미첼-인네스와 내쉬, 줄리안 스탄차크의 예술에 경의를 표하다

화가 줄리안 스탄차크가 올해 초 오하이오주 클리블랜드 고향에서 88세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그의 죽음 이전에, 뉴욕의 미첼-인스와 내쉬 갤러리는 그의 작품에 대한 두 번째 개인전이 계획되고 있었습니다. 그 전시는 스탄차크가 세상을 떠난 지 두 달도 채 되지 않은 5월 18일에 열렸으며, 단순한 전시 이상의 의미를 갖게 되었습니다. 이는 진정으로 사랑받고 영향력 있는 예술가의 작업과 삶을 기념하는 행사입니다. 전시의 부제는 표면의 삶, 1970-1975년의 회화입니다. 이는 70년대의 5년 동안 제작된 작품만을 특징으로 하고 있습니다. 그러나 더 중요한 것은 스탄차크가 그의 작업과 예술계에 가져온 삶에 대한 언급입니다. 결국 옵 아트로 알려지게 된 것의 선구자 중 한 명으로서, 스탄차크는 색상과 선이라는 단순한 요소만을 사용하여 이룰 수 있는 놀라운 것들을 발견한 개척자였습니다.

우연히 옵 아트를 발명하다

오늘날 Op Art라는 용어는 대부분의 예술 애호가, 큐레이터, 교육자 및 수집가들에 의해 실제로 존재하지 않는 움직임, 공간 및 빛을 인식하도록 눈을 속이는 일종의 환각적이고 기하학적인 예술을 지칭하는 것으로 이해됩니다. 이 운동은 일반적으로 브리짓 라일리와 빅토르 바사렐리와 같은 몇몇 유명한 예술가들과 연결되어 있으며, 이들은 초기 시절에 가장 주목받는 지지자들이었습니다. 그리고 현대 관객들은 그것을 예술가들이 이해된 의제를 가지고 있었거나 적어도 일관된 미적 방향으로 나아가고 있었던 일관된 운동으로 인식하는 경향이 있습니다.

하지만 옵 아트에 대한 진실은 그보다 훨씬 덜 화려하다. 옵 아트라는 용어는 줄리안 스탄차크의 작품 전시회 제목에서 유래했다. 이 전시는 그의 뉴욕에서의 첫 번째 전시였으며, 1964년 마사 잭슨 갤러리에서 열렸다. 마사 잭슨 자신이 이 전시의 제목을 줄리안 스탄차크: 옵티컬 페인팅스라고 지었다. 그는 클리블랜드에 있는 집에서 뉴욕으로 여행을 와서 전시를 보았고, 갤러리 창문에 적힌 제목을 처음 보았을 때 그 제목을 알게 되었다. 2011년 인터뷰에서 스탄차크는 "나는 '내 신, 그걸 어디서 얻었지? 마사, 어떻게 옵티컬이라고 말할 수 있어?'라고 말했다." 잭슨은 "이건 미술 비평가들이 곱씹어볼 만한 것이야."라고 대답하며 그를 진정시키려 했다. 그리고 그들은 정말로 곱씹었다. 사실, 당시 Arts 잡지에서 비평을 썼던 젊은 조각가 도널드 저드는 이 전시를 리뷰하며 제목을 언급하면서 그의 리뷰에서 옵 아트라는 문구를 만들어냈다.

줄리안 스탄차크 - 정적 블루, 1973, 아크릴화, 48x120인치

색상과 선

돌이켜보면, 특정한 유형의 그림을 따로 떼어내어 광학적이라고 부르는 것은 터무니없어 보인다. 광학이라는 단어는 가시광선 스펙트럼 내에 존재하는 모든 현상과 관련이 있다. 그러나 마사 잭슨 갤러리에서 열린 첫 번째 줄리안 스탄차크 전시회에 포함된 그림들의 맥락에서, 이 용어는 단순히 보이는 것과 관련된 것이 아니라 광학적 착시와 관련이 있다고 해석되었다. 스탄차크는 색상과 선의 조합을 사용하여 깊이와 움직임의 인상을 주고, 작품의 표면에서 빛이 방출되고 있다는 것을 암시했다. 그러나 작품에 대한 어떤 것도 누구를 속이려는 시도가 아니었다. 그것은 단순히 색상과 선이 스스로 무엇을 이룰 수 있는지에 대한 탐구였다.

그의 색과 선의 요소에 대한 초기 매력은 뉴욕에서의 첫 전시회 수십 년 전, 제2차 세계 대전 중 우간다의 난민 캠프에서 젊은 시절에 시작되었습니다. 그는 노동 캠프에서 일하던 중 지배적인 오른팔의 사용을 잃었고, 이후 무능한 군 의사들에 의해 추가로 부상을 입었습니다. 이 부상은 그가 음악가가 되겠다는 꿈을 끝내게 했고, 아프리카에 도착하여 그 아름다움과 색을 인식한 후, 그는 왼손으로 그리기와 색칠하기를 배우는 기회를 잡았습니다. 그 시기의 그의 작품은 비범하며, 비록 비지배적인 손으로 그렸지만 현실에서 그릴 수 있는 드문 능력을 지니고 있음을 보여줍니다. 그러나 그는 자신이 보았고 경험한 것을 그릴 생각이 없었습니다. 대신 그는 과거를 잊고 보편적인 무언가를 그릴 수 있도록 도와줄 추상적인 주제를 찾고자 했습니다.

줄리안 스탄차크 - 표면의 삶, 1970 – 1975년의 회화, 미첼-인네스 앤 내쉬 NY에서의 설치 전시, 2017

오하이오에 온다

그가 할 수 있게 되자마자, 스탄차크는 미국으로 와서 오하이오에 살고 있는 가족들과 합류했다. 그는 클리블랜드 시가 자신의 예술적 야망에 잘 맞는 곳임을 발견하고, 그곳에서 활기찬 심포니와 미술관을 발견했다. 그는 신시내티 미술 아카데미에서 미술 수업에 등록했고, 그곳에서 그는 색상의 요소에 특히 집중하기 시작했다. 그러나 그는 자신의 학교에서 자신이 알고 싶어하는 모든 것을 가르쳐 줄 수 있는 사람이 없다는 것을 곧 알게 되었다. 스탄차크는 이렇게 말했다. “나는 색상을 즐기고 있었다. 그리고 나는 그것에 대해 더 알고 싶었다. 그러나 아무도 내 질문에 대답하지 않았다. 그래서 알버스가 전문가라는 말을 들었다. 그리고 그는 어디에서 가르치고 있지? 예일에서. 그래서 나는 예일로 간다."

알버스를 언급하면서 스탄차크는 요제프 알버스를 지칭하고 있었으며, 그는 색채에 대한 가장 저명한 모더니스트 전문가 중 한 명입니다. 요제프 알버스와 그의 아내 안니는 제2차 세계대전 이전 바우하우스에서 영향력 있는 교사로 활동했습니다. 나치가 바우하우스를 폐쇄하자 그들은 초청을 받아 노스캐롤라이나로 여행하여 블랙 마운틴 칼리지에서 가르쳤습니다. 이후 그들은 예일로 이주했습니다. 알버스가 세계에서 색채에 대한 최고의 전문가라는 소식을 듣고 스탄차크는 대학원 과정을 위해 예일에 지원했습니다. 그리고 알버스에게 공부하면서 그는 자신이 표현하고 싶었던 모든 것이 색채로 표현될 수 있다는 확신을 가지게 되었고, 간단한 선의 추가로도 가능하다는 것을 깨달았습니다.

줄리안 스탄차크 - 표면의 삶, 1970 – 1975년의 회화, 미첼-인네스 앤 내쉬 NY에서의 설치 전시, 2017

반응하는 눈

그의 첫 전시회가 열린 마사 잭슨 갤러리에서 2년 후, 오프 아트라는 용어가 만들어진 전시회에서, 뉴욕 현대 미술관은 반응하는 눈이라는 기하학적 추상 미술의 야심찬 전시회를 개최했다. 줄리안 스탄차크가 전시에 포함되었고, 그의 예일 대학교 교수인 조셉 알버스, 앞서 언급한 브리짓 라일리와 빅토르 바자렐리, 그리고 15개국의 95명의 다른 예술가들이 함께했다. 그 전시는 이후 오프 아트를 대중의 상상 속에 소개한 것으로 유명해졌다. 그러나 당시 MoMA는 전시회에서의 작품을 지칭하기 위해 오프 아트라는 용어를 사용하지 않았다. 대신 박물관은 예술가들이 기하학, 색상, 표면, 선 및 빛을 사용하여 사람들이 어떻게 보는지를 탐구하는 새로운 방식을 강조하기 위해 지각과 같은 용어를 사용했다.

윌리엄 C. 세이츠가 반응하는 눈 전시회를 지휘하면서 보도자료에서 말했듯이, “이 작품들은 관찰자의 눈과 마음에서 지각적 반응의 생성기 역할을 하는 것이지, 검토할 객체로 존재하는 것이 아니다. 선, 띠, 패턴, 평면 색상, 흰색, 회색 또는 검은색, 또는 깔끔하게 잘린 나무, 유리, 금속 및 플라스틱만을 사용하여, 지각 예술가들은 관찰자와 예술 작품 간의 새로운 관계를 확립한다. 이러한 새로운 종류의 주관적 경험은...작품 자체에 물리적으로 존재하지 않더라도 눈에는 완전히 실재한다.” 반응하는 눈은 줄리안 스탄차크의 경력에 엄청난 도움을 주었고, 전시회에 참여한 많은 다른 예술가들에게도 마찬가지였다. 그러나 스탄차크는 뉴욕으로 이주하지 않았고, 그곳에서 그는 쉽게 엄청난 명성을 누릴 수 있었을 것이다. 대신, 그는 클리블랜드에 남아 38년 동안 클리블랜드 예술 대학에서 회화 교수로 재직했다.

줄리안 스탄차크 - 표면의 삶, 1970 – 1975년의 회화, 미첼-인네스 앤 내쉬 NY에서의 설치 전시, 2017

줄리안 스탄차크 기억하기

클리블랜드에 있는 그의 집에서, 예술 세계의 중심지에서 멀리 떨어져, 스탄차크는 평생 동안 그의 그림에서 색과 빛을 탐구하는 것을 계속했다. 그의 비주류인 왼손으로 페인트 층을 쌓는 고된 과정은 시간 소모적이고 힘든 일이었다. 그러나 그의 과정에서 그는 기쁨과 해방을 찾았고, 이 두 가지는 그의 작품에서 넘쳐흐른다. 수십 년 동안 그의 그림은 전 세계 거의 100개의 박물관에 소장되었지만, 그는 뉴욕의 갤러리에서는 거의 무시당했다.

하지만 결국 2004년, 스탄차크는 스테판 스턱스 갤러리에서 연속 개인전을 열기 위해 뉴욕으로 돌아왔습니다. 그리고 다음 10년 동안 그는 도시에서 여러 그룹 전시에 출품하며 점차 다시 예술 구매 대중의 마음속에서 두드러지게 되었습니다. 그러다가 2014년, 그는 미첼-이니스 & 내쉬에서 첫 번째 전시회를 가졌습니다. 현재 그의 작품에 대한 유작 전시는 완벽하게 부제목이 붙어 있으며, 스탄차크는 실제로 평생 동안 그의 그림의 표면에 생명을 불어넣었습니다. 이 전시는 2017년 6월 24일까지 진행되므로, 보고 싶다면 서두르세요. 하지만 놓치더라도 걱정하지 마세요. 세상이 잃어버린 천재를 깨닫게 되면, 이는 아마도 이 색과 선의 대가의 유산을 기념하는 첫 번째 전시가 될 것입니다.

특집 이미지: 줄리안 스탄차크 - 표면의 삶, 1970 – 1975년 회화, 미첼-인스 & 내쉬, NY, 2017년 설치 전경

모든 이미지는 미첼-인스와 내쉬의 제공입니다.

필립 Barcio