물속의 반영 - 바바라 본 사진
추상 사진의 성공을 가늠하는 한 가지 기준은 관람자가 객관성의 증거를 넘어 쉽게 바라보고 미지와의 연결에 마음을 열 수 있는가에 달려 있습니다. 이러한 기준으로 볼 때, Barbara Vaughn의 추상 수중 사진들은 거의 항상 성공을 거둡니다. Vaughn은 1990년대 초 인물 사진작가로 경력을 시작하여 마사 스튜어트, 토리 버치, 브라이언 헌트, 로이 리히텐슈타인과 같은 영향력 있는 인물들을 불멸화했습니다. 그러나 그 과정에서 그녀는 추상에 끌리기 시작했습니다. 그녀는 인간의 형태와 자연의 생물형태적 특성 간의 공생을 탐구한 누드 시리즈를 제작했습니다. 이 이미지들에서는 본질적으로 추상적인 자연 환경의 패턴과 형태가 가장 중요합니다. 하지만 사진들은 여전히 구상적이며, 주제의 한계에 어느 정도 묶여 있습니다. 그러다 2000년, 아이다호에서 스키 휴가를 보내던 중 Vaughn은 차를 빌리기 위해 기다리던 중 텔리 호임스라는 남자를 만났습니다. 두 사람은 금세 친해졌고 나중에 결혼했습니다. 호임스는 그리스계 미국인 가문 출신이었습니다. 그의 조국을 방문했을 때, Vaughn은 처음으로 물 표면 위에서 춤추는 빛과 형태의 덧없는 추상적 반영을 발견했습니다. 그때부터 그녀는 카메라로 그 덧없는 순간들을 포착하려 노력해왔습니다. 그 결과는 놀라웠습니다. 그녀의 추상 수중 사진들은 때로 단순히 물에 비친 아름다운 반영으로 읽힐 수 있지만, 종종 구상적 원천을 초월하여 승화시키며 우리에게 보편적인 무언가를 엿볼 수 있게 합니다.
구체적 추상
Barbara Vaughn이 촬영한 많은 추상 수중 사진에서 드러나는 형태의 언어는 과거 가장 유명한 추상 예술가들의 작품과 비교되곤 합니다. 이는 잭슨 폴록, 파블로 피카소, 그리고 클리포드 스틸의 그림, 그리고 알렉산더 칼더의 조각과 비슷하다고 여겨집니다. 그녀의 Apokopes 시리즈에서는 칼더의 영향이 특히 뚜렷한데, 원, 콩팥 모양, 타원형이 장난기 어린 선들과 함께 완벽한 조화를 이루며 배열되어 있습니다. 칼더가 금속 와이어를 사용해 물리적 공간에서 구성을 만들었던 반면, 이 구성들은 바람과 파도에 의해 형성되어 렌즈에 의해 찰나에 포착되었습니다.
Barbara Vaughn - Apokopes 1, 2014, 아카이벌 피그먼트 프린트 (왼쪽) 및 Apokopes 2, 2014, 아카이벌 피그먼트 프린트 (오른쪽). © Barbara Vaughn
Vaughn과 잭슨 폴록 사이의 연관성은 그녀의 Donisi 시리즈의 몇몇 이미지를 보면 가장 쉽게 이해할 수 있습니다. 분명히 사진 인쇄물로서 이 이미지들은 잭슨 폴록의 액션 페인팅에서 볼 수 있는 임파스토 질감을 갖고 있지 않지만, 선, 층, 색 조합과 구성의 조화는 폴록이 자주 전달했던 관능적이고 흐르는 리듬을 즉시 떠올리게 합니다. 이는 Lee Krasner가 Hans Hofmann을 그의 작업실에 데려갔을 때 폴록이 했던 유명한 대답을 떠올리게 합니다. 호프만이 “자연에서 작업하나요?”라고 묻자 폴록은 “나는 자연이다”라고 답했습니다.
Barbara Vaughn - Donisi, 2014, 아카이벌 피그먼트 프린트 (왼쪽) 및 Donisi 2, 2016, 아카이벌 피그먼트 프린트 (오른쪽). © Barbara Vaughn
과거 추상의 유령
우리는 아마도 하루 종일 Barbara Vaughn의 사진과 20세기 유명 추상 예술가들의 작품 사이의 다른 비교점을 계속해서 찾아낼 수 있을 것입니다. 예를 들어, 2012년 작품 Vicinato에서는 윌렘 드 쿠닝의 추상 풍경화에서 볼 수 있는 색채 팔레트를 볼 수 있습니다. 일부 선에서 드러나는 질감의 환상은 드 쿠닝이 표면을 긁고 할퀴는 기법을 연상시킵니다. 그리고 이 사진에서는 클리포드 스틸의 거친 색면도 볼 수 있습니다. 사진의 방향이 스틸의 상징적인 수직이 아닌 수평임에도 불구하고 색채 관계의 감정적 힘은 여전합니다.
Barbara Vaughn - Vicinato, 2012, 아카이벌 피그먼트 프린트. © Barbara Vaughn
Varka(2012)와 Symadoura(2011) 같은 사진에서는 헬렌 프랭켄탈러가 흡수-얼룩 기법으로 만들어낸 우아하고 흐르는 얼룩의 메아리를 보는 듯합니다. 프랭켄탈러가 희석한 아크릴 물감을 바탕칠하지 않은 캔버스에 직접 부어 이룬 뛰어난 성취를, Vaughn은 카메라를 들고 인내심 있게 기다리며, 프랭켄탈러와 함께 작업한 자연의 힘이 물 표면의 순간들을 변화시키는 마법을 포착함으로써 이루어냈습니다.
Barbara Vaughn - Varka, 2012, 아카이벌 피그먼트 프린트 (왼쪽) 및 Symadoura, 2011, 아카이벌 피그먼트 프린트 (오른쪽). © Barbara Vaughn
비교를 넘어서
그럼에도 불구하고, Barbara Vaughn의 추상 수중 사진을 보며 다른 예술가들의 작품과 비교점을 찾으려는 본능은 억제해야 합니다. 추상 이미지에서 다른 추상 예술에 대한 참조를 찾는 것과 구상적 주제를 찾는 것 사이에는 어떤 차이가 있을까요? 이제는 분명히 알 수 있듯이, 우리가 살고 있는 자연과 인공 환경의 객관적 현상은 종종 추상 예술가들이 창조한 미적 현상과 미묘하지 않은 방식으로 연관된 이미지를 만들어냅니다.
하지만 Barbara Vaughn은 단순히 추상적 이미지를 구상적으로 찍는 것 이상을 하고 있습니다. 그녀는 하루 동안 변화하는 상황 속에서 눈앞의 이미지가 변하는 모습을 지치지 않고 관찰하며, 통제할 수 없는 힘들과 협력하고 있습니다. 어디서 기다릴지, 어디에 렌즈를 향할지, 언제 사진을 찍을지 선택하면서도 우연과 미지의 필연성을 받아들이고 있습니다. 그렇게 함으로써 그녀는 단지 자신의 미적 입장을 표현하는 것이 아니라, 모든 미적 현상을 관통하는 근본적인 보편성을 표현하게 합니다.
Barbara Vaughn - Synthesi, 2015, 아카이벌 피그먼트 프린트. © Barbara Vaughn
대표 이미지: Barbara Vaughn - Portokali (세부), 2012, 아카이벌 피그먼트 프린트. © Barbara Vaughn
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성
