画期的でありながら忘れ去られた - マーク・トビーの芸術

今年の夏、イタリア・ヴェネツィアのペギー・グッゲンハイム・コレクションでは、20年以上ぶりとなるマーク・トビーの絵画の大規模なヨーロッパ回顧展を開催しています。展覧会のタイトルはMark Tobey: Threading Lightで、1920年代後半から1970年代初頭にかけてトビーが制作した66点の主要作品が展示されています。この作品群は、トビーが人間存在の普遍性を表現する方法を模索する中で辿った様々な変遷を浮き彫りにしようとしています。彼は商業イラストレーターや肖像画家としてキャリアを始めましたが、30代で絵画に転向しました。最初は具象的な作品を描いていましたが、すぐに新しい美的視点を開発する方法についてのモダニズムの議論に関わるようになりました。この点での彼の最終的な成果は非常に大きく、今日多くの人がトビーのことを完全に忘れているか、あるいは聞いたこともないのは奇妙なことです。つい最近まで、彼は世界で最も重要で影響力のある画家の一人と見なされていました。この事実が、今回の展覧会の時期と場所を特にふさわしいものにしています。この展覧会は2017年のヴェネツィア・ビエンナーレに合わせて開催されており、1958年の前回のヴェネツィア・ビエンナーレでマーク・トビーが歴史を作ったことをさりげなく思い起こさせます。トビーはその年、マーク・ロスコと共にアメリカ合衆国を代表しました。ロスコは今日アメリカでより有名かもしれませんが、1958年のヴェネツィア市絵画賞を受賞したのはトビーの作品Capricornであり、これは1895年の初回ヴェネツィア・ビエンナーレ以来初めてアメリカ人画家に金賞が授与された例でした。

開かれた心

マーク・トビーは1890年、アメリカ中西部のウィスコンシン州センタービルで生まれました。すぐにウィスコンシンを離れましたが、その風景を愛し、初期の作品にしばしば取り入れています。彼の世代の多くのアメリカの抽象画家がニューヨークでの生活と制作を好んだのに対し、トビーは成人後の多くの期間をシアトルで過ごしました。この運命的な選択が、彼の芸術家としての発展を特徴づける自由さと開かれた心をもたらしたのかもしれません。シアトルに住んでいたもう一人の人物、武道家のブルース・リーもトビーと似た人生観を持っていました。リーは「ジークンドー」と呼ばれる戦いの方法を創始し、それを「無様式の様式」と表現しました。つまり、戦う者は教義を拒否し、あらゆることを学び、役立つものを取り入れ、役立たないものは捨てるべきだという考えです。この「無様式の様式」はリーが禅仏教を学ぶ中で得た教えに由来し、トビーが何年も前に絵画に対して築いたアプローチと非常に似ています。

トビーは1930年代に初めてアジアを訪れました。この旅は、彼が絵画における空間の扱いに悩んでいた時期にあたります。彼は作品に奥行きや立体感を持たせるべきか、それともそれを捨てて平面性を受け入れるべきか決めかねていました。日本、上海、香港を訪れたことで、アジアの芸術家たちが歴史を通じて空間をどのように扱ってきたかについて新たで深い理解を得ました。彼は1920年代にシアトルで暮らしながら中国の書道の技法を学んでいましたが、この旅で書と象徴がアジア美術の大きな美的アプローチにどのように組み込まれているかをより完全に認識しました。この啓示は、彼に自分の文化の芸術の作り方だけでなく、あらゆる文化の芸術の作り方を学ぶべきだという考えを開かせました。

マーク・トビー - Crystallizations, 1944年、スタンフォード大学アイリス＆B.ジェラルド・カントー視覚芸術センター、メイベル・アシュリー・キザー基金、メリッタ＆レックス・ヴォーン寄贈、現代美術取得基金

全体を覆う絵画

アジアから帰国して間もなく、トビーは最も影響力のある作品の一つである「ブロードウェイ」を制作しました。これはニューヨークの有名な通りの形、色、光をやや具象的に表現した作品ですが、そのアプローチは変革的です。構成は何百もの小さなジェスチャー的な白い線で成り立っています。書き文字に似ていますが、具体的な言葉を綴っているわけでも、現実の形を直接表しているわけでもありません。詩的で喚起的なものです。この絵は今日、トビーが生涯を通じて追求した「白い書き文字」と呼ばれる美学スタイルの先駆けと見なされています。

「ブロードウェイ」は1936年に描かれました。その後の数年間、トビーはこの作品で示したアプローチを発展させました。彼は書道的な線を抽象化し、すぐに具象的な形をすべて捨てました。彼はイメージ以上に感情を伝えることに専念しました。最も重要なのは、キャンバスの表面全体を覆い、どの部分も特別扱いしない構成を作ることにこだわったことです。この考えは後に評論家クレメント・グリーンバーグによって「全体を覆う絵画」としてジャクソン・ポロックの1940年代の作品に言及された際に強調されましたが、実際にはポロックが何年も前に見ていたトビーがこのアプローチの先駆者でした。

マーク・トビー - Threading-Light, 1942年、ニューヨーク近代美術館所蔵

無派閥の学派

マーク・トビーはジャクソン・ポロックやニューヨーク派の他の画家たちと確かに面識がありました。トビーの作品は1946年のニューヨーク近代美術館での展覧会Fourteen Americansに出品されており、そこにはアーシル・ゴーキーやロバート・マザウェルも参加していました。しかし、これらのニューヨークの画家たちと彼らの支持者グリーンバーグが、自分たちが本質的にアメリカ的な芸術の出現の一部であるという神話を受け入れたのに対し、トビーはその考えを拒否しました。彼は芸術が狭い定義や国粋主義、政治、文化、地理といった些細な概念に縛られるべきではないと主張し、自分の作品が明らかにニューヨーク派の先駆けであったにもかかわらず、その学派に属することを拒みました。

代わりに、トビーは後にブルース・リーが述べたのと同じアプローチを採用しました。これを「無派閥の学派」と呼びましょう。トビーは旅をし、読書をし、実験を重ね、できる限り多くの異なる方法を学び、役立つものを取り入れ、役立たないものは捨てました。彼は禅仏教を学び、日本の墨絵も習得しました。彼の開かれた心と探求心はMark Tobey: Threading Lightに収められた作品群に明らかで、墨絵作品やその技法から発展した作品、例えば直接墨の飛沫を取り入れたCity Reflectionsや、より繊細に墨絵を参照し白い書き文字と結びつけたLumber Baronsなども含まれています。

マーク・トビー - Wild Field, 1959年、ニューヨーク近代美術館、シドニー＆ハリエット・ジャニス・コレクション

普遍的な美の言葉

国粋主義や地域的なレッテルを軽蔑したことに加え、トビーがアメリカ美術史の多くの作家に忘れられた大きな理由の一つは、彼の明確な霊性にあります。アメリカの美術界が霊性のない場所だと言うわけではありません。ワシリー・カンディンスキーやピート・モンドリアンが霊性について語ったように、アグネス・マーティンや多くの人々が普遍性について語ったように、マーク・ロスコが超越や瞑想について語ったように、霊性や普遍性について語ることは問題ありません。しかし「宗教」という言葉は人々を怖がらせます。アメリカの機関は商業的に脅かされる可能性のあるものを避けます。20世紀半ばには、露骨な宗教的主張は一般的に商売に良くないと考えられていました。しかしトビーはそんなことを気にしませんでした。彼は自分の宗教的信念を躊躇なく語り、芸術を通じて人類の統一と平和を助ける普遍的な言語を作り出すことを目標にしていると頻繁に公言しました。もちろん、これが彼がアメリカで無視された理由かどうかは推測に過ぎません。幸いにも、母国からの冷遇にもかかわらず、トビーは特にヨーロッパで長く実り多いキャリアを享受し、生前から尊敬され、今日ではタシスムやアール・アンフォルメルの先駆者と見なされています。Mark Tobey: Threading Lightはイタリア・ヴェネツィアのペギー・グッゲンハイム・コレクションで2017年9月10日まで開催中です。

マーク・トビー - World, 1959年、ニューヨーク私蔵

表紙画像：マーク・トビー - 無題、墨画（部分）、1944年、バッファロー・ニューヨーク、アルブライト＝ノックス美術館マーサ・ジャクソン・コレクション所蔵

フィリップ・Barcio 著