सर हॉवर्ड होडगकिन की विरासत

प्रसिद्ध ब्रिटिश अमूर्त चित्रकार और मुद्रक Howard Hodgkin अपनी पीढ़ी के सबसे सम्मानित कलाकारों में से एक थे। उन्होंने 1984 के वेनिस बिएनाले में ब्रिटेन का प्रतिनिधित्व किया और 1985 में टर्नर पुरस्कार जीता। 1976 में, उन्हें ब्रिटिश साम्राज्य के सर्वोत्तम आदेश (CBE) में शामिल किया गया; 1992 में उन्हें नाइट की उपाधि मिली; और 2003 में, रानी एलिजाबेथ द्वितीय ने उन्हें सम्मान के साथी के आदेश में शामिल किया, जहाँ उन्होंने केवल तीन अन्य अमूर्त कलाकारों—हेनरी मूर, विक्टर पासमोर और ब्रिजेट राइली—के साथ यह विशिष्ट सम्मान प्राप्त किया। हॉजकिन ने अपने करियर में जो प्रतिष्ठा हासिल की, वह उनके शुरुआती पेशेवर जीवन की कठिनाइयों से पूरी तरह अलग है। 1981 में, हॉजकिन ने कहा, “मुझे लगता है कि मैं भाग्यशाली रहा कि मैं मध्य आयु तक बिल्कुल सफल नहीं था, लेकिन इतने लंबे समय तक जब कोई भी मेरी तस्वीरों को देखने की इच्छा नहीं दिखाता था, तो कई कड़वे पल गुजारने पड़े।” अपने 30 के दशक में, अस्वीकृति से वह इतना निराश थे कि उन्होंने आत्महत्या करने का विचार किया। लेकिन निराशा में डूबने के बजाय, उन्होंने अपने आंतरिक स्व की सौंदर्यात्मक अभिव्यक्ति के लिए खुद को पुनः समर्पित किया। जितना अधिक हॉजकिन अंदर की ओर झांकते गए, उतना ही सहज रूप से उन्होंने भावना और कला के औपचारिक आवश्यक तत्वों जैसे रंग और रंगाई के बीच संबंध को समझा; और उनके कार्य बाद में और अधिक अमूर्त हो गए। अपने जीवन के अंत तक, हॉजकिन ने एक विशिष्ट कृति बनाई जो एक संक्षिप्त शैली पर आधारित थी, जो सबसे सरल और सीधे शब्दों में कच्ची भावना को संप्रेषित करती थी।

आकृतियाँ और भावनाएँ

काफी समय से यह बहस चल रही है कि हमें Howard Hodgkin को आकृतिवादी कलाकार कहना चाहिए या अमूर्त कलाकार। उनका प्रारंभिक कार्य स्पष्ट रूप से वास्तविकता आधारित था, जिसमें आंतरिक स्थानों में आकृतियाँ दिखाई देती थीं, कभी-कभी सामाजिक परिस्थितियों में। लेकिन जैसे-जैसे उनका करियर विकसित हुआ, उन्होंने अमूर्तता और आकृति के बीच की रेखा को धुंधला कर दिया, ऐसी चित्रकारी बनाई जो दोनों के बीच एक तरह के संगम में थी। उन्होंने केवल अपने जीवन की विशिष्ट सामग्री से निपटने के बजाय, रंग, पैटर्न और सतह जैसे औपचारिक तत्वों के माध्यम से अपनी छवियों में भावनात्मक तत्वों को जगाने के तरीकों का अन्वेषण किया। दशकों बाद भी उनकी चित्रों में सूक्ष्म आकृतिवादी तत्व अमूर्त रंग क्षेत्रों, आकृतियों और पैटर्नों के बीच छिपे हुए थे। लेकिन जब भी उन्होंने कुछ ऐसा चित्रित किया जिसे अधिकांश दर्शक पूरी तरह अमूर्त मानते, हॉजकिन स्वयं कहते थे कि वह कार्य अभी भी आकृतिवादी है, क्योंकि यह सब उनके व्यक्तिगत वास्तविकता से सूचित एक चल रही कथा से गहराई से जुड़ा था।

हॉजकिन ने 1950 में 18 वर्ष की आयु में, अभी भी छात्र रहते हुए, अपनी चित्रकारी दिखाना शुरू किया। वास्तव में, उनकी प्रारंभिक कृतियों में से एक, बोर्ड पर बनाई गई ग्वाश चित्रकारी जिसका शीर्षक Memoirs था, जिसे उन्होंने केवल 16 वर्ष की उम्र में बनाया था, कुछ प्रशंसकों द्वारा उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में माना जाता है। उन्हें 1962 में लंदन के प्रसिद्ध आर्थर टूथ एंड संस गैलरी में अपनी पहली एकल प्रदर्शनी मिली। उस प्रदर्शनी में आकृति और अमूर्तता के अद्वितीय मिश्रण ने हॉजकिन को विशिष्ट और साहसी कलाकार के रूप में स्थापित किया। लेकिन ब्रिटिश जनता ने तुरंत इस कार्य को समझा नहीं, और प्रदर्शनी व्यावसायिक सफलता नहीं थी। उनके देश में दर्शकों को उनकी विशिष्ट प्रतिभा की सराहना करने में लगभग एक दशक लग गया।

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, बोर्ड पर ग्वाश, 8 5/8 x 9 7/8 इंच, © Howard Hodgkin की संपत्ति

भारत की यादें

जीवन के आरंभ में, हॉजकिन ने महसूस किया कि वे चित्र जो वे बनाना चाहते थे, वे उनके अपने स्मृतियों के सौंदर्यात्मक अवशेषों जैसे थे। एक ऐसे व्यक्ति के रूप में जो विशेष रूप से यात्रा करना पसंद करता था, उनकी सबसे गहरी यादें उन शानदार दृश्यों और असाधारण लोगों से जुड़ी थीं जिनसे उन्होंने विदेश में मुलाकात की। उन्होंने भारत की यात्राओं से संबंधित कुछ सबसे सफल मुद्रण बनाए। उन्होंने Indian Views नामक स्क्रीनप्रिंट श्रृंखला बनाई, जिसमें उन्होंने उस देश की ट्रेनों के किनारों में पाए जाने वाले छोटे, क्षैतिज खिड़कियों को चित्रित किया। ये चित्र सरल परिदृश्यों की तरह दिखते हैं जिनमें क्षितिज रेखाएं होती हैं, लेकिन इन्हें अमूर्त रंग क्षेत्रों के रूप में भी देखा जा सकता है।

रंगों के भावनात्मक उपयोग के अलावा, उनके Indian View स्क्रीनप्रिंट्स इस बात के लिए भी उल्लेखनीय हैं कि उनमें फ्रेम का आदर्श सौंदर्यात्मक तत्व शामिल है, जो समय के साथ हॉजकिन के लिए अत्यंत महत्वपूर्ण हो गया। उनकी कई अमूर्त चित्रों में उन्होंने एक आयताकार फ्रेम बनाया जिसमें छवि समाहित थी। बाद में उन्होंने अपनी सतहों को असली लकड़ी के फ्रेम में सजाना शुरू किया और फिर छवि को सतह और फ्रेम दोनों पर चित्रित किया, दोनों को मिलाते हुए। चित्रित फ्रेम ने उनकी चित्रों को बाहरी हस्तक्षेप के प्रति प्रतिरोधी वस्तुओं के रूप में परिभाषित किया, और स्पष्ट किया कि उनका अर्थ पूरी तरह से स्वयं में निहित था।

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, कागज पर स्क्रीनप्रिंट, 581 x 780 मिमी, © Howard Hodgkin की संपत्ति

बाहरी मान्यता

प्रारंभ में जनता से समझ न मिलने के बावजूद, हॉजकिन ने प्रदर्शनी जारी रखी और अपनी अनूठी शैली का पीछा करते रहे, मिश्रित अमूर्त-आकृतिवादी चित्र बनाते हुए और भावनाओं पर आधारित रंगीन, भावात्मक दृश्य भाषा विकसित की। 1971 में, उन्हें पहली बार विदेश में प्रदर्शनी के लिए आमंत्रित किया गया, कोलोन, जर्मनी में। वह प्रदर्शनी सफल रही, और अगले वर्ष उन्होंने पेरिस में एक समूह प्रदर्शनी में भाग लिया। उसके बाद के वर्ष में उन्होंने पहली बार संयुक्त राज्य अमेरिका में न्यूयॉर्क की एक गैलरी में प्रदर्शनी लगाई।

उनकी खुशी के लिए, विदेशी दर्शकों का उनके कार्य के प्रति दृष्टिकोण बहुत अलग था। न्यूयॉर्क में अपनी शुरुआत के बाद, हॉजकिन ने कहा, “उन्होंने तुरंत समझ लिया कि मैं किस प्रकार के कलाकार हूँ... प्रतिक्रिया ऐसी थी कि मुझे लगा मैं दर्शकों के साथ संवाद कर रहा हूँ। इंग्लैंड में मुझे ऐसा शायद ही कभी महसूस हुआ।” शायद इस अंतरराष्ट्रीय ध्यान के कारण, या शायद ब्रिटिश दर्शकों ने महसूस किया कि वे क्या खो रहे थे, अगले कुछ वर्षों में हॉजकिन की ब्रिटेन में प्रतिष्ठा में सुधार हुआ। 1976 तक, उन्हें CBE से सम्मानित किया गया था, और उन्हें ऑक्सफोर्ड आधुनिक कला संग्रहालय में अपनी पहली पुनरावलोकन प्रदर्शनी मिली।

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, लकड़ी पर तेल, 33 x 36 इंच, © Howard Hodgkin की संपत्ति

लंदन का विद्यालय

1976 में, हॉजकिन को ब्रिटिश कलाकारों के एक समूह में शामिल होने का सम्मान मिला, जिन्हें लंदन के विद्यालय के नाम से जाना जाता है। चित्रकार आर. बी. किटाज ने इस शब्द को एक प्रदर्शनी के लिए लिखे गए कैटलॉग निबंध में गढ़ा, जिसका शीर्षक था The Human Clay। किटाज ने इस शब्द का उपयोग इस तथ्य पर ध्यान आकर्षित करने के लिए किया कि पॉप कला, मिनिमलिज्म, सैद्धांतिक कला और अन्य लोकप्रिय शैलियों की वैश्विक प्रवृत्तियों के विपरीत, एक समूह प्रतिभाशाली ब्रिटिश कलाकार मानव आकृति की आधुनिक प्रासंगिकता का गहन अन्वेषण कर रहे थे।

The Human Clay में 48 कलाकारों के कार्य शामिल थे; उनमें किटाज और हॉजकिन के साथ-साथ कई अन्य थे जो बाद में अंतरराष्ट्रीय स्तर पर अत्यंत प्रभावशाली बने, जैसे फ्रैंक ऑरबाख, डेविड हॉकनी, फ्रांसिस बेकन, हेनरी मूर, और लूसियन फ्रायड। उस समय, प्रत्येक ने अनूठे आधुनिक तरीकों से आकृति का अन्वेषण किया था। लेकिन अधिकांश ने जब पहली बार यह नाम सुना तो इसे अस्वीकार कर दिया। हॉजकिन ने भी इस नाम को अस्वीकार किया, हालांकि उनकी पांच कृतियाँ प्रदर्शनी में थीं, जो किसी भी कलाकार द्वारा दूसरी सबसे अधिक संख्या थी। फिर भी, इस प्रदर्शनी में शामिल होना हॉजकिन के लिए एक प्रोत्साहन था, और उनके प्रयासों की एक बड़ी सार्वजनिक मान्यता थी।

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, लकड़ी पर तेल, 44 1/4 x 50 इंच, © Howard Hodgkin की संपत्ति

कम अधिक है

अपने पूरे करियर में हॉजकिन ने अधिक व्यक्त करने के लिए कम दिखाने के तरीके खोजे, अंततः अपने कार्यों में आकृतिवादी तत्वों को इतना कम कर दिया कि वे लगभग न के बराबर रह गए। 1970 के दशक के अंत में उन्हें जो व्यापक सार्वजनिक मान्यता मिली, उसी के साथ उनके व्यक्तिगत जीवन में भी एक बदलाव आया। अपनी पत्नी जूलिया के साथ 20 वर्षों के विवाह के बाद, हॉजकिन ने समलैंगिक होने का खुलासा किया, और जूलिया को उनके दो बेटों की कस्टडी दी। उनका जीवन एक साथ सरल और जटिल हो गया। यद्यपि इस बिंदु से उनके कार्यों के शीर्षक में वह व्यक्तिगत कथा की गुणवत्ता बनी रही जिसके लिए उनका कार्य जाना जाता था, जो विशिष्ट व्यक्तिगत यादों का संदर्भ देते थे, उनकी छवियों की सामग्री नाटकीय रूप से अधिक अमूर्त हो गई।

हालांकि वे शायद इस आरोप से इनकार करते, यह देखना आसान है कि अपने आप को एक व्यक्तिगत मिथ्या से मुक्त करने से उन्हें अपनी छवियों में संकेत लगाने की आवश्यकता से भी मुक्ति मिली होगी, जिससे वे अपनी भावनाओं के साथ अधिक सीधे हो सके। चाहे इसका उस परिस्थिति से कोई संबंध हो या न हो, अपने जीवन के अंतिम दशकों में हॉजकिन ने अपनी दृश्य भाषा को पहले से कहीं अधिक नाटकीय रूप से संक्षिप्त किया। वे रंग, ब्रशस्ट्रोक, सतह, रचना और रंगाई की अभिव्यक्तिपूर्ण क्षमता को व्यक्त करने में अधिक कुशल हो गए। अपने अंतिम वर्षों में उनकी रचनाएँ सबसे सरल और शायद सबसे गहन थीं, जो स्मृति और भावना की क्षणभंगुर शक्ति के उनके मौलिक विचार को कुशलतापूर्वक संप्रेषित करती थीं।

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, लकड़ी पर तेल, 31 x 35 इंच, © Howard Hodgkin की संपत्ति

मुख्य छवि: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (विस्तार), 1961-62, कैनवास पर तेल, 34 x 39 इंच
सभी छवियाँ केवल उदाहरण के लिए उपयोग की गई हैं
फिलिप Barcio द्वारा