メトロポリタン美術館が抽象表現主義の深い遺産を探求する

ニューヨークのメトロポリタン美術館（The Met Fifth Avenue）は今週、エピック・アブストラクション：ポロックからヘレラをオープンしました。過去1世紀の最も魅力的な抽象芸術家たちによる50点以上の主要作品を展示しており、この展覧会は壮大なスケールの影響を探求するため、その名が付けられています。壮大さは、時には巨大なアートワークを通じて表現されます — 例えば、ギャラリーを支配するルイーズ・ネヴェルソンの彫刻「ミセス・Nの宮殿」（1964–77）など — 時には巨大なアイデアを通じて — 無意識の秘密を表現する絵画を作成するために自動描画を用いるというアイデアなど — そして時には技術的手法を通じて、ソーントン・ダイアルの非常に複雑なアセンブラージュ作品のように表現されます。一方、展覧会のサブタイトル「ポロックからヘレラ」は、2つの一般的なアイデアを参照しています。1つ目は、1940年代にジャクソン・ポロックが行った作品が、抽象芸術の世界における海の変化を意味したという理論です：より大きなものが本当により良いと見なされるようになった瞬間です。2つ目は、キューバ生まれのミニマリストアーティスト、カルメン・ヘレラのような比較的過小評価されているアーティストの作品が、著名なスーパースターたちの作品と同じくらい重要であるということです。実際、前述の発見物アセンブラージュアーティスト、ソーントン・ダイアルや、画期的な（文字通り）パフォーマンス作品「泥に挑戦する」（1955）を創作した悪名高い具大（Gutai）グループのメンバー、白髪和夫、そして革新的なハンガリーの抽象画家イロナ・ケセリュのような、多くの露出の少ないアーティストの作品が展示されています。キュレーションは、チャカイア・ブッカーやマーク・ブラッドフォードのような若い抽象アーティストの作品にまで及び、現在に至ります。キュレーターたちが展覧会のための教育的資料で述べているもう1つの核心的な仮定は、存在的な不安が抽象アーティストたちが70年前に壮大な作品を作り始める原動力であったということです。この展覧会は、あなたに次のような問いを投げかけるかもしれません：壮大な抽象芸術は私たちの不安を和らげるために何かをしたのでしょうか？それとも、単に存在的な不安を私たちの人間の状態にとって根本的なものとして受け入れる手助けをしただけなのでしょうか？

歴史に残る場所

エピック・アブストラクションに含まれる有名なアーティストの名簿は、アート史の愛好家を興奮させるでしょう：上記の巨匠たちに加えて、ヘレン・フランケンターラー、ジョーン・スナイダー、サイ・トゥオンブリー、バーネット・ニューマン、フランツ・クライン、ウィレム・デ・クーニング、クライフォード・スティル、マーク・ロスコ、ヘッダ・スターン、ジョーン・ミッチェル、エルスワース・ケリー、ロバート・マンゴールド、モリス・ルイスの作品があります。そして、ほとんどの訪問者にとって新しいアーティストの作品の例もたくさんあります。例えば、日本の書道的抽象主義者井上裕一、フィリピンの抽象アーティストアルフォンソ・オソリオ、ミニマリスト彫刻家Anne・トゥルイット、アルゼンチンの色彩の天才アレハンドロ・プエンテなどです。しかし、この歴史的な攻撃の規模を除けば、私がキュレーションについて最もエピックだと感じたのは、特に2つの作品が実際に展示のサブタイトルの中に隠れている物語を覆すことです。ポロックとエレラを挙げて他のアーティストとは別に設定することで、キュレーターたちは抽象表現主義とミニマリズムが考慮されている最も影響力のあるムーブメントであり、絵画が展示の主要な焦点であることを示唆しているように思えます。しかし、ポロックとエレラの作品、手法、業績は、素晴らしいものであるにもかかわらず、この展示会で最もエピックなものとはほど遠いのです。

その名誉は、私の意見では、ルイーズ・ネヴェルソンとソーントン・ダイアルに与えられるべきです。展示されているネヴェルソンの彫刻は、彼女の作品に初めて触れる観客に、なぜ誰もがポロックについて語るのか、ネヴェルソンが彼の同時代人であったのにと疑問を抱かせるでしょう。彼女の作品は、技術的により厳密で、概念的により興味深く、ニューヨークの精神により関連しています。ポロックは、実質的には、他のアーティストのアイデアや手法を借りて完璧にすることで、少し新しい地平を切り開きました。そして、次の論理的なステップを踏んで有名になった後、影響力のある批評家と友人だったために、ポロックは自己崩壊しました。彼の絵画は魅了しますが、ネヴェルソンはポロックよりもはるかに多くのことを成し遂げ、より独創的で、はるかに長い間活動し、より興味深く考えさせられる芸術とアイデアの遺産を残しました。

長い間失われた声

次に、ソーントン・ダイアルがいます。彼の「フィールドの影」（2008年）は、私の目と心にとって、展示の中で最も心に残る作品です。その叙事詩的な性質は、素材、構造、色、そしてその形の中に潜む物理的および形而上的な隠れた世界に含まれています。見つけられた廃棄物から組み立てられたこの作品は、ダイアルが1928年に生まれた不公正でしばしば残酷な農業システムである小作農制度の遺産を呼び起こすことを意図しています。ツイスト、合成綿バッティング、バーレップ、金属板、布のぼろ、金属の巨大なアセンブリは、疲労の物理的存在感を持っています。それは、硬さと脆さの融合を体現しています。アーティストが80歳の時に作られたこの作品は、彼の独学の手をも示しています。実際、ポロックが金持ちになり、酒に溺れて死にかけている間、ダイアルは貧困の中で生き、ほとんどの黒人アメリカ人がアーティストとしてだけでなく、支払う訪問者としても美術館から排除される人種差別的な社会システムの中で生き延びるために骨を折って働いていました。

おそらく、この展覧会が時間を進めるにつれて、エピックとは何かの他の定義が浮かび上がり、さらに強力で魅力的な作品が登場するかもしれません。結局のところ、展覧会の日程は無期限であり、展示される作品は、The Metの常設コレクションから定期的に入れ替えられます。しかし今のところ、メトロポリタン美術館が最近取得したダイアルの10作品のうちの1つである「フィールドの影」が、最もエピックな声明を発しています。これは、訓練を受けていない南部の黒人小作農が、過去70年間で最も力強く意味のある抽象芸術作品を作り出し、彼よりもはるかに特権と機会を享受していたアーティストの作品を超えたことを示しています。また、苦悩が私たちの人間の状態の避けられない一部であるかもしれない一方で、そこから流れ出る芸術は、しばしば救いの恵みとなることができる、そして実際にそうであることを示しています。

特集画像: ルイーズ・ネヴェルソン - ミセスNの宮殿, 1964–77。塗装木材、鏡、140 x 239 x 180 インチ (355.6 x 607.1 x 457.2 cm)。メトロポリタン美術館、アーティストからの寄贈、1985 © 2018 ルイーズ・ネヴェルソン遺産 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
フィリップ Barcio による