L'eredità di Sir Howard Hodgkin

Il rinomato pittore astratto britannico e incisore Howard Hodgkin è stato uno degli artisti più decorati della sua generazione. Ha rappresentato la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia del 1984 e ha vinto il Premio Turner nel 1985. Nel 1976, è stato ammesso nell'Ordine dell'Impero Britannico (CBE); è stato nominato cavaliere nel 1992; e nel 2003, la regina Elisabetta II lo ha insignito dell'Ordine dei Compagni d'Onore, dove si è unito a un elenco selezionato di soli altri tre artisti astratti—Henry Moore, Victor Pasmore e Bridget Riley—che hanno ricevuto la stessa distinzione. La celebre statura che Hodgkin ha infine raggiunto nella sua carriera sta in netto contrasto con le difficoltà della sua vita professionale iniziale. Nel 1981, Hodgkin dichiarò: “Penso di essere stato fortunato in quanto non ho avuto affatto successo fino a quando non sono diventato di mezza età, ma ci sono stati molti momenti amari da vivere quando è passato così tanto tempo prima che qualcuno sembrasse voler guardare i miei quadri.” Nei suoi trent'anni, era così desolato per i rifiuti che considerò il suicidio. Ma piuttosto che cedere alla disperazione, si ridedicò all'espressione estetica del suo io interiore. Più Hodgkin si addentrava dentro di sé, più intuitivamente afferrava la relazione tra emozione e gli elementi formali dell'arte, come colore e pittura; e più il suo lavoro divenne successivamente astratto. Alla fine della sua vita, Hodgkin creò un'opera distintiva basata su uno stile ridotto che comunicava sentimenti grezzi nei termini più semplici e diretti.

Figure e Sentimenti

C'è da tempo un dibattito su se dovremmo riferirci a Howard Hodgkin come artista figurativo o astratto. Le sue opere iniziali erano chiaramente basate sulla realtà, mostrando figure in spazi interni, a volte in circostanze sociali. Ma man mano che la sua carriera si evolveva, ha sfumato il confine tra astrazione e figurazione, creando dipinti che abitavano una sorta di incrocio tra i due. Piuttosto che occuparsi esclusivamente di contenuti specifici della sua vita, ha esplorato i modi in cui elementi formali come colore, motivo e superficie potessero evocare elementi emotivi all'interno delle sue immagini. Negli anni successivi, i suoi dipinti contenevano minuti elementi figurativi incastonati all'interno di campi di colore, forme e motivi astratti. Ma anche quando dipingeva qualcosa che la maggior parte degli spettatori considererebbe puramente astratto, Hodgkin amava dire che l'opera era ancora figurativa, poiché tutto era intimamente legato a una narrazione in corso informata dalla sua realtà personale.

Hodgkin iniziò a mostrare i suoi dipinti nel 1950 all'età di 18 anni, mentre era ancora studente. Infatti, uno dei suoi primi lavori, un gouache su tavola intitolato Memoirs, dipinto quando aveva solo 16 anni, è considerato da alcuni fan tra i suoi migliori. Ricevette la sua prima esposizione personale nel 1962, presso la rinomata Arthur Tooth & Sons Gallery di Londra. L'unico mix di figurazione e astrazione che definiva le opere in quella esposizione fece sì che Hodgkin si distinguesse come unico e audace. Ma il pubblico britannico non comprese immediatamente il lavoro, e l'esposizione non ebbe successo commerciale. Sarebbe passato quasi un decennio prima che gli spettatori nella sua patria iniziassero ad apprezzare il suo talento distintivo.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Ricordi dell'India

All'inizio della sua vita, Howard Hodgkin si rese conto che i dipinti che voleva realizzare erano più simili a reliquie estetiche dei suoi stessi ricordi. Essendo una persona che amava particolarmente viaggiare, molti dei suoi ricordi più potenti riguardavano i paesaggi spettacolari e le persone straordinarie che incontrava all'estero. Alcune delle stampe più riuscite che realizzò riguardavano i viaggi che fece in India. In una serie di serigrafie che creò intitolata Indian Views, affrontò i piccoli finestrini orizzontali comuni sui lati dei treni in quel paese. Le immagini si leggono come semplici paesaggi con linee di orizzonte, ma possono anche essere contemplate come campi di colore astratti.

Oltre al loro uso emotivo del colore, le sue serigrafie Indian View sono anche notevoli in quanto contengono l'elemento estetico archetipico della cornice, che nel tempo divenne vitale per Hodgkin. In molti dei suoi dipinti astratti dipinse una cornice rettangolare che conteneva l'immagine. Poi, in seguito, iniziò a incorniciare le sue superfici in vere cornici di legno, dipingendo l'immagine sia sulla superficie che sulla cornice, combinando i due. La cornice dipinta definiva i suoi dipinti come oggetti resistenti a interferenze esterne e chiariva che il loro significato era interamente contenuto in se stessi.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Riconoscimento esterno

Nonostante la mancanza di comprensione che Hodgkin ricevette inizialmente dal pubblico, continuò a esporre e a perseguire il suo stile unico, creando immagini ibride astratto-figurative e sviluppando un linguaggio visivo emotivo e colorato basato sui sentimenti. Nel 1971, fu invitato per la prima volta a esporre all'estero, a Colonia, in Germania. Quell'esposizione ebbe successo, e l'anno successivo espose in una mostra collettiva a Parigi. E l'anno dopo espose per la prima volta negli Stati Uniti, in una galleria a New York.

Con sua grande gioia, gli spettatori stranieri avevano un'impressione molto diversa del suo lavoro. Dopo il suo debutto a New York, Hodgkin disse: “si resero subito conto che tipo di artista fossi... la reazione fu tale che sentii di comunicare con un pubblico. Raramente ho provato questo in Inghilterra.” Forse a causa di questa attenzione internazionale, o forse perché gli spettatori britannici si resero semplicemente conto di ciò che avevano perso, nei successivi anni Hodgkin vide migliorare la sua reputazione in Gran Bretagna. Nel 1976, gli fu conferito il CBE e ricevette la sua prima retrospettiva, al Museo di Arte Moderna di Oxford.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

La Scuola di Londra

Sempre nel 1976, Hodgkin ricevette l'onore di essere incluso in un gruppo di artisti britannici associati a qualcosa chiamato la Scuola di Londra. Il pittore R. B. Kitaj coniò il termine Scuola di Londra in un saggio di catalogo che scrisse per un'esposizione intitolata L'argilla umana. Kitaj intendeva il termine per attirare l'attenzione sul fatto che, in contrasto con le tendenze globali verso la Pop Art, Minimalismo, Arte concettuale e altri stili popolari, un gruppo di talentuosi artisti britannici stava diligentemente esplorando la rilevanza moderna della figura umana nell'arte.

La Human Clay includeva il lavoro di 48 artisti; tra di loro c'erano Kitaj e Hodgkin, così come diversi altri che successivamente divennero vitale influenti a livello internazionale, come Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore e Lucian Freud. Ognuno di loro, all'epoca, stava effettivamente esplorando la figurazione in modi unicamente moderni. Ma la maggior parte, tuttavia, rifiutò l'etichetta Scuola di Londra quando la sentì per la prima volta. Howard Hodgkin rifiutò l'etichetta, anche se aveva cinque opere nella mostra, il secondo numero più alto di qualsiasi artista. Essere incluso nella mostra, tuttavia, fu un impulso per Hodgkin e una grande validazione pubblica dei suoi sforzi.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Meno è meglio

Nel corso della sua carriera, Hodgkin cercò modi per esprimere di più mostrando di meno, riducendo infine gli elementi figurativi nel suo lavoro fino a renderli quasi assenti. In concomitanza con il riconoscimento pubblico più ampio che sperimentò alla fine degli anni '70, Hodgkin subì anche una transizione nella sua vita personale. Dopo 20 anni di matrimonio con sua moglie Julia, Hodgkin dichiarò di essere gay e concesse a Julia la custodia dei loro due figli. La sua vita divenne simultaneamente più semplice e più complessa. Sebbene i titoli delle sue opere da questo momento in poi mantenessero la qualità narrativa personale per cui il suo lavoro era diventato noto, facendo riferimento a specifici ricordi personali, il contenuto delle sue immagini divenne drammaticamente più astratto.

Anche se probabilmente avrebbe negato un'accusa del genere, è facile vedere come liberarsi da una falsità personale avrebbe potuto anche liberarlo dalla necessità di investire la sua immagine di allusioni, permettendogli di diventare più diretto con le sue emozioni. Che avesse o meno a che fare con quella circostanza, negli ultimi decenni della sua vita Hodgkin ha semplificato il suo linguaggio visivo in modo più drammatico che mai. È diventato più abile nel trasmettere il potenziale espressivo del colore, della pennellata, della superficie, della composizione e della vernice. Negli ultimi anni le sue composizioni erano le più semplici e forse le più profonde, comunicando con abilità la sua idea essenziale del potere fugace della memoria e dell'emozione.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Immagine in evidenza: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (dettaglio), 1961-62, Olio su tela, 34 x 39 pollici
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park