney y la posterior re-evaluación crítica que ha recibido su trabajo, Georgia O’Keeffe sigue siendo en gran medida referida como una pintora figurativa, y aún cargada con metáforas y clichés sobre su trabajo. La gente continúa hablando sobre de qué tratan sus pinturas, en lugar de cómo hacen sentir a uno. Si alguna vez queremos comprender más plenamente su visión, y entender su contribución indispensable al arte contemporáneo, debemos mantener una mente abierta y mirar más profundamente lo que Georgia O’Keeffe logró como pionera abstracta.

Un proto-abstraccionista americano

Ya sea que se remonte al trabajo de Hilma af Klint, la mística pintora sueca del siglo XIX, a pintores postimpresionistas como Georges Seurat, o a visionarios como Wassily Kandinsky y Kazimir Malevich, la historia moderna del arte abstracto casi siempre se dice que comenzó en Europa o Rusia. Pero existe evidencia de que Georgia O’Keeffe, nacida en Wisconsin, merece el mismo reconocimiento que esos innovadores. Las primeras obras abstractas que tenemos de O’Keeffe se realizaron al menos tan pronto como en 1915, el mismo año en que Malevich pintó Cuadrado Negro y solo dos años después de que Kandinsky pintara sus primeras obras abstractas. Pero su comprensión intelectual del potencial que tiene la abstracción para comunicar lo desconocido es la principal razón por la que O’Keeffe merece el mismo crédito por inventar el moderno arte abstracto.

Al igual que Klint, Seurat, Kandinsky y Malevich, O’Keeffe abordó su trabajo con una reverencia filosófica. Ella entendía el arte como algo más que simplemente la creación de imágenes y objetos. La artista lo consideraba un posible camino hacia la expresión de algo más profundo. Al igual que Kandinsky, O’Keeffe hablaba sobre la capacidad que tiene la música para comunicar abstractamente profundidades. Ella dijo: “Cantar siempre me ha parecido el medio de expresión más perfecto. Es tan espontáneo. Y después de cantar, pienso en el violín. Como no puedo cantar, pinto.” Pero mientras Kandinsky se volvió hacia la abstracción con la esperanza de expresar algo espiritual y universal, O’Keeffe intentaba expresar algo más, podrías decir, americano. Ella estaba tratando de expresarse a sí misma.

Georgia O'Keeffe - Abstracción Rosa Blanca, 1927 (Izquierda) y Georgia O'Keeffe - Música Rosa y Azul II, 1927 (Derecha), © La herencia de Georgia O'Keeffe

Esos no son flores

Las primeras obras de arte abstracto de Georgia O’Keeffe eran composiciones simples y elegantes hechas con carbón sobre papel. Las imágenes evocan las formas y patrones biomórficos que se encuentran en la naturaleza. Pero en lugar de intentar retratar su tema directamente en estos dibujos, se centró puramente en elementos formales como línea, forma, pincelada, gesto y equilibrio. Una de las grandes historias sobre estos dibujos a carbón es que podrían haber sido fácilmente perdidos en la historia si no fuera por el acto engañoso de un amigo. O’Keeffe compartió los dibujos con ese amigo, quien luego los mostró, sin permiso, a Alfred Stieglitz, el propietario de la 291 Gallery en Manhattan. Stieglitz reconoció la obvia belleza y la sorprendente modernidad de los dibujos y decidió inmediatamente exhibirlos en su renombrado espacio. Y así comenzó la carrera artística profesional de Georgia O’Keeffe.

Poco después de exhibir por primera vez con Stieglitz, O’Keeffe se mudó a Nueva York. Durante la siguiente década, expandió prolíficamente su exploración de la abstracción. Continuó creando obras que resonaban con los elementos estéticos y las composiciones que percibía en la naturaleza, y fue mucho más allá de sus dibujos iniciales a lápiz para desarrollar una intuición avanzada sobre las relaciones de color. Su uso del color aumentó enormemente el poder expresivo de sus pinturas. Pero en cuanto a lo que específicamente intentaba expresar, ahí es donde se manifiesta un malentendido común sobre su trabajo. Muchas de las imágenes que creó durante este tiempo parecen no ser más que fragmentos ampliados de flores. O al menos parecen hablar en conversación directa con las cualidades estéticas de las flores. Y quizás de hecho comunican algo que también es comunicado por las flores. Pero también comunican algo más. Como dijo O’Keeffe, “Descubrí que podía decir cosas con color y formas que no podía decir de ninguna otra manera - cosas para las que no tenía palabras. Tenía que crear un equivalente para lo que sentía sobre lo que estaba mirando - no copiarlo.”

Georgia O'Keeffe - Flor de la Vida (Izquierda) y Georgia O'Keeffe - Flor de la Vida II (Derecha), © La herencia de Georgia O'Keeffe

Un verdadero pionero

Alrededor de la década de 1930, después de una década y media de centrarse en la imagen abstracta, O’Keeffe comenzó a explorar una gama más amplia de estilos e influencias. Pintó de manera figurativa durante varios años y luego regresó a la abstracción, fluctuando de un enfoque a otro, a menudo cuestionando la diferencia entre los dos enfoques. En sus últimos años, a veces parecía estar pintando directamente los paisajes y objetos naturales que rodeaban su hogar en Nuevo México, por el cual eventualmente dejó Nueva York. Pero la esencia de su trabajo siempre permaneció igual. Su objetivo siempre fue comunicar un sentimiento, capturar cómo se sentía utilizando la naturaleza como inspiración, no pintar imágenes decorativas de la naturaleza tal como aparecía objetivamente.

En su búsqueda de toda la vida por comunicar sentimientos, O’Keeffe innovó en muchas investigaciones estéticas importantes. Demostró un interés en composiciones abstractas totales, otorgando igual importancia a todas las áreas del plano pictórico, mucho antes de que Clement Greenburg atribuyera ese logro a los Expresionistas Abstractos. Se centró en la planitud del plano pictórico mucho antes de que fuera una preocupación para los Abstraccionistas Post-Pictóricos. Estaba interesada en los poderes trascendentes de los campos abstractos de color mucho antes de que los artistas de Color Field exploraran intereses similares. Y décadas antes de que el relativismo posmodernista se insinuara en el arte fino, O’Keeffe comprendió intuitivamente la idea de que todos los estilos, todos los enfoques, todas las técnicas y todas las variaciones dentro de la estética son iguales en su valor potencial, y en última instancia secundarias a la primacía de la expresión honesta del yo.

Georgia O'Keeffe - Paisaje de Black Mesa, Nuevo México, Detrás de Mary S II, © La herencia de Georgia O'Keeffe

Abraza las Formalidades

Quizás lo que se ha malinterpretado sobre el arte de Georgia O’Keeffe es lo mismo que a menudo se malinterpreta sobre todo el arte: la idea de que el arte debe poseer atributos definibles, o ser útil o significativo de alguna manera para el público. Se nos enseña a criticar las obras de arte en función de si nos gustan o no; a saltar la fase de descripción, que requiere mirar y sentir, apresurándonos en su lugar a las fases de interpretación y juicio. Solo miramos una pintura de O’Keeffe el tiempo suficiente para obtener una impresión de algo que reconocemos, como lo que parece ser una flor o un paisaje, y así proclamamos a O’Keeffe como una pintora de flores y paisajes. Notamos cómo ciertas partes de las flores se asemejan a ciertas partes humanas y así proclamamos a O’Keeffe como una pintora secreta de insinuaciones figurativas. O’Keeffe fluctúa entre la abstracción y la figuración y así la proclamamos como receptiva a las fuerzas del mercado o a las expectativas del público. Basándonos en nuestras opiniones personales sobre tales cosas decimos: "¡Me encanta!" o, "¡Lo odio!"

Pero ese método de crítica es inmaduro. Para entender el arte de Georgia O’Keeffe, o cualquier arte, más profundamente, deberíamos permanecer en la fase de descripción, interactuando con la superficie, los colores, los matices, las líneas, las formas y las relaciones entre esos elementos el mayor tiempo posible. Deja que los elementos estéticos formales de la obra canten. Siente el ritmo de la composición. Sí, O’Keeffe dijo una vez famosamente: “Siento que hay algo inexplorado sobre la mujer que solo una mujer puede explorar.” Pero en lugar de intentar forzarte a ver una imagen de feminidad en sus pinturas, ábrete a cómo podría sentirse la feminidad. Lo que hizo a Georgia O’Keeffe una pionera de la abstracción americana no fue que pintara imágenes que se parecen a América. Lo que la hizo una pintora de la feminidad no fue que pintara imágenes que se parecen a partes del cuerpo femenino. Lo que la hizo una pionera de la abstracción americana y una pintora de la feminidad fue que pintó las actitudes, impresiones y emociones que componían lo que América y la feminidad significaban, para ella.

Georgia O'Keeffe - Serie I, No 3, 1918 (Izquierda) y Georgia O'Keeffe - Serie 1, No 8, 1918 (Derecha), © La herencia de Georgia O'Keeffe

Imagen destacada: Georgia O'Keeffe - Gris Azul y Negro, Círculo Rosa (detalle), 1927, © La Herencia de Georgia O'Keeffe
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio