एडोल्फ गॉटलिब की अंधेरी, अमूर्त कला
एडोल्फ गॉटलीब बीसवीं सदी के मध्य में अमूर्त कला के प्रमुख व्यक्तित्वों में से एक थे। उनकी चित्रकृतियाँ भावुक, न्यूनतम और आदिम हैं, और कई लोग उन्हें अंधकारमय मानते हैं। लेकिन गॉटलीब खुद को अंधकार का विपरीत मानते थे। उन्हें लगता था कि वे ऊर्जावान, जटिल, जोशीले आधुनिक और ऐसे व्यक्ति हैं जो अपनी कला के माध्यम से मानवता के लिए कुछ बेहतर की ओर प्रकाश फैला रहे हैं। मानव इतिहास के सबसे अशांत कालों में से एक की शुरुआत में न्यूयॉर्क शहर में जन्मे गॉटलीब निश्चित रूप से एक अंधकारमय समय में परिपक्व हुए: सामाजिक, राजनीतिक और आर्थिक संकट का समय, जब समाज का भविष्य वास्तविक और ठोस अर्थों में प्रश्न में था। यह न केवल उनकी कला से बल्कि उनके लेखन से भी स्पष्ट है कि प्रथम विश्व युद्ध, महामंदी और द्वितीय विश्व युद्ध की चिंताएँ और अस्पष्टताएँ उनके सौंदर्य दृष्टिकोण के विकास में निश्चित रूप से योगदान देती हैं। लेकिन वह सौंदर्य दृष्टिकोण केवल दुःख या विनाश का नहीं था, जैसा कि कई समीक्षकों ने सुझाव दिया है। वास्तव में यह एक ऐसा दृष्टिकोण था जिसके माध्यम से गॉटलीब मानव हृदय और मन के सत्य को आशावादी तरीके से संप्रेषित करने का प्रयास करते थे। शायद यह अपरिहार्य है कि गॉटलीब द्वारा समझा गया ऐसा सत्य कुछ पागलपन और अराजकता को भी शामिल करता होगा। लेकिन 1974 में उनकी मृत्यु के समय छोड़ा गया व्यापक कार्य संग्रह सुंदर, शांत, शांति और महानता को भी समाहित करता है। वे विरोधाभासी जटिलताएँ, जो कभी-कभी उनके विवादास्पद विश्व दृष्टिकोण को परिभाषित करती थीं, अंततः एडोल्फ गॉटलीब को अमूर्त कला को पुनर्परिभाषित करने के लिए प्रेरित करती हैं, और एक ऐसा कार्य संग्रह बनाती हैं जिसे अब उसकी सच्ची प्रतिभा और प्रकाश के लिए पहचाना जा रहा है।
दिल से एक कलाकार
एडोल्फ गॉटलीब का जन्म 1904 में न्यूयॉर्क में एक मजदूर वर्ग, प्रवासी परिवार में हुआ था। उस समय लोअर ईस्ट साइड में बड़े हो रहे कई अन्य बच्चों की तुलना में उन्हें जीवन में एक शानदार शुरुआत मिली, क्योंकि उनके माता-पिता ने एक सफल स्टेशनरी व्यवसाय स्थापित किया था और एक दिन इसे उन्हें सौंपने की उम्मीद रखते थे। लेकिन बहुत कम उम्र में उन्हें निश्चित रूप से पता था कि वे केवल एक कलाकार बनना चाहते हैं। वे इस तथ्य के इतने निश्चित थे कि उन्होंने 15 वर्ष की आयु में स्कूल छोड़ दिया और पूरी तरह से अपनी कला को समर्पित कर दिया। उन्होंने आर्ट स्टूडेंट्स लीग में व्याख्यान लिए, जो एक कलाकार-चालित संस्था थी जहाँ कई कलाकार जो अंततः अमूर्त अभिव्यक्तिवादी आंदोलन का हिस्सा बने, कक्षाएँ लेते थे। और फिर, केवल 17 वर्ष की आयु में, गॉटलीब यूरोप के लिए रवाना हो गए, फ्रांस जाने वाले जहाज पर काम करके अपनी यात्रा का खर्चा कमाया।
उनकी युवा उम्र में अपनी क्षमताओं पर विश्वास विदेश में सफल रहा, क्योंकि वे जल्दी ही यूरोपीय आधुनिकता की दुनिया से परिचित हो गए। 1920 के दशक में अमेरिकी कला की तुलना में, उस समय यूरोपीय कला अत्यंत आविष्कारशील थी। वे फौविज़्म, क्यूबिज्म, सुप्रीमेटिज्म, फ्यूचरिज्म और ज्यामितीय अमूर्तन से परिचित हुए। वे संग्रहालयों में जाते और जहाँ भी मुफ्त कला कक्षाएँ मिलतीं, उनमें भाग लेते। और जब उनका वीज़ा समाप्त हो गया, तो उन्होंने लगभग एक और वर्ष यूरोप में यात्रा करते हुए बिताया। इस दौरान, वे इस बात से आश्वस्त हो गए कि यूरोपीय कलाकार किसी महत्वपूर्ण चीज़ से जुड़े हुए हैं। विशेष रूप से वे जनजातीय कला के फैलते प्रभाव से मोहित हो गए, एक प्रवृत्ति जिसने उन्हें अमेरिकी चित्रकला की बोलचाल की शैली को त्यागकर प्राचीन प्रतीकों और सदियों पुरानी दृश्य परंपराओं में सार्वभौमिकता खोजने के लिए प्रेरित किया।
एडोल्फ गॉटलीब - ब्लैक स्प्लैश, 1967, रंगीन सिल्कस्क्रीन, 31 1/8 × 23 1/8 इंच, 79.1 × 58.7 सेमी (बाएं) और फ्लाइंग लाइन्स, 1967, रंगीन सिल्कस्क्रीन, 30 × 22 इंच, 76.2 × 55.9 सेमी, फोटो क्रेडिट्स मार्लबोरो गैलरी
दार्शनिक कलाकार
जब गॉटलीब 1922 में न्यूयॉर्क लौटे, तो वे अपने आप को एक कलाकार के रूप में अपनी जिम्मेदारी का एहसास लेकर आए। वे अपने संस्कृति के लिए एक आधुनिकीकरण शक्ति के रूप में खुद को देखते थे, और इस धारणा को अपनाया कि कलाकार दार्शनिक और सामाजिक परिवर्तन के एजेंट होने चाहिए। उन्होंने अपनी कला की पढ़ाई पूरी की, और अगले कई वर्षों में मार्क रोथको, बार्नेट न्यूमैन, डेविड स्मिथ और मिल्टन एवरी जैसे अन्य कलाकार/दार्शनिकों के साथ मित्रता की, जिनमें से कुछ अंततः अपनी पीढ़ी के सबसे प्रसिद्ध अमेरिकी कलाकार बने। गॉटलीब और उनके साथी असामान्य थे। वे अमूर्त कलाकार थे, या कम से कम वे ऐसे कलाकार थे जिनकी कला को अमूर्त माना जाता था, लेकिन वे अपने कार्य के अर्थ के बारे में सार्वजनिक रूप से बात करने के लिए उत्सुक भी थे।
उस समय अग्रगामी कलाकार, विशेष रूप से अमूर्त कलाकार, संयुक्त राज्य अमेरिका में समझे नहीं जाते थे, और निश्चित रूप से व्यापक सम्मानित नहीं थे—यहाँ तक कि न्यूयॉर्क में भी नहीं। कई को अपने और अपनी कला के मूल्य के लिए संघर्ष करना पड़ता था, खासकर आधुनिकतावादी सौंदर्यशास्त्र के आदर्शों के लिए। लेकिन गॉटलीब एक स्वाभाविक प्रवक्ता और जन्मजात संवादक थे। वे राजनीतिक और सामाजिक रूप से सक्रिय थे, और जो उन्हें महत्वपूर्ण लगता था उसके पक्ष में बोलने में तेज थे। 1935 में, गॉटलीब और उनके मित्र मार्क रोथको (तब मार्कस रोथकोविट्ज़ के नाम से जाने जाते थे) ने अपने विश्वासों को क्रियान्वित करते हुए एक समूह बनाया जिसे द टेन कहा गया। इसमें लू शैंकर, इलिया बोलोटोव्स्की, बेन-ज़िओन, जो सोलोमन, नाहुम त्सचाकबासोव, लू हैरिस, राल्फ रोसेनबोर्ग और यांकेल क्यूफेल्ड शामिल थे। न्यूयॉर्क के क्यूरेटोरियल परिदृश्य में प्रचलित प्रवृत्तियों के खुले विरोध में, द टेन ने अपनी अमूर्त कृतियाँ एक साथ प्रदर्शित कीं, जिसे उन्होंने “अमेरिकी चित्रकला और शाब्दिक चित्रकला के कथित समतुल्य” के रूप में खारिज किया।
एडोल्फ गॉटलीब - रेड ग्राउंड, कागज पर तेल, कैनवास पर चढ़ाया गया
चित्रलिपियाँ
गॉटलीब द्वारा विकसित परिपक्व अमूर्त शैली की पहली प्रगति 1940 के दशक की शुरुआत में उनके पिक्टोग्राफ चित्रों के रूप में आई। ये कृतियाँ मूल रूप से एक नई प्रतीकात्मक छवि भाषा बनाने के प्रयास थे जो सार्वभौमिक भावनाओं और अनुभूतियों को संप्रेषित कर सके। गॉटलीब ने अपने पिक्टोग्राफ चित्रों को इस तरह से कल्पित किया कि उनकी सतह सपाट हो, गहराई और किसी भी प्रकार की भ्रांति को समाप्त करते हुए जो उनके रूपात्मक तत्वों से जुड़ी हो सकती थी। उन्होंने कैनवास के सभी हिस्सों को लोकतांत्रिक बनाया, जो जल्द ही “संपूर्ण चित्रकला” के रूप में जाना जाने वाला था। उनके पिक्टोग्राफ में बालसुलभ चिह्नों की कच्ची शैली थी, और वे जनजातीय समाजों की सौंदर्य प्रवृत्तियों को जगाते थे।
एक अर्थ में, गॉटलीब हाइरोग्लिफिक्स या चीनी कांजी की परंपरा में एक नई छवि वर्णमाला बनाने का प्रयास कर रहे थे। लेकिन विशिष्ट कथाएँ संप्रेषित करने के बजाय, वे अपने कथनों को मूलभूत आवश्यकताओं तक सीमित करने का प्रयास कर रहे थे। वे जिन मिथकों का संदर्भ दे रहे थे उन्हें स्पष्ट रूप से व्यक्त करने के बजाय, वे उन सामूहिक मानवीय भावनाओं को संप्रेषित करने का प्रयास कर रहे थे जो उनके मूल में निवास करती हैं। इस लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए उन्होंने पूरी तरह से मौलिक और बाहरी संबंधों से मुक्त छवियाँ सावधानीपूर्वक बनाई, यह आशा करते हुए कि उनकी सार्वभौमिक प्रकृति उन तुच्छ सांस्कृतिक भेदों से ऊपर उठेगी जो लोगों को अलग करती हैं।
एडोल्फ गॉटलीब - पिक्टोग्राफ, 1942, कलाकार बोर्ड पर तेल, 29 1/4 × 23 1/4 इंच, 74.3 × 59.1 सेमी, फोटो क्रेडिट्स होलिस टैगार्ट गैलरीज, न्यूयॉर्क (बाएं) और बिना शीर्षक, 1949, कागज पर पेस्टल, 24 × 18 इंच, 61 × 45.7 सेमी, फोटो क्रेडिट्स बर्गग्रुएन गैलरी, सैन फ्रांसिस्को (दाएं)
कल्पनिक परिदृश्य
जैसे-जैसे गॉटलीब ने अपने पिक्टोग्राफ विकसित किए, वे सरलीकरण की प्रक्रिया में लगे। इस प्रक्रिया के माध्यम से वे उन कृतियों की एक श्रृंखला पर पहुँचे जिन्हें उन्होंने कल्पनिक परिदृश्य कहा। पिक्टोग्राफ के विपरीत, जिनमें छवि के किसी एक भाग पर स्पष्ट जोर नहीं था, गॉटलीब ने इन चित्रों में चित्रपट को दो अलग-अलग क्षेत्रों में विभाजित किया, क्षितिज रेखा की शुरुआत करके। रेखा के नीचे, गॉटलीब ने पिक्टोग्राफिक खुरदुरे निशान जोड़े। रेखा के ऊपर, उन्होंने रंगीन ज्यामितीय आकृतियाँ जोड़ीं। कल्पनिक परिदृश्य ने इन दो प्रकार की छवियों के बीच एक पदानुक्रम संबंध का सुझाव दिया। नीचे की ओर एक खुरदुरा, भावनात्मक, जटिल मानव पीड़ा का अभिव्यक्ति चित्रित किया गया है। ऊपर तैरती हुई एक सरल, प्रत्यक्ष सार्वभौमिक शुद्धता की अभिव्यक्ति है।
कल्पनिक परिदृश्य को फिर और सरल कर दिया गया और इसे गॉटलीब ने बर्स्ट चित्रों के रूप में नामित किया। इन कृतियों में उन्होंने क्षितिज रेखा को हटा दिया, लेकिन नीचे की खुरदुरी रेखा और ऊपर की एकीकृत आकृति को बनाए रखा। बर्स्ट में बड़े रंग क्षेत्र थे, और रंग के तत्व को आकृति के साथ एकीकृत किया गया था। ये लगभग पवित्र स्तर पर चिंतन के लिए आमंत्रित करते थे, और ऐसा प्रतीत होता था कि वे उच्च और निम्न चेतना के बीच सहजीवी संबंध की अवधारणा को संप्रेषित करते हैं।
एडोल्फ गॉटलीब - कल्पनिक परिदृश्य, 1971, रंगों में एक्वाटिंट, फैब्रियानो कागज पर, पूर्ण मार्जिन के साथ, 26 3/10 × 32 1/2 इंच, 66.7 × 82.6 सेमी
एडोल्फ गॉटलीब की विरासत
1970 में, गॉटलीब को स्ट्रोक हुआ और उनके शरीर के बाएं हिस्से का उपयोग खो दिया। इसके बावजूद वे काम करते रहे, और अपनी मृत्यु से ठीक एक वर्ष पहले अपनी बर्स्ट श्रृंखला की कुछ सबसे गहन और चरम अभिव्यक्तियाँ बनाईं। जब उनका जीवन समाप्त हुआ, तब वे न केवल अपनी अनूठी कृतियों के लिए जाने जाते थे, बल्कि दूसरों के कार्यों पर उनके प्रभाव के लिए भी प्रसिद्ध थे। उनकी दार्शनिकताएँ अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के विचारों का अभिन्न हिस्सा थीं। और उनकी सौंदर्य दृष्टि को रंग क्षेत्र चित्रकला और न्यूनतमवाद के उदय में प्रभावशाली माना जाता है।
लेकिन एडोल्फ गॉटलीब द्वारा अपने 70 वर्षों के दौरान बनाई गई चित्रकला, मूर्तिकला और मुद्रण की सौंदर्य विरासत के समान महत्वपूर्ण है उस बड़े कलात्मक समुदाय में उनका योगदान, जिसके वे सदस्य थे—जो औपचारिक प्रगति, पीढ़ियों और आंदोलनों से परे है। गॉटलीब का कलाकार के रूप में एक दृष्टिकोण था कि वे समाज के बाकी हिस्से से अलग नहीं हैं, बल्कि उससे गहराई से जुड़े हुए हैं। वे कला की सभ्यता को बदलने की क्षमता में विश्वास करते थे, और यह महत्वपूर्ण मानते थे कि सौंदर्यशास्त्र के विचारों पर खुलकर और सरल भाषा में चर्चा हो ताकि सभी इसे समझ सकें। उन्होंने महसूस किया कि कलाकार किसी संस्कृति की आत्म-समझ की क्षमता के लिए आवश्यक हैं, और अपने कार्य के माध्यम से उन्होंने यह दिखाया कि सभी कलाकारों की जिम्मेदारी है कि वे अपने समय के पागलपन, अराजकता, प्रतिभा, सुंदरता, अंधकार और प्रकाश को अभिव्यक्त करें।
मुख्य छवि: एडोल्फ गॉटलीब -
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
