सर हॉवर्ड होडगकिन की विरासत

प्रसिद्ध ब्रिटिश अमूर्त चित्रकार और प्रिंटमेकर हॉवर्ड हॉजकिन अपने पीढ़ी के सबसे सम्मानित कलाकारों में से एक थे। उन्होंने 1984 के वेनिस बिएनाले में ब्रिटेन का प्रतिनिधित्व किया और 1985 में टर्नर पुरस्कार जीता। 1976 में, उन्हें ब्रिटिश साम्राज्य के सबसे उत्कृष्ट आदेश (CBE) में शामिल किया गया; 1992 में उन्हें नाइट की उपाधि दी गई; और 2003 में, रानी एलिजाबेथ द्वितीय ने उन्हें ऑनर के साथियों के आदेश में शामिल किया, जहाँ वे केवल तीन अन्य अमूर्त कलाकारों—हेनरी मूर, विक्टर पासमोर और ब्रिजेट राइली—की एक चयनित सूची में शामिल हुए, जिन्हें समान सम्मान दिया गया। हॉजकिन ने अपने करियर में जो प्रसिद्धि हासिल की, वह उनके प्रारंभिक पेशेवर जीवन की कठिनाइयों के विपरीत है। 1981 में, हॉजकिन ने कहा, "मुझे लगता है कि मैं भाग्यशाली रहा हूँ कि मैं तब तक सफल नहीं हुआ जब तक मैं मध्य आयु में नहीं पहुँच गया, लेकिन जब तक कोई भी मेरी तस्वीरों को देखना चाहता था, तब तक जीने के लिए कई कड़वे क्षण थे।" अपने 30 के दशक में, वह अस्वीकृति से इतने निराश थे कि उन्होंने आत्महत्या पर विचार किया। लेकिन निराशा में न डूबते हुए, उन्होंने अपने आंतरिक आत्म की सौंदर्यात्मक अभिव्यक्ति के प्रति फिर से समर्पित किया। जैसे-जैसे हॉजकिन ने आंतरिकता में गहराई से प्रवेश किया, उन्होंने भावना और कला के औपचारिक आवश्यकताओं, जैसे रंग और पेंट के बीच के संबंध को और अधिक सहजता से समझा; और उनके काम में अमूर्तता बढ़ती गई। अपने जीवन के अंत तक, हॉजकिन ने एक विशिष्ट कृति बनाई जो एक सरल और सबसे सीधे शब्दों में कच्चे भावनाओं को संप्रेषित करने वाले एक संकुचित शैली पर आधारित थी।

आकृतियाँ और भावनाएँ

कई समय से इस पर बहस चल रही है कि हमें हॉवर्ड हॉजकिन को एक चित्रात्मक या अमूर्त कलाकार के रूप में संदर्भित करना चाहिए। उसका प्रारंभिक काम स्पष्ट रूप से वास्तविकता पर आधारित था, जिसमें आंतरिक स्थानों में आकृतियाँ दिखाई देती थीं, कभी-कभी सामाजिक परिस्थितियों में। लेकिन जैसे-जैसे उसका करियर विकसित हुआ, उसने अमूर्तता और आकृति के बीच की रेखा को धुंधला कर दिया, ऐसे चित्र बनाते हुए जो दोनों के बीच के एक प्रकार के चौराहे में निवास करते थे। उसने अपने जीवन की विशिष्ट सामग्री के साथ केवल निपटने के बजाय, इस बात की खोज की कि रंग, पैटर्न और सतह जैसे औपचारिक तत्व उसकी छवियों के भीतर भावनात्मक तत्वों को कैसे उत्तेजित कर सकते हैं। कई दशकों बाद, उसके चित्रों में सूक्ष्म चित्रात्मक तत्व अमूर्त रंग क्षेत्रों, आकृतियों और पैटर्नों के भीतर समाहित थे। लेकिन जब भी उसने कुछ ऐसा चित्रित किया जिसे अधिकांश दर्शक पूरी तरह से अमूर्त मानते, हॉजकिन खुद यह कहना पसंद करते थे कि काम अभी भी चित्रात्मक था, क्योंकि यह सभी उसके व्यक्तिगत वास्तविकता से सूचित एक चल रहे कथा से निकटता से संबंधित था।

हॉजकिन ने 1950 में 18 वर्ष की आयु में, जब वह अभी भी छात्र थे, अपनी पेंटिंग्स दिखाना शुरू किया। वास्तव में, उनके सबसे शुरुआती कामों में से एक, एक गुआश पेंटिंग जो बोर्ड पर बनाई गई थी, जिसका शीर्षक संस्मरण है, जब वह केवल 16 वर्ष के थे, कुछ प्रशंसकों द्वारा उनके सर्वश्रेष्ठ कामों में से एक माना जाता है। उन्हें 1962 में लंदन के प्रसिद्ध आर्थर थूथ एंड संस गैलरी में अपनी पहली एकल प्रदर्शनी मिली। उस प्रदर्शनी में कामों की अद्वितीय मिश्रण, जो चित्रण और अमूर्तता को परिभाषित करती थी, ने हॉजकिन को अद्वितीय और साहसी के रूप में अलग खड़ा कर दिया। लेकिन ब्रिटिश जनता ने तुरंत काम को नहीं समझा, और प्रदर्शनी एक व्यावसायिक सफलता नहीं थी। यह लगभग एक दशक बाद होगा जब उनके देश में दर्शक उनकी विशिष्ट प्रतिभा की सराहना करेंगे।

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

भारत की यादें

जीवन के प्रारंभ में, हॉवर्ड हॉजकिन ने महसूस किया कि जिन चित्रों को वह बनाना चाहते थे, वे उनकी अपनी यादों के सौंदर्यात्मक अवशेषों की तरह थे। एक ऐसे व्यक्ति के रूप में जो यात्रा करना विशेष रूप से पसंद करता था, उनकी कई सबसे शक्तिशाली यादें उस शानदार दृश्य और असाधारण लोगों से संबंधित थीं जिनका उन्होंने विदेश में सामना किया। उन्होंने भारत की यात्रा के दौरान बनाए गए कुछ सबसे सफल प्रिंट बनाए। उन्होंने Indian Views शीर्षक वाली स्क्रीनप्रिंट की एक श्रृंखला में उस देश में ट्रेनों के किनारों पर सामान्य छोटे, क्षैतिज खिड़कियों को संबोधित किया। ये चित्र सरल परिदृश्यों की तरह पढ़े जाते हैं जिनमें क्षितिज रेखाएँ होती हैं, लेकिन इन्हें अमूर्त रंग क्षेत्रों के रूप में भी विचार किया जा सकता है।

रंग के भावनात्मक उपयोग के अलावा, उनके Indian View स्क्रीनप्रिंट इस बात के लिए भी उल्लेखनीय हैं कि वे फ्रेम के आदर्श सौंदर्य तत्व को शामिल करते हैं, जो समय के साथ होडगकिन के लिए अत्यंत महत्वपूर्ण हो गया। उनके कई अमूर्त चित्रों में उन्होंने छवि को समाहित करने वाले आयताकार फ्रेम को चित्रित किया। फिर बाद में उन्होंने अपनी सतहों को वास्तविक लकड़ी के फ्रेम में फ्रेम करना शुरू किया और फिर छवि को सतह और फ्रेम दोनों पर चित्रित किया, दोनों को मिलाकर। चित्रित फ्रेम ने उनके चित्रों को बाहरी हस्तक्षेप के प्रति प्रतिरोधी वस्तुओं के रूप में परिभाषित किया, और स्पष्ट किया कि उनका अर्थ पूरी तरह से उनके भीतर ही निहित था।

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

बाहरी मान्यता

जनता से प्रारंभ में मिली समझ की कमी के बावजूद, होडगकिन ने प्रदर्शनी जारी रखी और अपनी अनूठी शैली का पीछा करते रहे, हाइब्रिड अमूर्त-चित्रात्मक छवियाँ बनाते हुए और भावनाओं पर आधारित एक भावनात्मक, रंगीन दृश्य भाषा विकसित करते रहे। 1971 में, उन्हें पहली बार विदेश में प्रदर्शनी के लिए आमंत्रित किया गया, कोलोन, जर्मनी में। वह प्रदर्शनी सफल रही, और अगले वर्ष उन्होंने पेरिस में एक समूह प्रदर्शनी में भाग लिया। और उसके बाद के वर्ष में उन्होंने पहली बार संयुक्त राज्य अमेरिका में, न्यूयॉर्क के एक गैलरी में प्रदर्शनी की।

उसकी खुशी के लिए, विदेशी दर्शकों ने उसके काम के बारे में एक बहुत अलग धारणा बनाई। अपने न्यूयॉर्क डेब्यू के बाद, होडगकिन ने कहा, “उन्होंने तुरंत समझ लिया कि मैं किस तरह का कलाकार था... प्रतिक्रिया ऐसी थी कि मुझे लगा कि मैं एक दर्शकों के साथ संवाद कर रहा हूँ। मैंने इंग्लैंड में ऐसा कभी-कभी ही महसूस किया है।” शायद इस अंतरराष्ट्रीय ध्यान के कारण, या शायद इसलिए कि ब्रिटिश दर्शकों ने बस यह समझ लिया कि वे क्या खो रहे थे, अगले कई वर्षों में होडगकिन ने ब्रिटेन में अपनी प्रतिष्ठा में सुधार देखा। 1976 तक, उन्हें CBE से सम्मानित किया गया था, और उन्हें ऑक्सफोर्ड आधुनिक कला संग्रहालय में अपनी पहली रेट्रोस्पेक्टिव प्रदर्शनी मिली थी।

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

लंदन का स्कूल

1976 में, हॉजकिन को उन ब्रिटिश कलाकारों के एक समूह में शामिल होने का सम्मान मिला, जो कुछ ऐसा कहलाने वाले लंदन स्कूल से जुड़े थे। चित्रकार आर. बी. किटाज ने एक प्रदर्शनी के लिए लिखे गए एक कैटलॉग निबंध में लंदन स्कूल की संज्ञा दी, जिसका शीर्षक था द ह्यूमन क्ले। किटाज का उद्देश्य इस शब्द को इस तथ्य की ओर ध्यान आकर्षित करने के लिए बनाना था कि पॉप आर्ट, मिनिमलिज़्म, संविधानिक कला और अन्य लोकप्रिय शैलियों की वैश्विक प्रवृत्तियों के विपरीत, प्रतिभाशाली ब्रिटिश कलाकारों के एक समूह ने कला में मानव आकृति की आधुनिक प्रासंगिकता का गहराई से अन्वेषण किया था।

"द ह्यूमन क्ले" में 48 कलाकारों का काम शामिल था; उनमें किटाज और हॉजकिन के साथ-साथ कई अन्य भी थे जो बाद में अंतरराष्ट्रीय स्तर पर महत्वपूर्ण प्रभावशाली बन गए, जैसे फ्रैंक ऑरबैक, डेविड हॉकनी, फ्रांसिस बेकन, हेनरी मूर, और लुशियन फ्रायड। उस समय, प्रत्येक ने वास्तव में आधुनिक तरीकों में आकृतिवाद का अन्वेषण किया था। लेकिन फिर भी, अधिकांश ने जब पहली बार "स्कूल ऑफ लंदन" लेबल सुना, तो उन्होंने इसे अस्वीकार कर दिया। हॉवर्ड हॉजकिन ने इस लेबल को अस्वीकार कर दिया, हालांकि उनके पास प्रदर्शनी में पांच काम थे, जो किसी भी कलाकार द्वारा दूसरा सबसे अधिक संख्या थी। फिर भी शो में शामिल होना हॉजकिन के लिए एक बढ़ावा था, और उनके प्रयासों की एक बड़ी सार्वजनिक मान्यता थी."

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

थोड़ा ही काफी है

अपने करियर के दौरान, होज्किन ने कम दिखाते हुए अधिक व्यक्त करने के तरीकों की खोज की, अंततः अपने काम में आकृतियों के तत्वों को इस हद तक कम कर दिया कि वे लगभग मौजूद नहीं थे। 1970 के दशक के अंत में उन्हें मिली व्यापक सार्वजनिक मान्यता के साथ, होज्किन ने अपने व्यक्तिगत जीवन में भी एक परिवर्तन का अनुभव किया। अपनी पत्नी जूलिया के साथ 20 साल की शादी के बाद, होज्किन ने समलैंगिक होने का खुलासा किया, और जूलिया को उनके दो बेटों की कस्टडी दी। उनका जीवन एक साथ सरल और अधिक जटिल हो गया। हालांकि उनके कामों के शीर्षक इस बिंदु से व्यक्तिगत कथा की गुणवत्ता को बनाए रखते थे, जिसके लिए उनका काम जाना जाता था, विशेष व्यक्तिगत यादों का संदर्भ देते हुए, उनकी छवियों की सामग्री नाटकीय रूप से अधिक अमूर्त हो गई।

हालाँकि वह शायद ऐसी किसी भी आरोप को नकारता, यह देखना आसान है कि एक व्यक्तिगत झूठ से खुद को मुक्त करना उसे संकेतों के साथ अपनी कल्पना को निवेश करने की आवश्यकता से भी मुक्त कर सकता था, जिससे वह अपनी भावनाओं के साथ अधिक सीधे हो सकता था। चाहे इसका उस परिस्थिति से कोई संबंध हो या न हो, अपने जीवन के अंतिम दशकों में होडगकिन ने अपनी दृश्य भाषा को पहले से कहीं अधिक नाटकीय रूप से कम किया। वह रंग, ब्रश स्ट्रोक, सतह, संरचना और रंग के अभिव्यक्तिशील संभावनाओं को व्यक्त करने में अधिक कुशल हो गए। अपने अंतिम वर्षों में, उनकी रचनाएँ सबसे सरल और शायद सबसे गहन थीं, जो उनकी स्मृति और भावना की क्षणिक शक्ति के मौलिक विचार को कुशलता से संप्रेषित करती थीं।

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

विशेष छवि: हॉवर्ड हॉजकिन ब्रिजिड सीग्रेव (विवरण), 1961-62, कैनवास पर तेल, 34 x 39 इंच
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा