Il Centre Pompidou Rivede il Cubismo in una Nuova Mostra Completa

Il 17 ottobre, la prima grande esposizione cubista a Parigi in 65 anni apre al Centre Pompidou. Cubismo (1907-1917) riunisce oltre 300 opere nel tentativo di ampliare la nostra comprensione di uno dei movimenti artistici più influenti del 20^mo secolo. La maggior parte delle esposizioni cubiste si concentra sui fondatori del movimento: Pablo Picasso e Georges Braque. Questa esposizione mette in evidenza anche il loro lavoro, ma va ben oltre quel limite. Inizia esaminando opere raramente esposte di Paul Cézanne e Paul Gauguin insieme a esempi di arte africana tradizionale che hanno influenzato Picasso. Esplora poi la galassia di artisti che circondano Picasso e Braque, i quali hanno preso le loro scoperte e le hanno ampliate in molte altre posizioni distinte. Non solo sono incluse pitture, ma sono anche in mostra alcuni dei più famosi esempi di scultura cubista, come l'assemblaggio della chitarra di cartone che Picasso creò nel 1914. Infine, vediamo l'eredità del Cubismo attraverso le opere di artisti come Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi e Piet Mondrian. Secondo i curatori, l'obiettivo di questa ambiziosa esposizione è semplicemente offrire al pubblico una panoramica più ampia della storia di questo importante movimento. Ma ciò che hanno effettivamente realizzato va un po' più in profondità. Hanno assemblato un'esposizione piena di speranza, che ci incoraggia ad abbracciare le idee dei nostri contemporanei e a costruire senza riserve sul genio del passato.

Un Cambiamento di Prospettiva

Esistono molte spiegazioni diverse del Cubismo. Alcuni lo descrivono come un modo geometrico di dipingere il mondo. Altri lo chiamano un modo per introdurre la quarta dimensione nell'arte mostrando il movimento. Altri dicono che fosse una riduzione astratta delle forme e dei contorni presenti nella vita quotidiana. La migliore spiegazione che abbia mai sentito è che il Cubismo fosse un tentativo di riesaminare la prospettiva. Dalla Rinascenza, l'arte occidentale è stata guidata da regole specifiche quando si trattava di arte visiva: regole sul realismo, contenuti accettabili e prospettiva. Si prevedeva che i dipinti imitassero la vita abbracciando profondità, prospettiva e altri strumenti illusori. Tuttavia, durante il 1800, quelle regole furono messe in discussione. Gli Impressionisti sfidarono le regole riguardanti il soggetto, creando opere che parlavano esclusivamente di luce. I Divisionisti usarono segni di pennello sperimentali per sollevare domande su se il colore esista nella vita reale o sia solo interpretato nel cervello. I Post Impressionisti abbracciarono il misticismo, il simbolismo e la spiritualità, e dimostrarono che elementi formali come il colore e lo spazio potessero di per sé valere la pena di essere perseguiti come contenuto.

Paul Gauguin - Siate misteriose, 1890. Bassorilievo in legno di tiglio policromato, 73 x 95 x 5 cm. Museo d’Orsay, Parigi. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Il Cubismo ha aggiunto a questo mix l'idea che la realtà è percepita in modo molto diverso dall'occhio umano rispetto a come viene solitamente rappresentata nell'arte. Quando vediamo qualcosa, non la vediamo appiattita e perfettamente ferma. Il mondo è sempre in movimento e noi ci muoviamo sempre attraverso di esso. Vediamo pezzi e frammenti da angolazioni diverse. La luce cambia costantemente. Il mondo è spezzettato in pezzi e frammenti—alcuni dei quali sono invisibili, eppure sappiamo che ci sono. Il Cubismo cerca di mostrare i frammenti della realtà riassemblati in una singola composizione. Analizza il mondo da molteplici prospettive simultanee, de-costruendo la vita per mostrarne la complessità. Cubismo (1907-1917) dimostra come, in questo rispetto almeno, Cézanne fosse molto avanti rispetto a Picasso e Braque. Uno dei pezzi più antichi della mostra è il dipinto di Cézanne “La Table de cuisine” (1890). Dalla tavola in primo piano ai cesti, sedie e piatti, ogni oggetto nell'immagine è mostrato da un punto di vista leggermente diverso. La simultaneità delle prospettive è raggiunta in quest'opera, dichiarandola distintamente proto-Cubista 18 anni prima che Picasso e Braque arrivassero alla stessa idea.

Paul Cézanne - La Tavola da cucina. (Natura morta con cesto), verso 1888-1890. Olio su tela, 65 x 81,5 cm. Museo d’Orsay, Parigi. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

L'Arte di Prendere in Prestito

Uno degli aspetti più rinfrescanti del Cubismo (1907-1917) è che non si vergogna del fatto che questi artisti si siano ispirati liberamente l'uno all'altro. A volte poniamo un tale valore sull'originalità, esigendo che gli artisti innovino in modo audace. Questa esposizione dimostra che a volte l'innovazione significa semplicemente fare un piccolo passo avanti costruendo sui successi degli altri. Vediamo "Masque krou", dalla Costa d'Avorio, una delle maschere africane che ha ispirato direttamente Picasso. Il volto è diviso in quadranti; gli occhi sono sbilanciati; i tratti sono suddivisi in aree geometriche di ombra e luce. Due dipinti vicini di Picasso—"Portrait de Gertrude Stein" (1905-1906) e il suo autoritratto del 1907—mostrano quanto precisamente Picasso abbia imitato il linguaggio visivo della maschera africana. Eppure poi vediamo come ha dissezionato questi aspetti formali e ha fatto il passo successivo, usando le idee per de-costruire oggetti nello spazio in dipinti come "Pains et compotier aux fruits sur une table" (1908-1909), e per rivelare gli aspetti invisibili del carattere in opere come "Portrait d’Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Ritratto di Gertrude Stein, 1905-1906. Olio su tela, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / immagine del MMA. © Successione Picasso 2018

Man mano che l'esposizione procede, vediamo come Sonia Delaunay abbia così preso in prestito il linguaggio geometrico di Picasso—non per esplorare il mondo fisico ma per utilizzare le forme per esplorare il potenziale metafisico delle relazioni cromatiche. Vediamo come Piet Mondrian abbia anch'esso preso in prestito gli aspetti geometrici del Cubismo, ma a differenza di Picasso che complicava la realtà, Mondrian usava la geometria per semplificare il mondo nei suoi elementi più basilari. Vediamo come artisti come Juan Gris abbiano preso spunto dal Cubismo per creare uno stile artistico più grafico, che avrebbe ispirato gli artisti dei manifesti. E vediamo come i collage del Cubismo Sintetico abbiano ispirato i Dadaisti come Francis Picabia. Vediamo anche le cosiddette opere "Tubiste" di Fernand Léger, che illustrano una sottile alterazione dello stile cubista che divenne un precursore della Pop Art. Bellissimo, non c'è vergogna in questa progressione di influenze. Al contrario. La curatela riflessiva ci ricorda la pura gioia di costruire sulle idee degli altri. Nessuno direbbe che nessuno di questi artisti mancasse di immaginazione. Al contrario, Cubismo (1907-1917) dimostra che a volte l'immaginazione è ancora più fruttuosa quando chiede aiuto.

Immagine in evidenza: Pablo Picasso - Chitarra, Parigi, gennaio-febbraio 1914. Piastra di metallo e ferro, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Il Museum of Modern Art, New York. © 2018. Immagine digitale, Il Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze. © Successione Picasso 2018
Di Phillip Park