물속의 반영 - 바바라 본 사진

추상 사진의 성공을 측정하는 한 가지 방법은 관람객이 객관성의 증거를 넘어 쉽게 바라볼 수 있도록 하고, 미지의 것과의 연결에 자신을 열 수 있도록 하는 것이다. 이러한 기준으로 볼 때, 바바라 본의 추상 수중 사진은 거의 항상 성공적이다. 본은 1990년대 초에 초상 사진작가로 경력을 시작하며 마사 스튜어트, 토리 버치, 브라이언 헌트, 로이 리히텐슈타인과 같은 영향력 있는 인물들을 불멸의 존재로 남겼다. 그러나 그 과정에서 그녀는 추상에 끌리기 시작했다. 그녀는 인간 형태와 자연의 생물형 속성 간의 공생을 탐구하는 누드 시리즈를 만들었다. 이 이미지들에서 자연 환경의 본질적으로 추상적인 패턴과 형태가 가장 중요하다. 그러나 사진은 여전히 구상적이다: 주제의 한계에 다소 얽매여 있다. 그러던 중 2000년, 아이다호에서 스키 휴가를 보내던 본은 자동차를 렌트하기 위해 기다리던 중 텔리 호임스라는 남자를 만났다. 두 사람은 서로 잘 통했고, 나중에 결혼했다. 호임스는 그리스계 미국인 가정 출신이었다. 그와 함께 그의 조국을 방문했을 때, 본은 처음으로 물 표면 위에서 뛰노는 빛과 형태의 덧없는 추상적 반사들을 발견했다. 그 이후로 그녀는 카메라로 그 덧없는 순간들을 얼려보려 노력해왔다. 그 결과는 놀라웠다. 비록 그녀의 추상 수중 사진이 때때로 단순히 물속의 아름다운 반사로 읽힐 수 있지만, 종종 그것들은 그 구상적 원천을 초월하여 승화시키고, 우리에게 보편적인 무언가의 엿보기를 제공한다.

구체적 추상화

바바라 본이 촬영한 많은 추상 수중 사진에서 드러나는 형태의 언어는 과거의 가장 유명한 추상 예술가들의 작품과 비교되어 왔습니다. 이는 잭슨 폴록, 파블로 피카소 및 클리포드 스틸의 그림과, 알렉산더 칼더의 조각과 유사하다고 여겨집니다. 그녀의 아포코페스 시리즈에서는 칼더의 참조가 특히 뚜렷하게 드러나며, 원형, 신장형 및 타원형의 형태가 장난기 가득한 선들과 함께 완벽하게 조화로운 구성으로 배열됩니다. 칼더가 금속 와이어를 사용하여 물리적 공간에서 그의 구성을 형성한 반면, 이러한 구성은 바람과 파도에 의해 형성되어 렌즈에 의해 순간적으로 포착되었습니다.

Barbara Vaughn - Apokopes 1, 2014, Archival pigment print (left) and Apokopes 2, 2014, Archival pigment print, (right). © Barbara Vaughn

바운과 잭슨 폴록 간의 연결은 그녀의 도니시 시리즈의 몇몇 이미지를 살펴보면 가장 쉽게 이해할 수 있다. 비록 이러한 이미지는 사진 인쇄물로서 잭슨 폴록의 액션 페인팅의 임파스토 질감을 결여하고 있지만, 선, 레이어, 색상 조합 및 구성의 조화는 그럼에도 불구하고 폴록이 그러한 작품에서 자주 전달했던 감각적이고 흐르는 리듬을 즉시 떠올리게 한다. 이들은 폴록이 Lee 크래스너가 한스 호프만을 그의 스튜디오로 데려와 그의 작품을 보게 했을 때 폴록이 reportedly 한 유명한 대답을 떠올리게 한다. 호프만이 폴록에게 "자연에서 작업하나요?"라고 물었고, 폴록은 "나는 자연이다."라고 대답했다.

Barbara Vaughn - Donisi, 2014, Archival pigment print (left) and Donisi 2, 2016, Archival pigment print (right). © Barbara Vaughn

추상 과거의 유령들

우리는 아마도 바바라 본의 사진과 20세기 다른 유명한 추상 예술가들의 작품 사이의 다른 비교를 하루 종일 계속할 수 있을 것입니다. 예를 들어, 2012년의 사진 Vicinato에서 윌렘 드 쿠닝의 추상 풍경의 색상 팔레트를 볼 수 있습니다. 일부 선에서 드러나는 질감의 환상은 드 쿠닝이 표면을 긁고 할퀴는 기법을 사용했음을 암시합니다. 그리고 이 같은 사진에서 클리포드 스틸의 톱니 모양의 색상 필드도 볼 수 있습니다. 사진의 방향이 스틸과 관련된 상징적인 수직 대신 수평이지만, 색상 관계의 감정적 힘은 여전히 남아 있습니다.

Barbara Vaughn - Vicinato, 2012, Archival pigment print. © Barbara Vaughn

Varka (2012)와 Symadoura (2011)와 같은 사진에서는 헬렌 프랭켄탈러가 그녀의 소크-스테인 기법으로 만든 우아하고 흐르는 얼룩의 메아리를 보는 것이 매우 매력적입니다. 프랭켄탈러가 희석된 아크릴 페인트를 프라이밍되지 않은 캔버스에 직접 붓는 것으로 훌륭하게 성취한 것을, 보안은 그녀의 카메라로 인내심을 가지고 기다림으로써 성취했습니다. 프랭켄탈러와 협력하여 그녀의 그림 표면을 변형시킨 동일한 자연의 힘이 물체의 표면에서 지나가는 순간에 마법을 부렸습니다.

Barbara Vaughn - Varka, 2012, Archival pigment print (left) and Symadoura, 2011, Archival pigment print (right). © Barbara Vaughn

비교를 넘어서

그럼에도 불구하고, 그들이 얼마나 수월하게 떠오르는 것처럼 보이든, 바바라 본의 추상 수중 사진을 스캔하여 다른 예술가들의 작업과 비교하려는 본능은 저항해야 할 것입니다. 추상 이미지에서 다른 추상 예술에 대한 참조를 찾는 것과 그것에서 구상적 주제를 찾는 것의 차이는 무엇일까요? 우리가 살고 있는 자연 및 인공 환경에서 객관적인 현상이 종종 추상 예술가들에 의해 만들어진 미적 현상과 미묘하게 상관관계가 있는 이미지를 생성한다는 것은 이제 분명해야 합니다.

하지만 바바라 본은 단순히 추상 이미지를 형상화한 사진을 찍는 것 이상을 하고 있다. 그녀는 눈앞의 이미지가 하루의 변화하는 상황 속에서 변모하는 것을 지켜보며 지칠 줄 모르고 노력하고 있으며, 그녀가 통제할 수 없는 힘들과 협력하고 있다. 그녀는 어디에서 기다릴지, 렌즈를 어디로 향할지, 언제 사진을 찍을지를 선택하는 동시에 우연과 미지의 불가피성을 받아들이고 있다. 그렇게 함으로써 그녀는 자신의 미적 입장을 표현하는 것뿐만 아니라, 모든 미적 현상을 형성하는 근본적인 보편성이 표현될 수 있도록 하고 있다.

Barbara Vaughn - Synthesi, 2015, Archival pigment print. © Barbara Vaughn

특집 이미지: 바바라 본 - 포르토칼리 (세부), 2012, 아카이벌 피그먼트 프린트. © 바바라 본
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio