テートにおける100年のアートと抽象写真

抽象写真をめぐる議論は、デジタル写真や画像加工が広く普及した近年、非常に興味深いものとなっています。2018年5月にテートで開かれる新しい展覧会は、その議論をさらに広げることを約束しています。光の形：写真と抽象美術の100年では、100人以上の作家による300点以上の作品が展示されます。この展覧会は、絵画や彫刻における抽象の発展とともに、抽象写真の歴史を探ります。純粋な抽象は20世紀初頭の西洋の絵画や彫刻で広く現れましたが、写真は少し遅れていました。その時点でほぼ1世紀の発展期間があったにもかかわらず、写真はまだ真の美術とは見なされていませんでした。写真の唯一の用途は現実を示す手段、すなわち銀塩に焼き付けられた時間の凍結された瞬間と考えられていました。しかし、初期の哲学的な写真家の中には、画像を捉えるのではなく、写真の過程が本当に捉えているのは光であると気づいた者もいました。彼らは、画家や彫刻家が絵の具や木、鉛筆、石の代わりに光を使って純粋な抽象的構成を作り出せる可能性を見出したのです。数十年にわたり様々な写真家が抽象を実現する方法を試みる中で、写真とは何か、そして何が画像を抽象的にするのかという多くの実りある議論が生まれました。これらの議論の成果を他の抽象美術の進展と並べて展示することで、光の形は、抽象写真が時に絵画や彫刻の足跡をたどり、また時に先駆けた様子を発見する魅力的な機会を提供します。

ヴォルトグラフの登場

抽象写真の歴史における重要な転換点の一つは、世紀の変わり目頃に、フォト・サクセッションとリンクド・リングという二つの写真家グループが写真を美術として認めさせようと活動を始めた時期です。アルヴィン・ラングドン・コバーンは両グループの重要なメンバーでした。コバーンは光の形で大きく取り上げられます。彼はヴォルトグラフの発明者とされているからです。ヴォルトグラフは純粋な抽象写真の最初のタイプです。最初のヴォルトグラフは、コバーンがカメラの前面に三つの鏡を三角形に取り付けて撮影したものでした。鏡は本質的に万華鏡の役割を果たしました。結果として得られた写真は、強い斜めの線や三角形の形が満ちた分断された現実を映し出しています。その線と形の言語は、エズラ・パウンドにヴォルトグラフと名付けられた理由であり、ヴォルティシズムの絵画に似ているからです。

ラースロー・モホリ＝ナジ - フォトグラム、約1925年、写真、ゼラチンシルバープリント、181 x 238 mm、ジャック・カークランド・コレクション、ノッティンガム

テートでは、ウィンダム・ルイスなどのヴォルティシズムの絵画とコバーンのヴォルトグラフが並べて展示されます。また、ジョルジュ・ブラックなどのキュビスムの画家の作品とも対比されます。キュビスムとの比較はすでに明らかかもしれません。両者とも視覚空間を複数の同時的な視点に分割するからです。しかし、ヴォルティシズムの絵画との比較はやや分かりにくいかもしれません。ヴォルティシズムはキュビスムと未来派の融合でした。見た目を純粋に組み合わせようとした形式的な試みです。コバーンがヴォルトグラフを発明した時、彼は全く独自のことをしていました。流行を模倣しようとはしていませんでした。写真が客観的現実以外の何かを捉えることができることを証明しようとしていたのです。このため、光の形は、コバーンがヴォルティシズムの仲間たちよりもはるかに革新者であったことを明らかにし、抽象写真が独自の根源を持つことを示しています。

Barbara Kasten - フォトジェニック・ペインティング、無題74/13（ID187）、1974年、写真、塩化紙プリント、558 x 762 mm、作家提供、トーマス・デイン・ギャラリーおよびボルトラーミ・ギャラリー、ニューヨーク、© Barbara Kasten

時代を超えた抽象写真

光の形で提供されるもう一つの興味深い対比は、アンドレ・ケルテスの写真とシュルレアリスムの画家たちの作品の並置です。1933年、ケルテスは「ディストーションズ」と呼ばれる一連の写真を制作しました。そこでは鏡を使って人間の身体をねじれ、伸び、生命体のような形に変形させています。これらの写真は、ピカソやミロなどのシュルレアリスムの人間像と多くの共通点を持っています。ディストーションズはシュルレアリスム運動が始まってから10年以上経ってから作られたため、ケルテスがシュルレアリストを模倣したように見えるかもしれません。しかし、ケルテスが最初に歪んだ写真を発表したのは1917年のことでした。「水中の泳者」と題されたその写真は、波打つように伸びた人間の形を不気味な風景の中に写し出しています。これはサルバドール・ダリの絵画に自然に溶け込むような作品です。シュルレアリスムの始まりより3年前の日付であり、写真が抽象美術の進路に実際に影響を与えたかどうか、またどのように影響を与えたかという疑問を再び投げかけます。

光の形はまた、20世紀半ばの二人の作家、オットー・シュタイナートとジャクソン・ポロックの作品を並べて展示します。シュタイナートは写真の世界に多様な遺産を残しましたが、最も重要な貢献の一つは1950年代に「主観的写真」と呼ばれる巡回展を企画したことです。この主観的写真展の目的は、写真が外の世界を写し取るのではなく、写真家の内面世界を表現できることを示すことでした。1950年代のシュタイナートのルミノグラムをジャクソン・ポロックのスプラッターやドリップ絵画と並べて展示することで、光の形は抽象表現主義の哲学と美学と主観的写真のそれとのつながりを示します。この展覧会にはそれだけでなく、ラースロー・モホリ＝ナジ、ビル・ブランド、ギー・ブルダン、ジャック・マヘ・ド・ラ・ヴィレグレといったモダニストの巨匠たちの研究に加え、Barbara Kastenやジェームズ・ウェリングなど多くの現代抽象写真家も取り上げられています。これら多様な作家たちを並べて見せることは先見の明のある試みです。抽象写真の歴史を知る、あるいは再検討する機会を提供するだけでなく、写真とは何か、抽象とは何か、そして抽象美術の歴史を形作った真の作家たちは誰かという既成概念を打ち砕く機会も与えてくれます。

光の形：写真と抽象美術の100年は2018年5月2日から10月14日まで、ロンドンのテート・モダンで開催されます。

表紙画像：オットー・シュタイナート - ルミノグラム II、1952年、写真、ゼラチンシルバープリント、302 x 401 mm、ジャック・カークランド・コレクション、ノッティンガム、© オットー・シュタイナート遺産、フォルクヴァング美術館、エッセン

フィリップ・Barcio 著