テートにおける100年のアートと抽象写真
抽象写真に関する議論は、デジタル写真と写真加工が普及するにつれて、近年非常に興味深いものになっています。2018年5月にテートで開催される新しい展覧会は、その議論をさらに広げることを約束しています。光の形：写真と抽象芸術の100年では、100人以上のアーティストによる300点以上の作品が展示されます。この展覧会は、抽象写真の歴史を、絵画や彫刻における抽象の発展と関連付けて考察します。純粋な抽象は、20世紀の最初の10年間に西洋の絵画や彫刻に広く現れました。しかし、写真は少し遅れをとっていました。その時点でほぼ1世紀の発展の時間があったにもかかわらず、写真は本当に美術と見なされていませんでした。その唯一の用途は、現実を示す手段として認識されていました—銀塩に焼き付けられた凍った瞬間です。しかし、より哲学的な初期の写真家たちは、画像を捉えるのではなく、写真プロセスが本当に捉えるのは光であることに気づきました。彼らは、写真家が画家や彫刻家と同様に、光を使って純粋な抽象的構成を作る可能性があることを見出しました。さまざまな写真家が数十年にわたり抽象を達成するための異なる方法を試みてきたことで、写真を定義するものや、何が画像を抽象的にするのかについて多くの実りある議論が生まれました。これらの議論の成果を他のタイプの抽象芸術の進展と並べて対比させることで、光の形は、抽象写真が時には絵画や彫刻の足跡をたどり、他の時には道を切り開いたかを発見する魅力的な機会を提供します。
ボルトグラフに入る
抽象写真の歴史における重要な転換点の一つは、世紀の変わり目に起こりました。二つの写真家グループ、フォト・サクセッションとリンクド・リングが、写真を美術として受け入れることを主張し始めたのです。アルビン・ラングドン・コバーンは、両グループの重要なメンバーでした。コバーンは、彼が純粋に抽象的な写真の最初のタイプであるボルトグラフの発明者と見なされているため、光の形に prominently featured されます。最初のボルトグラフは、コバーンがカメラの前面に三つの鏡を三角形の形に取り付けたときに撮影されました。本質的に、鏡は万華鏡のように機能しました。その結果得られた写真は、強い対角線と三角形の形で満ちた、壊れた現実を示しています。その線と形の言語は、エズラ・パウンドに画像をボルトグラフと呼ばせました。なぜなら、それらはボルティシストの絵画に似ているからです。
ラースロー・モホリ＝ナジ - フォトグラム、約1925年、写真、ゼラチンシルバープリント、181 x 238 mm、ジャック・カークランドコレクション、ノッティンガム
テートでは、ウィンダム・ルイスのようなアーティストによるボルティシストの絵画と、コバーンによるボルトグラフが展示されます。また、ジョルジュ・ブラックのようなキュビストの画家の作品と並べて展示されます。キュビズムとの比較はすでに明らかかもしれません。なぜなら、キュビズムとボルトグラフは、視覚空間を複数の同時的な視点に分割するからです。しかし、ボルティシストの絵画との比較は少し不明瞭かもしれません。ボルティシズムは、キュビズムと未来派の混合物でした。それは、両者の外観を組み合わせる純粋に形式的な試みでした。コバーンがボルトグラフを発明したとき、彼は全く独自のことをしていました。彼はトレンドを模倣しようとしていたわけではありませんでした。彼は、写真が客観的現実以外の何かを捉えるために使用できることを証明しようとしていました。この理由から、Shape of Lightは、コバーンが彼のボルティシストの同僚たちよりもはるかに革新者であったことを明らかにし、抽象写真が独自のルーツを主張する一つの方法を照らし出しています。
バーバラ・カステン - フォトジェニック・ペインティング、無題 74/13 (ID187)、1974年、写真、塩紙プリント、558 x 762 mm、アーティスト、トーマス・デーン・ギャラリーおよびボルトラーミ・ギャラリー提供、ニューヨーク、© バーバラ・カステン
数十年にわたる抽象写真
Shape of Lightで提供されるもう一つの魅力的な対比は、アンドレ・ケルテスの写真がシュルレアリスムの画家たちの作品と文脈の中で配置されることです。1933年、ケルテスは「ディストーション」と呼ばれる一連の写真を制作し、鏡を使って人間の身体の歪んだ、引き伸ばされた、生物的なイメージを作り出しました。これらの写真は、ピカソ、ミロ、その他の画家によるシュルレアリスムの人間の形と多くの共通点を持っています。ディストーションはシュルレアリスム運動が始まってから10年以上経ってから作成されたため、ケルテスがシュルレアリストを模倣しているように見えるかもしれません。しかし、ケルテスが歪んだ写真を初めて発表したのは実際には1917年のことでした。「アンダーウォーター・スイマー」と題されたその画像は、奇妙な風景の中で波打つように引き伸ばされた人間の形を示しています。それはサルバドール・ダリの絵画に自然にフィットするでしょう。シュルレアリスムの始まりの3年前の日付が付けられており、写真が抽象芸術の軌跡に影響を与えたかどうか、またその方法について再び疑問を提起します。
光の形も二人のミッドセンチュリーアーティスト、オットー・シュタイネルトとジャクソン・ポロックの作品を対比させています。シュタイネルトは写真の世界で多様な遺産を残しましたが、彼の最も重要な貢献の一つは、1950年代に「主観的写真」と呼ばれる巡回展を組織したことでした。「主観的写真」展のアイデアは、外の世界を捉えるのではなく、写真が写真家の内なる世界を表現することができることを示すことでした。1950年代のシュタイネルトのルミノグラムとジャクソン・ポロックのスプラッターペインティングやドリップペインティングを並べて展示することで、光の形は、抽象表現主義の哲学と美学、そして主観的写真のそれとの関連を示すでしょう。そして、この展覧会にはもっと多くのものがあります。ラースロー・モホリ＝ナジ、ビル・ブラント、ギー・ブールダン、ジャック・マエ・ド・ラ・ヴィレグレなどのモダニストの伝説を研究するだけでなく、バーバラ・カステンやジェームズ・ウェリングなどの多くの現代の抽象写真家も検討しています。これらの多様なアーティストを相互に展示することは、先見の明のあるアイデアです。それは、私たちに抽象写真の歴史を知るか再検討する機会を提供するだけでなく、写真とは何か、抽象を定義するものは何か、そしてどのアーティストが抽象芸術の歴史を形作る上で真に責任を持っているのかについての既存の概念を打ち砕く機会も提供します。
光の形：写真と抽象芸術の100年は、2018年5月2日から10月14日まで、ロンドンのテート・モダンで開催されます。
特集画像：オットー・シュタインert - ルミノグラム II, 1952年, 写真, ゼラチンシルバープリント, 302 x 401 mm, ジャック・カークランドコレクション ノッティンガム, © オットー・シュタインert遺族, フォルクヴァング美術館, エッセン
フィリップ Barcio による
