Centre Pompidou tarkastelee kubismia uudella tavalla kattavassa näyttelyssä

17. lokakuuta avautuu Pariisissa 65 vuoteen ensimmäinen suuri kubistinen näyttely Centre Pompidoussa. Kubismi (1907-1917) kokoaa yhteen yli 300 teosta yrittäen laajentaa ymmärrystämme yhdestä 1900-luvun vaikutusvaltaisimmasta taidesuunnasta. Useimmat kubistiset näyttelyt keskittyvät liikkeen perustajiin: Pablo Picassoon ja Georges Braqueen. Tämä näyttely tuo esiin myös heidän työnsä, mutta se menee paljon pidemmälle kuin tuo rajattu näkökulma. Se alkaa harvoin näytetyistä teoksista Paul Cézannelta ja Paul Gauguinilta sekä esimerkeistä perinteisestä afrikkalaisesta taiteesta, joka vaikutti Picassoon. Sitten se tutkii Picasson ja Braquen ympärillä olevaa taiteilijagalaksia, joka otti heidän löytönsä ja laajensi niitä useisiin muihin erillisiin suuntiin. Mukana on paitsi maalauksia, myös joitakin kuuluisimpia esimerkkejä kubistisesta veistosta, kuten pahvista tehty kitarakokoonpano, jonka Picasso loi vuonna 1914. Lopuksi näemme kubismin perinnön taiteilijoiden, kuten Amedeo Modiglianin, Constantin Brancusin ja Piet Mondrianin, teosten kautta. Kuratoijien mukaan tämän kunnianhimoisen näyttelyn tavoitteena on yksinkertaisesti tarjota yleisölle laajempi yleiskatsaus tämän tärkeän liikkeen historiaan. Mutta mitä he ovat todellisuudessa saavuttaneet, menee hieman syvemmälle. He ovat koonneet toiveikkaan näyttelyn, joka kannustaa meitä omaksumaan aikalaistemme ajatuksia ja häpeilemättömästi rakentamaan menneisyyden nerouden päälle.

Näkökulman muutos

Monia erilaisia selityksiä kubismille on olemassa. Jotkut kuvaavat sitä geometriseksi tavaksi maalata maailmaa. Toiset kutsuvat sitä tavaksi tuoda neljäs ulottuvuus taiteeseen näyttämällä liikettä. Toiset sanovat, että se oli abstrakti vähennys arjessa esiintyvistä muodoista ja muodoista. Paras selitys, jonka olen koskaan kuullut, on se, että kubismi oli yritys tarkastella perspektiiviä uudelleen. Renessanssin jälkeen lännen taidetta ohjasivat tietyt säännöt visuaalisessa taiteessa - säännöt realismista, hyväksyttävästä sisällöstä ja perspektiivistä. Maalausten odotettiin jäljittelevän elämää omaksumalla syvyyttä, perspektiiviä ja muita illusorisia työkaluja. Kuitenkin 1800-luvun aikana näitä sääntöjä kyseenalaistettiin. Impressionistit kyseenalaistivat aiheeseen liittyvät säännöt, luoden teoksia, jotka käsittelivät vain valoa. Divisionistit käyttivät kokeellisia siveltimen vetoja herättääkseen kysymyksiä siitä, onko väri olemassa todellisuudessa vai tulkitaanko se vain aivoissa. Postimpressionistit omaksuivat mystiikan, symbolismin ja hengellisyyden, ja todistivat, että muodolliset elementit, kuten väri ja tila, voivat itsessään olla arvokkaita sisältöä etsittäessä.

Paul Gauguin - Ole salaperäinen, 1890. Monivärinen puureliefi, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Pariisi. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubiismi lisäsi tähän sekoitukseen ajatuksen siitä, että todellisuus havaitaan ihmisen silmällä aivan eri tavalla kuin miten se yleensä esitetään taiteessa. Kun näemme jotain, emme näe sitä litistettynä ja täydellisen paikoillaan. Maailma on aina liikkeessä, ja me liikumme aina sen läpi. Näemme siitä palasia eri kulmista. Valo muuttuu jatkuvasti. Maailma on hajotettu palasiksi—joista osa on näkymättömiä, mutta tiedämme, että ne ovat siellä. Kubiismi yrittää näyttää todellisuuden fragmentit koottuna yhdeksi kokonaisuudeksi. Se analysoi maailmaa useista samanaikaisista näkökulmista, purkaen elämää sen monimutkaisuuden näyttämiseksi. Kubiismi (1907-1917) osoittaa, kuinka Cézanne oli tässä suhteessa ainakin kaukana edellä Picassoa ja Braquea. Yksi näyttelyn varhaisimmista teoksista on Cézannen maalaus "La Table de cuisine" (1890). Etualalla olevasta pöydästä koreihin, tuoleihin ja astioihin, jokainen esine kuvassa on esitetty hienovaraisesti eri näkökulmasta. Tämä teos saavuttaa näkökulmien samanaikaisuuden, julistaen sen selvästi proto-kubiistiseksi 18 vuotta ennen kuin Picasso ja Braque saapuivat samaan ajatukseen.

Paul Cézanne - Keittiöpöytä. (Still life with basket), noin 1888-1890. Öljy kankaalle, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Pariisi. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Lainauksen taide

Yksi kubismin (1907-1917) virkistävimmistä piirteistä on se, että se ei pelkää myöntää, että nämä taiteilijat lainasivat vapaasti toisiltaan. Asetamme joskus niin suuren arvon alkuperäisyydelle, vaatimalla taiteilijoilta villiä innovointia. Tämä näyttely osoittaa, että joskus innovaatio tarkoittaa vain pientä askelta eteenpäin muiden saavutusten pohjalta. Näemme "Masque krou"-maskin, joka on kotoisin Côte d’Ivoiren alueelta, yksi niistä afrikkalaisista maskeista, jotka suoraan inspiroivat Picassoa. Kasvojen muoto on jaettu neljään osaan; silmät ovat epätasapainossa; piirteet on jaettu geometrisiin varjo- ja valoisuuteen. Kaksi läheistä maalausta Picassolta—"Portrait de Gertrude Stein" (1905-1906) ja hänen omakuva vuodelta 1907—näyttävät, kuinka tarkasti Picasso jäljitteli afrikkalaisen maskin visuaalista kieltä. Kuitenkin näemme, kuinka hän dissekoitui näitä muodollisia piirteitä ja otti seuraavan askeleen, käyttäen ideoita esineiden purkamiseen tilassa maalauksissa kuten "Pains et compotier aux fruits sur une table" (1908-1909), ja paljastaakseen näkymättömiä piirteitä hahmoista teoksissa kuten "Portrait d’Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Gertrude Steinin muotokuva, 1905-1906. Öljy kankaalle, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / kuva MMA:sta. © Succession Picasso 2018

Kun näyttely etenee, näemme, kuinka Sonia Delaunay lainasi näin Picasson geometrista kieltä—ei tutkiakseen fyysistä maailmaa, vaan käyttäakseen muotoja tutkiakseen värisuhteiden metafyysistä potentiaalia. Näemme, kuinka Piet Mondrian myös lainasi kubismin geometrisia piirteitä, mutta toisin kuin Picasso, joka monimutkaisti todellisuutta, Mondrian käytti geometriaa yksinkertaistaakseen maailman sen peruselementteihin. Näemme, kuinka taiteilijat kuten Juan Gris lainasivat kubismista luodakseen graafisempaa taidetyyliä, joka inspiroisi julisteita tekeviä taiteilijoita. Ja näemme, kuinka synteettisen kubismin kollaasit inspiroivat dadaisteja kuten Francis Picabia. Näemme myös niin sanottuja "tubistisia" teoksia Fernand Légerilta, jotka havainnollistavat hienovaraista muutosta kubistisessa tyyliä, joka tuli pop-taiteen edelläkävijäksi. Kauniisti, tässä vaikutteiden kehityksessä ei ole häpeää. Päinvastoin. Huolellinen kuratointi muistuttaa meitä siitä puhtaasta ilosta, joka syntyy toisten ideoiden varaan rakentamisesta. Kukaan ei sanoisi, että mikään näistä taiteilijoista olisi vailla mielikuvitusta. Pikemminkin, Kubismi (1907-1917) todistaa, että joskus mielikuvitus on jopa hedelmällisempää, kun se pyytää apua.

Esittelykuva: Pablo Picasso - Kitara, Pariisi, tammikuu-helmikuu 1914. Metalli- ja rautalevy, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Modernin taiteen museo, New York. © 2018. Digitaalinen kuva, Modernin taiteen museo, New York/Scala, Firenze. © Succession Picasso 2018
Kirjailija: Phillip Park