Quand Georgia O'Keeffe créait l'art abstrait

C'est un défi, lorsqu'on interagit avec l'art, d'ignorer les clichés, les allégories et les jugements des autres, et de simplement l'aborder avec un esprit ouvert. C'est particulièrement difficile avec l'l'art de Georgia O'Keeffe. Au cours de ses 98 années de vie, O’Keeffe a créé l’une des œuvres les plus célèbres, les plus appréciées et les plus immédiatement reconnaissables de l’histoire de l’art américain. Des exemples de son travail se trouvent dans la plupart des grands musées américains. Ses peintures, dessins et sculptures ont été disséqués par tous les grands critiques du siècle dernier et ont servi de base à des livres et à des cours universitaires. Et pourtant, lorsqu’on nous demande de parler de l’art de Georgia O’Keeffe, beaucoup d’entre nous propagent paresseusement un éventail limité de perspectives étonnamment similaires : que O’Keeffe était une artiste décoratrice qui aimait le sud-ouest américain ; qu'elle était une peintre figurative dont les images les plus célèbres sont des fleurs ; et que ces peintures de fleurs emblématiques sont en réalité des images secrètes de vagins. En 2009, le Whitney Museum de New York a tenté de remettre en cause ces idées reçues en accueillant l'exposition Georgia O'Keeffe : Abstraction. L’exposition présentait 125 œuvres abstraites d’O’Keeffe qui, ensemble, démontraient que cet artiste américain essentiel a été monumentalement incompris. Mais malgré le succès de l’exposition Whitney et la critique critique qui a suivi, Georgia O’Keeffe est encore largement considérée comme une peintre figurative et toujours chargée de métaphores et de clichés sur son travail. Les gens continuent de parler de ce que représentent ses peintures, au lieu de ce qu'elles font ressentir. Si jamais nous voulons mieux saisir sa vision et comprendre sa contribution indispensable à l’art contemporain, nous devons garder l’esprit ouvert et examiner de plus près ce que Georgia O’Keeffe a accompli en tant que pionnière de l’abstraction.

Un proto-abstractionniste américain

Que ce soit en remontant au travail de Hilma af Klint, la peintre mystique suédoise du 19ème siècle, aux peintres post-impressionnistes comme Georges Seurat, ou aux visionnaires comme Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich, l'histoire moderne de l'art abstrait est presque toujours dite avoir commencé soit en Europe, soit en Russie. Mais des preuves existent que la Wisconsinienne Georgia O’Keeffe mérite une reconnaissance égale à celle de ces innovateurs. Les premières œuvres abstraites que nous avons d'O’Keeffe ont été réalisées au moins dès 1915, la même année où Malevich a peint Black Square et seulement deux ans après que Kandinsky ait peint ses premières œuvres abstraites. Mais sa compréhension intellectuelle du potentiel que l'abstraction a pour communiquer l'inconnu est la principale raison pour laquelle O’Keeffe mérite un crédit égal pour avoir inventé l'art abstrait moderne.

Comme Klint, Seurat, Kandinsky et Malevich, O’Keeffe abordait son travail avec une révérence philosophique. Elle comprenait l'art comme étant plus que simplement la création d'images et d'objets. L'artiste le considérait comme un potentiel moyen d'expression de quelque chose de plus profond. Comme Kandinsky, O’Keeffe parlait de la capacité de la musique à communiquer abstraitement des profondeurs. Elle a dit : « Le chant m'a toujours semblé être le moyen d'expression le plus parfait. C'est si spontané. Et après avoir chanté, je pense au violon. Puisque je ne peux pas chanter, je peins. » Mais alors que Kandinsky se tournait vers l'abstraction dans l'espoir d'exprimer quelque chose de spirituel et d'universel, O’Keeffe essayait d'exprimer quelque chose de plus, diriez-vous, américain. Elle essayait de s'exprimer.

Georgia O'Keeffe - Abstraction White Rose, 1927 (Left) and Georgia O'Keeffe - Music Pink And Blue II, 1927 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Ce ne sont pas des fleurs

Les premières œuvres d'art abstrait réalisées par Georgia O’Keeffe étaient des compositions simples et élégantes faites au charbon sur papier. Les images évoquent les formes et motifs biomorphiques que l'on trouve dans la nature. Mais plutôt que d'essayer de représenter son sujet directement dans ces dessins, elle s'est concentrée uniquement sur des éléments formels tels que la ligne, la forme, le coup de pinceau, le geste et l'équilibre. L'une des grandes histoires concernant ces dessins au charbon est qu'ils auraient facilement pu être perdus pour l'histoire si ce n'était pas pour l'acte sournois d'un ami. O’Keeffe a partagé les dessins avec cet ami, qui les a ensuite montrés, sans permission, à Alfred Stieglitz, le propriétaire de la 291 Gallery à Manhattan. Stieglitz a reconnu la beauté évidente et la modernité frappante des dessins et a immédiatement décidé de les exposer dans son espace renommé. Et c'est ainsi que la carrière artistique professionnelle de Georgia O’Keeffe a commencé.

Peu de temps après avoir exposé pour la première fois avec Stieglitz, O’Keeffe s’installe à New York. Au cours de la décennie suivante, elle a élargi de manière prolifique son exploration de l’abstraction. Elle a continué à réaliser des œuvres qui faisaient écho aux éléments esthétiques et aux compositions qu'elle percevait dans la nature, et est allée bien au-delà de ses premiers dessins au fusain pour développer une intuition avancée des relations entre les couleurs. Son utilisation de la couleur a considérablement accru le pouvoir expressif de ses peintures. Mais quant à ce qu’elle essayait d’exprimer spécifiquement, c’est là que s’affirme une incompréhension courante de son œuvre. De nombreuses images qu’elle a réalisées à cette époque ne ressemblent à rien d’autre que des fragments de fleurs agrandis. Ou du moins, ils semblent parler directement des qualités esthétiques des fleurs. Et peut-être communiquent-ils effectivement quelque chose que les fleurs communiquent également. Mais ils communiquent aussi quelque chose de plus. Comme l'a dit O'Keeffe : « J'ai découvert que je pouvais dire des choses avec des couleurs et des formes que je ne pouvais pas exprimer autrement - des choses pour lesquelles je n'avais pas de mots. J'ai dû créer un équivalent. pour ce que j'ai ressenti à propos de ce que je regardais - pas pour le copier."

Georgia O'Keeffe - Flower of Life (Left) and Georgia O'Keeffe - Flower of Life II (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Un vrai pionnier

Vers les années 1930, après une décennie et demie à se concentrer sur l'imagerie abstraite, O’Keeffe a commencé à explorer une gamme plus large de styles et d'influences. Elle a peint de manière figurative pendant plusieurs années, puis est revenue à l'abstraction, oscillant souvent entre les deux, remettant en question la différence entre les deux approches. Dans ses dernières années, elle semblait parfois peindre directement les paysages et les objets naturels qui entouraient sa maison du Nouveau-Mexique, pour laquelle elle a finalement quitté New York. Mais l'essence de son travail est toujours restée la même. Son objectif a toujours été de communiquer un sentiment, de capturer ce qu'elle ressentait en utilisant la nature comme inspiration, et non de peindre des images décoratives de la nature telle qu'elle apparaissait objectivement.

Dans sa quête de toute une vie pour communiquer des émotions, O’Keeffe a innové de nombreuses enquêtes esthétiques importantes. Elle a démontré un intérêt pour des compositions abstraites globales, accordant une importance égale à toutes les zones du plan pictural, bien avant que Clement Greenburg n'attribue cet accomplissement aux Expressionnistes Abstraits. Elle s'est concentrée sur la planéité du plan pictural bien avant que cela ne devienne une préoccupation pour les Abstractionnistes Post-Peintres. Elle s'est intéressée aux pouvoirs transcendants des champs de couleur abstraits bien avant que les artistes du Champ de Couleur n'explorent des intérêts similaires. Et des décennies avant que le relativisme postmoderniste ne s'insinue dans l'art, O’Keeffe a intuitivement saisi l'idée que tous les styles, toutes les approches, toutes les techniques et toutes les variations au sein de l'esthétique sont égales dans leur valeur potentielle, et finalement secondaires à la primauté de l'honnête auto-expression.

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landscape, New Mexico, Out Back Of Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

Acceptez les formalités

Peut-être que ce qui a été mal compris à propos de l’art de Georgia O’Keeffe est la même chose si souvent mal comprise à propos de tout art : l’idée que l’art est censé posséder des attributs définissables, ou être utile ou significatif d’une manière ou d’une autre pour le public. On nous apprend à critiquer les œuvres d’art selon que nous les aimons ou non ; sauter la phase de description, qui nécessite de regarder et de ressentir, pour se précipiter vers les phases d'interprétation et de jugement. Nous regardons un tableau d’O’Keeffe seulement assez longtemps pour avoir une impression de quelque chose que nous reconnaissons, comme ce qui semble être une fleur ou un paysage, et proclamons ainsi O’Keeffe comme un peintre de fleurs et de paysages. Nous remarquons à quel point certaines parties de fleurs ressemblent à certaines parties humaines et proclamons ainsi O’Keeffe comme un peintre secret d’insinuations figuratives. O’Keeffe oscille entre abstraction et figuration et nous la proclamons donc réactive aux forces du marché ou aux attentes du public. Sur la base de nos opinions personnelles sur de telles choses, nous disons : « J'adore ça ! » ou "Je déteste ça!"

Mais cette méthode de critique est immature. Pour comprendre plus profondément l'art de Georgia O'Keeffe, ou tout autre art, nous devons nous attarder dans la phase de description, en interagissant avec la surface, les couleurs, les teintes, les lignes, les formes et les relations entre ces éléments le plus longtemps possible. . Laissez chanter les éléments esthétiques formels de l’œuvre. Ressentez le rythme de la composition. Oui, O'Keeffe a dit un jour : "Je pense qu'il y a quelque chose d'inexploré chez la femme que seule une femme peut explorer." Mais au lieu d'essayer de vous forcer à voir une image de la féminité dans ses peintures , ouvrez-vous à ce que pourrait ressentir la féminité. Ce qui a fait de Georgia O’Keeffe une pionnière de l’abstraction américaine, ce n’est pas qu’elle ait peint des images qui ressemblent à l’Amérique. Ce qui fait d’elle une peintre de la féminité, ce n’est pas qu’elle peint des images qui ressemblent à des parties du corps féminin. Ce qui a fait d'elle une pionnière de l'abstraction américaine et une peintre de la féminité, c'est qu'elle a peint les attitudes, les impressions et les émotions qui constituaient pour elle ce que l'Amérique et la féminité ressentaient.

Georgia O'Keeffe - Series I, No 3, 1918 (Left) and Georgia O'Keeffe - Series 1, No 8, 1918 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Image en vedette : Georgia O'Keeffe - Gris bleu et noir, cercle rose (détail), 1927, © The Estate of Georgia O'Keeffe
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio