एडोल्फ गॉटलिब की अंधेरी, अमूर्त कला
एडोल्फ गॉटलिब मध्य-20वीं सदी के अमूर्तता के प्रमुख व्यक्तियों में से एक थे। उनकी पेंटिंग भावनात्मक, संक्षिप्त और प्राचीन हैं, और कई लोग उन्हें अंधेरा मानते हैं। लेकिन गॉटलिब ने खुद को अंधेरे के विपरीत देखा। उन्होंने महसूस किया कि वे ऊर्जावान, जटिल, उत्साही रूप से आधुनिक हैं, और वे अपने कला के माध्यम से मानवता के लिए कुछ बेहतर की ओर मार्गदर्शन कर रहे हैं। न्यूयॉर्क शहर में मानव इतिहास के सबसे उथल-पुथल भरे समय की शुरुआत में जन्मे, गॉटलिब निश्चित रूप से एक अंधेरे में परिपक्व हुए: सामाजिक, राजनीतिक और आर्थिक संकट का समय, जब समाज का भविष्य एक वास्तविक, ठोस अर्थ में प्रश्न में था। यह स्पष्ट है कि न केवल उनकी कला से बल्कि उनके लेखन से भी यह स्पष्ट है कि प्रथम विश्व युद्ध, महान मंदी और द्वितीय विश्व युद्ध की चिंताएँ और अस्पष्टताएँ उनकी सौंदर्यात्मक दृष्टि के विकास में योगदान दिया। लेकिन वह सौंदर्यात्मक दृष्टि केवल उदासी या विनाश की नहीं थी, जैसा कि कई आलोचकों ने सुझाव दिया है। वास्तव में, यह एक ऐसा माध्यम था जिसके माध्यम से गॉटलिब ने मानव हृदय और मन के बारे में सत्य को एक आशावादी तरीके से संप्रेषित करने का प्रयास किया। शायद यह अनिवार्य है कि गॉटलिब द्वारा अनुभव किया गया ऐसा सत्य कुछ हद तक पागलपन और अराजकता को शामिल करना चाहिए। लेकिन 1974 में उनकी मृत्यु के समय गॉटलिब द्वारा छोड़ी गई व्यापक कृति में सुंदरता, शांति, और दिव्यता भी शामिल थी। ये विरोधाभासी जटिलताएँ, जिन्होंने उनके कभी-कभी विवादास्पद विश्व दृष्टिकोण को परिभाषित किया, अंततः एडोल्फ गॉटलिब को अमूर्त कला को फिर से परिभाषित करने के लिए प्रेरित किया, और एक ऐसा कार्य निर्माण किया जो अब केवल अपनी सच्ची प्रतिभा और प्रकाश के लिए पहचाना जा रहा है।
दिल से एक कलाकार
एडोल्फ गॉटलिब का जन्म 1904 में न्यूयॉर्क में एक श्रमिक वर्ग, आप्रवासी परिवार में हुआ था। उस समय लोअर ईस्ट साइड पर बड़े हो रहे कई अन्य बच्चों की तुलना में, उसे जीवन में एक शानदार शुरुआत मिली, क्योंकि उसके माता-पिता ने एक सफल स्टेशनरी व्यवसाय बनाया और एक दिन उसे सौंपने की उम्मीद की। लेकिन बहुत कम उम्र में, उसे पूरी तरह से पता था कि वह केवल एक कलाकार बनना चाहता है। वह इस तथ्य के प्रति इतना निश्चित था कि उसने 15 साल की उम्र में स्कूल छोड़ दिया ताकि वह अपनी कला के प्रति पूरी तरह से समर्पित हो सके। उसने आर्ट स्टूडेंट्स लीग में व्याख्यान दिए, जो एक कलाकार-चालित संस्थान है जहाँ कई कलाकार जिन्होंने अंततः एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट आंदोलन का हिस्सा बने, कक्षाएं लेते थे। और फिर, केवल 17 साल की उम्र में, गॉटलिब यूरोप के लिए रवाना हुआ, अपनी यात्रा का खर्च उठाने के लिए एक जहाज पर काम करके जो फ्रांस जा रहा था।
उसकी युवा क्षमताओं में विश्वास ने विदेशों में फल दिया, क्योंकि वह जल्दी ही यूरोपीय आधुनिकता की दुनिया से परिचित हो गया। 1920 के दशक में अमेरिकी कला के विपरीत, उस समय यूरोपीय कला अद्भुत रूप से आविष्कारशील थी। उसे फॉविज़्म, क्यूबिज़्म, सुप्रीमेटिज़्म, फ्यूचरिज़्म और ज्यामितीय अमूर्तता का अनुभव हुआ। वह संग्रहालयों में जाता था और जो भी मुफ्त कला कक्षाएं मिलती थीं, उनमें भाग लेता था। और जब उसका वीजा समाप्त हो गया, तो उसने लगभग एक और साल यूरोप में यात्रा करते हुए बिताया। इस दौरान, वह इस बात पर विश्वास करने लगा कि यूरोपीय कलाकार किसी महत्वपूर्ण चीज़ से जुड़े हुए हैं। विशेष रूप से, वह जनजातीय कला के फैलते प्रभाव से मोहित हो गया, एक प्रवृत्ति जिसने उसे अमेरिकी कला की उपमा को अस्वीकार करने के लिए प्रेरित किया, ताकि प्राचीन प्रतीकों और सदियों पुरानी दृश्य परंपराओं के भीतर सार्वभौमिकताओं की खोज की जा सके।
एडोल्फ गॉटलिब - ब्लैक स्प्लैश, 1967, रंगीन सिल्कस्क्रीन, 31 1/8 × 23 1/8 इंच, 79.1 × 58.7 सेमी (बाएं) और फ्लाइंग लाइन्स, 1967, रंगीन सिल्कस्क्रीन, 30 × 22 इंच, 76.2 × 55.9 सेमी, फोटो क्रेडिट्स मार्लबोरो गैलरी
दार्शनिक कलाकार
जब गॉटलिब 1922 में न्यूयॉर्क लौटे, तो उन्होंने एक कलाकार के रूप में अपनी जिम्मेदारी का एहसास किया। उन्होंने अपने आप को अपनी संस्कृति के लिए एक आधुनिकता लाने वाली शक्ति के रूप में देखा, और इस विचार को अपनाया कि कलाकारों को दार्शनिक और सामाजिक परिवर्तन के एजेंट होना चाहिए। उन्होंने अपनी कला की पढ़ाई पूरी की, और अगले कई वर्षों में मार्क रोथको, बार्नेट न्यूमैन, डेविड स्मिथ और मिल्टन एवरी जैसे अन्य कलाकार/दार्शनिकों के एक समूह के साथ दोस्ती की, जिनमें से कुछ अंततः अपनी पीढ़ी के सबसे प्रसिद्ध अमेरिकी कलाकार बन गए। गॉटलिब और उनके साथी असामान्य थे। वे अमूर्त कलाकार थे, या कम से कम ऐसे कलाकार थे जिनकी कला को अमूर्त के रूप में व्याख्यायित किया गया, लेकिन वे अपने काम के अर्थ के बारे में सार्वजनिक रूप से बात करने के लिए भी उत्सुक थे।
उस समय अग्रणी कलाकार, और विशेष रूप से अमूर्त कलाकार, संयुक्त राज्य अमेरिका में समझे नहीं जाते थे, और निश्चित रूप से उन्हें व्यापक रूप से सम्मानित नहीं किया जाता था—यहाँ तक कि न्यूयॉर्क में भी। कई को अपने लिए और अपनी कीमत के लिए, और विशेष रूप से आधुनिकतावादी सौंदर्य आदर्शों के मूल्य के लिए खुद का समर्थन करने में कठिनाई होती थी। लेकिन गॉटलिब एक स्वाभाविक अधिवक्ता और जन्मजात संवाददाता थे। वह राजनीतिक और सामाजिक रूप से सक्रिय थे, और जो उन्होंने महत्वपूर्ण समझा उसके पक्ष में बोलने में जल्दी थे। 1935 में, गॉटलिब और उनके मित्र मार्क रोथको (तब मार्कस रोथकोविट्ज़ के नाम से जाने जाते थे) ने अपने विश्वासों को क्रियान्वित करने के लिए "द टेन" नामक एक समूह का गठन किया। इसमें लू शंकर, इल्या बोलोटोव्स्की, बेन-ज़ियन, जो सोलोमन, नहुम त्सचाकबासोव, लू हैरिस, राल्फ रोसेनबर्ग और यांकेल कूफेल्ड शामिल थे। न्यूयॉर्क की क्यूरेटोरियल दृश्य में प्रचलित प्रवृत्तियों के खिलाफ खुला विरोध करते हुए, द टेन ने अपने अमूर्त काम को एक साथ प्रदर्शित किया, जिसे उन्होंने "अमेरिकी चित्रकला और शाब्दिक चित्रकला के प्रतिष्ठित समकक्ष" के रूप में अस्वीकार किया।
एडोल्फ गॉटलिब - लाल ग्राउंड, कैनवास पर चढ़ाया गया तेल का रंग
चित्रलेख
गॉटलिब द्वारा अंततः विकसित किए गए परिपक्व अमूर्त शैली की ओर पहला उन्नति 1940 के दशक की शुरुआत में आई, जो उनके Pictograph पेंटिंग के रूप में थी। ये कार्य मूल रूप से एक नई प्रतीकात्मक भाषा बनाने के प्रयास थे जो सार्वभौमिक भावनाओं और संवेदनाओं को संप्रेषित कर सके। गॉटलिब ने अपने Pictograph पेंटिंग को इस तरह से संकल्पित किया कि उनकी सतह समतल थी, गहराई और किसी भी प्रकार की भ्रांति को समाप्त करते हुए जो उनके चित्रात्मक तत्वों से जुड़ी हो सकती थी। उन्होंने कैनवास के सभी क्षेत्रों को लोकतांत्रिक बनाया, जो जल्द ही "ऑल-ओवर" पेंटिंग के रूप में संदर्भित किया जाएगा। उनके Pictographs ने बालसुलभ चिह्नों की याद दिलाने वाली एक कच्चीता का उपयोग किया, और जनजातीय समाजों की सौंदर्य प्रवृत्तियों को उजागर किया।
एक अर्थ में, गॉटलिब एक नई छवि वर्णमाला बनाने की कोशिश कर रहे थे, जो हायरोग्लिफिक्स या चीनी कंजी की परंपरा में थी। लेकिन विशिष्ट कथाओं को संप्रेषित करने के प्रयास के बजाय, वह अपने बयानों को न्यूनतम आवश्यकताओं में संकुचित करने की कोशिश कर रहे थे। उन्होंने जिन मिथकों का संदर्भ दिया, उन्हें स्पष्ट करने के बजाय, उन्होंने उन सामूहिक मानव भावनाओं को संप्रेषित करने का प्रयास किया जो उनके मूल में निवास करती हैं। इस लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए, उन्होंने ऐसी छवियाँ सावधानीपूर्वक बनाई जो पूरी तरह से मौलिक और बाहरी संघों से मुक्त थीं, यह आशा करते हुए कि उनकी सार्वभौमिक प्रकृति उन तुच्छ सांस्कृतिक भिन्नताओं को पार कर जाएगी जो लोगों को अलग रखती हैं।
एडोल्फ गॉटलिब - पिक्टोग्राफ, 1942, कलाकारों के बोर्ड पर तेल, 29 1/4 × 23 1/4 इंच, 74.3 × 59.1 सेमी, फोटो क्रेडिट्स हॉलिस टैगगार्ट गैलरिज, न्यूयॉर्क (बाएं) और अनटाइटल्ड, 1949, कागज पर पेस्टल, 24 × 18 इंच, 61 × 45.7 सेमी, फोटो क्रेडिट्स बर्गग्रुएन गैलरी, सैन फ्रांसिस्को (दाएं)
काल्पनिक परिदृश्य
जैसे-जैसे गॉटलिब ने अपने चित्रलेख विकसित किए, उन्होंने सरलता की प्रक्रिया में संलग्न किया। इस प्रक्रिया के माध्यम से उन्होंने एक श्रृंखला के कामों तक पहुँचे, जिसे उन्होंने काल्पनिक परिदृश्य कहा। चित्रलेखों के विपरीत, जो किसी एक भाग पर स्पष्ट जोर नहीं देते थे, गॉटलिब ने इन चित्रों में चित्र स्तर को एक क्षितिज रेखा के परिचय के माध्यम से दो अलग-अलग क्षेत्रों में विभाजित किया। रेखा के नीचे, गॉटलिब ने चित्रात्मक स्क्रॉल जोड़े। रेखा के ऊपर, उन्होंने रंगीन ज्यामितीय आकृतियाँ जोड़ीं। काल्पनिक परिदृश्य ने दोनों प्रकार की छवियों के बीच एक पदानुक्रम संबंध का सुझाव दिया। चित्रित किया गया है कि एक स्क्रॉलिंग, भावनात्मक, जटिल मानव चिंता की अभिव्यक्ति अधीन है। ऊपर तैरता हुआ एक सरल, प्रत्यक्ष सार्वभौमिक शुद्धता की अभिव्यक्ति है।
इमेजिनरी लैंडस्केप फिर और सरल हो गया जिसे गॉटलिब ने बर्स्ट पेंटिंग्स कहा। इन कार्यों में उसने क्षितिज रेखा को समाप्त कर दिया, लेकिन नीचे की स्क्रॉल और ऊपर के एकीकृत आकार को बनाए रखा। बर्स्ट्स ने बड़े रंग के क्षेत्रों का उपयोग किया, और रंग के तत्व को आकार के साथ एकीकृत किया। उन्होंने लगभग पवित्र स्तर पर ध्यान की आमंत्रणा दी, और ऐसा प्रतीत हुआ कि वे कुछ उच्च और निम्न चेतना के बीच सहजीवी संबंध के विचार को संप्रेषित कर रहे हैं।
एडोल्फ गॉटलिब - काल्पनिक परिदृश्य, 1971, रंगों में एक्वाटिंट, फैब्रियानो कागज पर, पूर्ण मार्जिन के साथ, 26 3/10 × 32 1/2 इंच, 66.7 × 82.6 सेमी
एडोल्फ गॉटलिब की विरासत
1970 में, गॉटलिब को एक स्ट्रोक आया और उन्होंने अपने शरीर के बाएं हिस्से का उपयोग खो दिया। फिर भी, उन्होंने काम करना जारी रखा, अपनी Burst श्रृंखला के कुछ सबसे गहन और चरम अभिव्यक्तियों का निर्माण किया, केवल एक वर्ष पहले जब वह मर गए। जब उनकी ज़िंदगी समाप्त हुई, तो वह न केवल अपने द्वारा बनाए गए अद्वितीय कार्य के लिए जाने जाते थे, बल्कि दूसरों के काम पर उनके प्रभाव के लिए भी। उनके दर्शन अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के विचारों के लिए अनिवार्य थे। और उनकी सौंदर्य दृष्टि को रंग क्षेत्र चित्रकला और मिनिमलिज़्म के उदय में प्रभावशाली माना जाता है।
लेकिन अदोल्फ गॉटलिब द्वारा उनके 70 वर्षों के दौरान बनाए गए चित्रों, मूर्तियों और प्रिंटों की सौंदर्यात्मक विरासत के लिए समान रूप से महत्वपूर्ण यह है कि उन्होंने उस बड़े कलात्मक समुदाय में जो योगदान दिया, जिसमें वे शामिल थे—जो औपचारिक प्रगति, पीढ़ियों और आंदोलनों को पार करता है। गॉटलिब ने कलाकार की एक दृष्टि रखी, जो समाज के बाकी हिस्से से अलग नहीं है, बल्कि इसके साथ जटिल रूप से जुड़ा हुआ है। उन्होंने कला की क्षमता में विश्वास किया कि यह सभ्यता को बदल सकती है, और यह महत्वपूर्ण था कि सौंदर्यात्मक विचारों पर खुलकर और सरल भाषा में चर्चा की जाए ताकि इसे सभी द्वारा समझा जा सके। उन्होंने महसूस किया कि कलाकार एक संस्कृति की आत्म-समझने की क्षमता के लिए आवश्यक हैं, और अपने काम के माध्यम से उन्होंने यह प्रदर्शित किया कि सभी कलाकारों की जिम्मेदारी है कि वे अपने समय की पागलपन, अराजकता, प्रतिभा, सुंदरता, अंधकार और प्रकाश को व्यक्त करें।
विशेष छवि: एडोल्फ गॉटलिब -
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
