जाओ वू-की कौन हैं, चीन के नीलामी रिकॉर्ड तोड़ने वाले?

सॉथबी के लंदन में 5 अक्टूबर समकालीन कला नीलामी में बैंक्सी द्वारा अपने स्वयं के टुकड़े-टुकड़े हो जाने वाली "लाल गुब्बारे वाली लड़की" चित्रकारी के साथ किया गया कारनामा वास्तव में समाचार योग्य था, लेकिन इसने महीने की सबसे बड़ी नीलामी कहानी से ध्यान भी हटा दिया: जाओ वू-की द्वारा बनाई गई त्रिपटिका जिसका शीर्षक था “जून—अक्टूबर 1985” (1985), जो सॉथबी के हांगकांग आधुनिक और समकालीन नीलामी में 65 मिलियन डॉलर में बिकी। यह बिक्री मूल्य चीनी कलाकार के लिए 2017 में क्यू बाशी द्वारा बनाए गए 12 पैनल चित्र के 137 मिलियन डॉलर के नीलामी रिकॉर्ड के करीब भी नहीं है। लेकिन यह कीमत चित्र के लिए पूर्व-नीलामी उच्च अनुमान 45 मिलियन डॉलर से कहीं अधिक थी, और इसने एक चीनी-फ्रांसीसी कलाकार के लिए नया रिकॉर्ड स्थापित किया। (ताइवान के व्यापारी चांग क्वी डुन, जिन्होंने 2005 में इस कृति के लिए 2.3 मिलियन डॉलर दिए थे, को अपनी निवेश पर लगभग 3,000 प्रतिशत लाभ मिला!) “जून—अक्टूबर 1985” की अपील शायद इस तथ्य से जुड़ी हो कि यह वू-की द्वारा बनाई गई सबसे बड़ी कृति थी, लेकिन इसका संबंध इसके उत्पत्ति से भी हो सकता है। इसे चीनी-फ्रांसीसी प्रवासी समुदाय के एक अन्य सदस्य, वास्तुकार आई.एम. पेई ने कमीशन किया था। जाओ वू-की और आई.एम. पेई पहली बार 1952 में गैलेरी पियरे में मिले थे, जो वू-की का पहला फ्रांसीसी प्रतिनिधि गैलरी था। उनकी मुलाकात वू-की के लिए एक निर्णायक समय पर हुई, जब वह अपनी अमूर्त अभिव्यक्ति की खोज शुरू कर रहे थे। दोनों दशकों तक करीबी रहे, क्योंकि वू-की ने अपनी शैली जिसे वह "कल्पनात्मक और अस्पष्ट लेखन" कहते थे, विकसित करने का प्रयास किया। कई लोगों के लिए, “जून—अक्टूबर 1985” एक उत्कृष्ट कृति मानी जाती है क्योंकि यह उस काव्यात्मक और अमूर्त लक्ष्य को इतनी सुंदरता से प्रकट करती है, जिसे वू-की ने अपने पूरे जीवन में प्राप्त करने का प्रयास किया।

एक वैश्विक अमूर्त प्रभाव

जब जाओ वू-की का 2013 में निधन हुआ, तो उनकी प्रतिभा की प्रशंसा उनके मूल चीनी प्रशंसकों और फ्रांसीसियों दोनों ने की, जो उनकी प्रतिभा पर समान अधिकार जताते हैं। सच तो यह है कि जब वू-की चीन छोड़कर पेरिस गए, तो उन्होंने कहा कि एक चित्रकार के रूप में उनकी असली शिक्षा अभी शुरू हुई है, भले ही उस समय वे पहले से ही एक कुशल शिक्षक थे। वू-की का जन्म 1920 में त्चाओ वू-की के रूप में पेकिंग (आधुनिक बीजिंग) में हुआ था। वे सौंग राजवंश से जुड़े परिवार में जन्मे थे, इसलिए वे एक ऐसे वातावरण में पले-बढ़े जहाँ आर्थिक स्थिति अच्छी थी और बौद्धिक गतिविधियों को प्रोत्साहित किया जाता था। उन्होंने 10 वर्ष की उम्र में चित्रकारी शुरू की, और उन्हें प्राचीन सुलेख कला की भी समझ दी गई। उनकी कला की शिक्षा के दो पहलू थे: एक ठोस चीजों जैसे शिल्प और तकनीक पर केंद्रित था, और दूसरा काव्यात्मक और अमूर्त गुणों जैसे हाव-भाव और रेखा पर।

जाओ वू-की- ले वाँ पुसे ला मेर – त्रिपटिका, 2004। कैनवास पर तेल, 194.5 × 390 सेमी। फोटो डेनिस बुशार्ड। © जाओ वू-की

ठोस चीजों में रुचि को बढ़ावा देने के लिए, उन्होंने प्राचीन यूनानी कला की नकल करना अभ्यास किया। उन्होंने तेल चित्रकला पश्चिमी दृष्टिकोण और पारंपरिक चीनी कला दोनों से सीखी। कला के अधिक अमूर्त तत्वों में रुचि के लिए उन्होंने सुलेख का अध्ययन किया और यूरोप के प्रभाववादी चित्रकारों के बारे में जितना हो सके सीखा। यूरोपीय आधुनिक कला से उनकी मुख्य परिचय पत्रकार्ड थे जो उनके चाचा पेरिस से लाते थे, और अमेरिकी पत्रिकाएं जिनमें रेनॉयर, मैटिस, और सेज़ान जैसे कलाकारों के चित्र होते थे। उस समय, वू-की ने आधुनिकता को अपनाकर जोखिम उठाया था। चीन दशकों से क्रांति और युद्ध से जूझ रहा था, और परंपरा या प्रगति को अपनाने पर बहस चल रही थी। विवाद के बावजूद, वू-की ने 1941 में अपने प्रभाववादी प्रेरित चित्र प्रदर्शित किए। उन्हें खुशी हुई कि उन्हें अच्छी प्रतिक्रिया मिली। इस सकारात्मक ध्यान ने वू-की को एक प्रभावशाली शिक्षक के रूप में स्थापित करने में मदद की, जिससे उन्हें अंततः पेरिस जाने का अवसर मिला।

जाओ वू-की - टेरे रूज – 16.01.2005, 2005। कैनवास पर तेल, 130 × 195 सेमी। फोटो डेनिस बुशार्ड। © जाओ वू-की

एक अंतरराष्ट्रीय अमूर्त अभिव्यक्ति

वू-की 1948 में 27 वर्ष की आयु में पेरिस पहुंचे, और पूरी तरह से जीवंत बौद्धिक माहौल में डूब गए। उन्होंने मोंटपार्नास में अल्बर्टो जियाकोमेट्टी के स्टूडियो के पास एक स्टूडियो किराए पर लिया, और अगले दशक में विश्व भर के प्रभावशाली चित्रकारों से दोस्ती की। उनके करीबी सहयोगियों में अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवादी जोन मिशेल और सैम फ्रांसिस, कनाडाई कलाकार जीन-पॉल रियोपेल, जर्मन कलाकार हंस हार्टुंग, और फ्रांसीसी मास्टर पियरे सुलाज शामिल थे। वे सभी एक ही चीज़ के लिए प्रयासरत थे—अमूर्तता की सीमाओं को आगे बढ़ाने का तरीका। वू-की एक ऐसी चित्रकला शैली विकसित करना चाहते थे जो भावनात्मक और हाव-भावपूर्ण हो, लेकिन साथ ही उनकी कृतियाँ किसी न किसी संरचना में आधारित हों। अंततः, उन्हें दो महत्वपूर्ण खोजें हुईं जिन्होंने उन्हें उनके मार्ग पर मजबूती से स्थापित किया। पहले उन्होंने एक संग्रहालय में शेंग राजवंश की चीनी ओरेकल बोन लिपि का एक टुकड़ा देखा, जिसने उन्हें सुलेख में उनकी रुचि से पुनः जोड़ा। फिर 1951 में, उन्होंने पॉल क्ले के कार्यों की खोज की। क्ले द्वारा बनाए गए प्रतीकात्मक आकार वू-की को ऐसा लगा कि वे कुछ योजनाबद्ध और कुछ प्रेरित के बीच एक काव्यात्मक मध्यस्थता करते हैं।

जाओ वू-की - सैंस टाइट्रे, 2005। कैनवास पर तेल, 195 × 97 सेमी। फोटो डेनिस बुशार्ड। © जाओ वू-की

ये प्रभाव वू-की की जन्मजात प्रतिभा के साथ मिले, और लगभग 1953 में उन्होंने अपनी एक व्यक्तिगत अमूर्त शैली विकसित की। फिर भी उनकी पूरी कृतियों को देखकर स्पष्ट होता है कि वे पूरी तरह से अमूर्तता में नहीं डूबे थे, बल्कि वे अमूर्तता और प्राकृतिक दुनिया के बीच की एक दुनिया में संतुलन बनाए रखते थे। उनकी चित्रकारी में, पहाड़ की चोटियों या साँप जैसे नदियों के संकेत देने वाले भूतिया, जैविक रूप होते हैं जो रंगों के बादलों और वातावरणीय तूफानों में छिपे होते हैं। हाव-भावपूर्ण सुलेख रेखाएं उनके कैनवास को भरती हैं, जो कुछ स्पष्ट संप्रेषित नहीं करतीं, बल्कि उन आंदोलनों की प्रतिध्वनि के माध्यम से भावनाओं का संकेत देती हैं जिन्होंने उन्हें बनाया। अमूर्तता और प्रकृति के बीच का मध्यस्थ स्थान उनकी कृतियों में दृश्य सामंजस्य की संरचना द्वारा बनाए रखा जाता है। वू-की एक दृश्य पारिस्थितिकी तंत्र के जादूगर थे, जिनका संतुलन पूरक शक्तियों—अंधकार और प्रकाश, गर्म और ठंडा, गीतात्मक और ठोस—में निहित था। विशाल “जून—अक्टूबर 1985” में वू-की की हर कोशिश की गई बात मौजूद है। यद्यपि यह तर्कसंगत अर्थ में अस्पष्ट है, इसकी सहज भाषा—रूप, रंग, बनावट और दृष्टिकोण—स्पष्ट रूप से भावनाओं की एक संपदा व्यक्त करती है जो समय की सीमाओं से परे है।

जाओ वू-की - जून—अक्टूबर 1985, 1985। © जाओ वू-की

मुख्य छवि: जाओ वू-की - जून—अक्टूबर 1985, 1985, स्थापना दृश्य। © सॉथबी
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा