Il Centre Pompidou Rivede il Cubismo in una Nuova Mostra Completa

Il 17 ottobre apre al Centre Pompidou la prima grande mostra cubista a Parigi dopo 65 anni. Il Cubismo (1907-1917) riunisce più di 300 opere nel tentativo di ampliare la nostra comprensione di uno dei movimenti artistici più influenti del XX secolo. La maggior parte delle mostre cubiste si concentra sui fondatori del movimento: Pablo Picasso e Georges Braque. Questa mostra mette in luce anche le loro opere, ma va ben oltre questo ambito limitato. Inizia esaminando opere raramente esposte di Paul Cézanne e Paul Gauguin insieme a esempi di arte africana tradizionale che influenzarono Picasso. Poi esplora la galassia di artisti che circondavano Picasso e Braque, i quali presero le loro scoperte e le ampliarono in molte altre posizioni distinte. Non sono incluse solo pitture, ma sono esposti anche alcuni dei più famosi esempi di scultura cubista, come la chitarra assemblata in cartone creata da Picasso nel 1914. Infine, vediamo l’eredità del Cubismo attraverso le opere di artisti come Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi e Piet Mondrian. Secondo i curatori, l’obiettivo di questa ambiziosa mostra è semplicemente offrire al pubblico una panoramica più ampia della storia di questo importante movimento. Ma ciò che hanno effettivamente realizzato va un po’ più in profondità. Hanno allestito una mostra piena di speranza, che ci incoraggia ad abbracciare le idee dei nostri contemporanei e a costruire senza timore sul genio del passato.

Un cambiamento di prospettiva

Esistono molte spiegazioni diverse del Cubismo. Alcuni lo descrivono come un modo geometrico di dipingere il mondo. Altri lo definiscono un modo di introdurre la quarta dimensione nell’arte mostrando il movimento. Altri ancora dicono che fu una riduzione astratta delle forme e delle sagome presenti nella vita quotidiana. La migliore spiegazione che abbia mai sentito è che il Cubismo fu un tentativo di riesaminare la prospettiva. Dall’epoca del Rinascimento, l’arte occidentale era guidata da regole precise riguardo all’arte visiva—regole sul realismo, sul contenuto accettabile e sulla prospettiva. Le pitture dovevano imitare la vita abbracciando la profondità, la prospettiva e altri strumenti illusionistici. Tuttavia, durante l’Ottocento, queste regole furono messe in discussione. Gli Impressionisti sfidarono le regole sul soggetto, realizzando opere dedicate esclusivamente alla luce. I Divisionisti usarono pennellate sperimentali per sollevare dubbi sull’esistenza reale del colore o se fosse solo un’interpretazione del cervello. I Postimpressionisti abbracciarono il misticismo, il simbolismo e la spiritualità, dimostrando che elementi formali come il colore e lo spazio potevano essere di per sé contenuti degni di essere esplorati.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Basso rilievo in legno di tiglio policromo, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Parigi. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Il Cubismo aggiunse a questo insieme l’idea che la realtà è percepita in modo molto diverso dall’occhio umano rispetto a come viene solitamente rappresentata nell’arte. Quando vediamo qualcosa, non la vediamo schiacciata e perfettamente immobile. Il mondo è sempre in movimento, e noi ci muoviamo sempre attraverso di esso. Vediamo pezzi e frammenti da angolazioni diverse. La luce cambia costantemente. Il mondo è spezzettato in frammenti—alcuni invisibili, ma sappiamo che sono lì. Il Cubismo tenta di mostrare i frammenti della realtà riassemblati in un’unica composizione. Analizza il mondo da molteplici prospettive simultanee, decostruendo la vita per mostrarne la complessità. Il Cubismo (1907-1917) dimostra come, almeno sotto questo aspetto, Cézanne fosse molto avanti rispetto a Picasso e Braque. Una delle opere più antiche della mostra è il dipinto di Cézanne “La Table de cuisine” (1890). Dal tavolo in primo piano ai cesti, alle sedie e ai piatti, ogni oggetto nell’immagine è mostrato da un punto di vista leggermente diverso. La simultaneità delle prospettive è raggiunta in quest’opera, dichiarandola come nettamente proto-cubista 18 anni prima che Picasso e Braque arrivassero alla stessa idea.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Natura morta con cesto), circa 1888-1890. Olio su tela, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Parigi. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

L’arte del prendere in prestito

Uno degli aspetti più rinfrescanti di Cubismo (1907-1917) è che non si nasconde dal fatto che questi artisti presero liberamente in prestito l’uno dall’altro. A volte attribuiamo un valore così alto all’originalità, pretendendo che gli artisti innovino in modo sfrenato. Questa mostra dimostra che a volte innovare significa semplicemente fare un piccolo passo avanti costruendo sui risultati degli altri. Vediamo “Masque krou,” dalla Costa d’Avorio, una delle maschere africane che ispirarono direttamente Picasso. Il volto è diviso in quadranti; gli occhi sono sbilanciati; i tratti sono suddivisi in aree geometriche di ombra e luce. Due dipinti vicini di Picasso—“Portrait de Gertrude Stein” (1905-1906) e il suo autoritratto del 1907—mostrano come Picasso imitò con precisione il linguaggio visivo della maschera africana. Poi vediamo come dissezionò questi aspetti formali e fece il passo successivo, usando le idee per decostruire gli oggetti nello spazio in dipinti come “Pains et compotier aux fruits sur une table” (1908-1909), e per rivelare gli aspetti invisibili del carattere in opere come “Portrait d’Ambroise Vollard” (1910).

Pablo Picasso - Ritratto di Gertrude Stein, 1905-1906. Olio su tela, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / immagine del MMA. © Succession Picasso 2018

Man mano che la mostra procede, vediamo come Sonia Delaunay prese in prestito il linguaggio geometrico di Picasso—non per esplorare il mondo fisico ma per usare le forme per esplorare il potenziale metafisico delle relazioni cromatiche. Vediamo come Piet Mondrian prese anch’egli in prestito gli aspetti geometrici del Cubismo, ma a differenza di Picasso che complicava la realtà, Mondrian usò la geometria per semplificare il mondo nei suoi elementi più basilari. Vediamo come artisti come Juan Gris presero in prestito dal Cubismo per creare uno stile artistico più grafico, che avrebbe ispirato gli artisti di manifesti. E vediamo come i collage del Cubismo sintetico ispirarono i Dadaisti come Francis Picabia. Vediamo anche le cosiddette opere “Tubiste” di Fernand Léger, che illustrano una sottile modifica dello stile cubista che divenne un precursore della Pop Art. Meravigliosamente, non c’è vergogna in questa progressione di influenze. Anzi, la curatela attenta ci ricorda la pura gioia di costruire sulle idee altrui. Nessuno direbbe che a questi artisti mancasse l’immaginazione. Al contrario, Il Cubismo (1907-1917) dimostra che a volte l’immaginazione è ancora più feconda quando chiede aiuto.

Immagine in evidenza: Pablo Picasso - Guitare, Parigi, gennaio-febbraio 1914. Lastra di metallo e ferro, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Immagine digitale, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze. © Succession Picasso 2018
Di Phillip Barcio