L'eredità di Sir Howard Hodgkin

Il rinomato pittore e incisore astratto britannico Howard Hodgkin è stato uno degli artisti più premiati della sua generazione. Rappresentò la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia del 1984 e vinse il Premio Turner nel 1985. Nel 1976 fu ammesso nell’Ordine dell’Impero Britannico (CBE); fu insignito del titolo di cavaliere nel 1992; e nel 2003, la regina Elisabetta II lo introdusse nell’Ordine dei Compagni d’Onore, entrando in una lista ristretta di soli altri tre artisti astratti—Henry Moore, Victor Pasmore e Bridget Riley—a cui era stata conferita la stessa distinzione. La celebre statura che Hodgkin raggiunse nel corso della sua carriera contrasta nettamente con le difficoltà dei suoi primi anni professionali. Nel 1981, Hodgkin dichiarò: “penso di essere stato fortunato perché non ho avuto alcun successo fino a quando non sono diventato di mezza età, ma ci sono stati molti momenti amari da vivere quando passava così tanto tempo prima che qualcuno sembrasse voler guardare i miei quadri.” Negli anni ’30, era così scoraggiato dai rifiuti da aver considerato il suicidio. Ma invece di cedere alla disperazione, si dedicò nuovamente all’espressione estetica del suo io interiore. Più Hodgkin si immergeva dentro di sé, più intuiva il rapporto tra emozione e gli elementi formali dell’arte, come il colore e la pittura; e più il suo lavoro divenne astratto. Alla fine della sua vita, Hodgkin creò un’opera distintiva basata su uno stile essenziale che comunicava il sentimento puro nei termini più semplici e diretti.

Figure e Sentimenti

Da tempo si discute se definire Howard Hodgkin un artista figurativo o astratto. I suoi primi lavori erano chiaramente basati sulla realtà, mostrando figure in spazi interni, talvolta in contesti sociali. Ma con l’evolversi della sua carriera sfumò il confine tra astrazione e figurazione, creando dipinti che si collocavano in una sorta di incrocio tra i due. Piuttosto che trattare solo contenuti specifici della sua vita, esplorò i modi in cui elementi formali come colore, motivo e superficie potessero evocare elementi emotivi nelle sue immagini. Per decenni i suoi dipinti contenevano minuscoli elementi figurativi inseriti in astratti campi di colore, forme e motivi. Ma anche quando dipingeva qualcosa che la maggior parte degli osservatori avrebbe considerato puramente astratto, Hodgkin amava dire che l’opera era ancora figurativa, poiché tutto si riferiva intimamente a una narrazione continua informata dalla sua realtà personale.

Hodgkin iniziò a esporre i suoi dipinti nel 1950 all’età di 18 anni, mentre era ancora studente. Infatti, una delle sue prime opere, un dipinto a guazzo su tavola intitolato Memoirs, realizzato quando aveva solo 16 anni, è considerato da alcuni appassionati tra i suoi migliori. Ricevette la sua prima mostra personale nel 1962, presso la rinomata Galleria Arthur Tooth & Sons di Londra. L’unica combinazione di figurazione e astrazione che definiva le opere di quella mostra fece emergere Hodgkin come unico e audace. Ma il pubblico britannico non comprese subito il lavoro, e la mostra non fu un successo commerciale. Passarono quasi dieci anni prima che gli spettatori della sua terra natale apprezzassero il suo talento distintivo.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Guazzo su tavola, 8 5/8 x 9 7/8 pollici, © The Estate of Howard Hodgkin

Ricordi dell’India

Fin da giovane, Howard Hodgkin capì che i dipinti che voleva realizzare erano più simili a reliquie estetiche dei suoi ricordi. Amante dei viaggi, molti dei suoi ricordi più intensi riguardavano i paesaggi spettacolari e le persone straordinarie incontrate all’estero. Alcune delle sue stampe più riuscite trattavano viaggi in India. In una serie di serigrafie intitolata Indian Views affrontò le piccole finestre orizzontali comuni sui lati dei treni in quel paese. Le immagini si leggono come semplici paesaggi con linee d’orizzonte, ma possono anche essere contemplate come campi di colore astratti.

Oltre al loro uso emotivo del colore, le sue serigrafie Indian View sono note anche perché contengono l’elemento estetico archetipico della cornice, che col tempo divenne di vitale importanza per Hodgkin. In molti dei suoi dipinti astratti dipinse una cornice rettangolare che conteneva l’immagine. Successivamente iniziò a incorniciare le superfici con vere cornici di legno, dipingendo l’immagine sia sulla superficie che sulla cornice, unendo i due elementi. La cornice dipinta definiva i suoi dipinti come oggetti resistenti a interferenze esterne e chiariva che il loro significato era interamente contenuto in sé stessi.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Serigrafia su carta, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Riconoscimento Esterno

Nonostante la mancanza di comprensione iniziale da parte del pubblico, Hodgkin continuò a esporre e a perseguire il suo stile unico, creando immagini ibride astratto-figurative e sviluppando un linguaggio visivo emotivo e colorato basato sui sentimenti. Nel 1971 fu invitato per la prima volta a esporre all’estero, a Colonia, in Germania. Quella mostra fu un successo, e l’anno seguente espose in una mostra collettiva a Parigi. L’anno dopo espose per la prima volta negli Stati Uniti, in una galleria di New York.

Con sua gioia, gli spettatori stranieri ebbero un’impressione molto diversa del suo lavoro. Dopo il debutto a New York, Hodgkin disse: “hanno capito subito che tipo di artista ero… la reazione è stata tale che ho sentito di comunicare con un pubblico. In Inghilterra raramente ho provato questa sensazione.” Forse grazie a questa attenzione internazionale, o forse perché il pubblico britannico si rese conto di ciò che si era perso, negli anni successivi la reputazione di Hodgkin in Gran Bretagna migliorò. Nel 1976 gli fu conferito il CBE e ricevette la sua prima mostra retrospettiva, al Museo di Arte Moderna di Oxford.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, olio su legno, 33 x 36 pollici, © The Estate of Howard Hodgkin

La Scuola di Londra

Sempre nel 1976, Hodgkin ebbe l’onore di essere incluso in un gruppo di artisti britannici associati a qualcosa chiamato la Scuola di Londra. Il pittore R. B. Kitaj coniò il termine Scuola di Londra in un saggio di catalogo scritto per una mostra intitolata The Human Clay. Kitaj intendeva il termine per attirare l’attenzione sul fatto che, in contrasto con le tendenze globali verso la Pop Art, il Minimalismo, l’Arte Concettuale e altri stili popolari, un gruppo di talentuosi artisti britannici stava esplorando con impegno la rilevanza moderna della figura umana nell’arte.

The Human Clay includeva le opere di 48 artisti; tra loro c’erano Kitaj e Hodgkin, oltre a diversi altri che in seguito divennero di grande influenza internazionale, come Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore e Lucian Freud. Ognuno di loro, all’epoca, stava effettivamente esplorando la figurazione in modi unici e moderni. Ma la maggior parte rifiutò comunque l’etichetta Scuola di Londra quando la sentì per la prima volta. Howard Hodgkin rifiutò l’etichetta, anche se aveva cinque opere nella mostra, il secondo numero più alto dopo qualsiasi altro artista. Essere incluso nella mostra fu comunque un incoraggiamento per Hodgkin e una grande convalida pubblica dei suoi sforzi.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, olio su legno, 44 1/4 x 50 pollici, © The Estate of Howard Hodgkin

Meno è di Più

Nel corso della sua carriera Hodgkin cercò modi per esprimere di più mostrando meno, riducendo infine gli elementi figurativi nel suo lavoro fino a renderli quasi assenti. In concomitanza con il più ampio riconoscimento pubblico che sperimentò alla fine degli anni ’70, Hodgkin attraversò anche una trasformazione nella sua vita personale. Dopo 20 anni di matrimonio con sua moglie Julia, Hodgkin dichiarò la sua omosessualità e concesse a Julia la custodia dei loro due figli. La sua vita divenne allo stesso tempo più semplice e più complessa. Sebbene i titoli delle sue opere da quel momento in poi mantenessero la qualità narrativa personale per cui il suo lavoro era noto, facendo riferimento a ricordi personali specifici, il contenuto delle sue immagini divenne drasticamente più astratto.

Anche se probabilmente avrebbe negato tale accusa, è facile vedere come liberarsi da una menzogna personale potesse anche liberarlo dalla necessità di investire le sue immagini di allusioni, permettendogli di diventare più diretto con le sue emozioni. Che ciò avesse a che fare o meno con quella circostanza, negli ultimi decenni della sua vita Hodgkin ridusse il suo linguaggio visivo in modo più drammatico che mai. Divenne più abile nel trasmettere il potenziale espressivo del colore, della pennellata, della superficie, della composizione e della pittura. Negli ultimi anni le sue composizioni furono le più semplici e forse le più profonde, comunicando abilmente la sua idea essenziale del potere fugace della memoria e dell’emozione.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, olio su legno, 31 x 35 pollici, © The Estate of Howard Hodgkin

Immagine in evidenza: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (dettaglio), 1961-62, olio su tela, 34 x 39 pollici
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio