사이먼 하워드 호지킨의 유산

영국의 저명한 추상 화가이자 판화가 하워드 호지킨은 그의 세대에서 가장 많은 상을 받은 예술가 중 한 명이었다. 그는 1984년 베니스 비엔날레에서 영국을 대표했으며, 1985년 터너상을 수상했다. 1976년, 그는 대영 제국 훈장(CBE)에 임명되었고; 1992년에는 기사 작위를 받았으며; 2003년, 엘리자베스 2세 여왕은 그를 명예 동반자 훈장에 임명하여 헨리 무어, 빅터 파스모어, 브리짓 라일리와 함께 같은 영예를 안은 단 세 명의 추상 화가 중 한 명이 되었다. 호지킨이 경력에서 궁극적으로 이룬 저명한 위상은 그의 초기 직업 생활의 고난과 극명한 대조를 이룬다. 1981년, 호지킨은 "나는 중년이 될 때까지 전혀 성공하지 못했던 것에 대해 운이 좋았던 것 같다, 하지만 내 그림을 아무도 보고 싶어 하지 않을 때 겪어야 했던 쓴 순간들이 많았다." 그의 30대에 그는 거절로 인해 매우 우울해져 자살을 고려하기도 했다. 그러나 절망에 굴복하기보다는, 그는 자신의 내면을 미적 표현으로 다시 헌신했다. 호지킨이 내면으로 더 깊이 파고들수록, 그는 감정과 색상, 페인트와 같은 예술의 형식적 본질 사이의 관계를 더 직관적으로 이해하게 되었고; 그의 작업은 그에 따라 더 추상적으로 변해갔다. 그의 생애 말기에 호지킨은 가장 단순하고 직접적인 방식으로 원초적인 감정을 전달하는 간결한 스타일을 바탕으로 독특한 작품 세계를 창조했다.

수치와 감정

하워드 호지킨을 비유적 또는 추상적 예술가로 지칭해야 하는지에 대한 논의가 오랫동안 있어 왔습니다. 그의 초기 작품은 분명히 현실에 기반을 두고 있으며, 내부 공간에서 인물들을 보여주고 때로는 사회적 상황을 담고 있습니다. 그러나 그의 경력이 발전함에 따라 그는 추상과 형상화 사이의 경계를 모호하게 만들며, 두 가지의 교차점에 위치한 그림을 창조했습니다. 그는 자신의 삶에서 특정한 내용만을 다루기보다는 색상, 패턴 및 표면과 같은 형식적 요소들이 그의 이미지 내에서 감정적 요소를 어떻게 불러일으킬 수 있는지를 탐구했습니다. 수십 년이 지나 그의 그림에는 추상 색채 영역, 형태 및 패턴 속에 감춰진 미세한 비유적 요소들이 포함되었습니다. 그러나 그가 대부분의 관람객이 순전히 추상적이라고 여길 만한 것을 그렸을 때조차도, 호지킨 자신은 그 작품이 여전히 비유적이라고 말하는 것을 좋아했습니다. 왜냐하면 그것은 모두 그의 개인적 현실에 의해 형성된 지속적인 내러티브와 밀접하게 관련되어 있었기 때문입니다.

호지킨은 18세에 학생이던 1950년에 자신의 그림을 전시하기 시작했습니다. 사실, 그가 16세 때 그린 Memoirs라는 제목의 구아슈 보드 그림은 일부 팬들에 의해 그의 최고의 작품 중 하나로 여겨집니다. 그는 1962년에 런던의 유명한 아서 투스 & 아들 갤러리에서 첫 번째 개인 전시회를 가졌습니다. 그 전시회에서 정의된 형상화와 추상의 독특한 혼합은 호지킨을 독특하고 대담한 아티스트로 돋보이게 했습니다. 그러나 영국 대중은 즉시 그의 작품을 이해하지 못했고, 전시회는 상업적으로 성공하지 못했습니다. 그의 고향에서 관객들이 그의 독특한 재능을 인정하기까지는 거의 10년이 걸릴 것입니다.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

인도의 추억

어린 시절, 하워드 호지킨은 자신이 그리고 싶었던 그림들이 자신의 기억의 미적 유물과 더 비슷하다는 것을 깨달았다. 여행을 특히 좋아했던 그는 해외에서 만난 장관과 특별한 사람들과 관련된 가장 강렬한 기억들을 많이 가지고 있었다. 그가 만든 가장 성공적인 판화 중 일부는 그가 인도로 여행했을 때의 경험을 다루고 있다. 그가 만든 일련의 스크린프린트인 인도 풍경에서는 그 나라 기차의 측면에 흔히 있는 작고 수평적인 창문을 다루었다. 이 이미지는 수평선이 있는 단순한 풍경처럼 읽힐 수 있지만, 추상적인 색채 영역으로도 사유될 수 있다.

그의 인디언 뷰 스크린프린트는 감정적인 색상 사용 외에도 시간이 지남에 따라 호지킨에게 매우 중요해진 전형적인 미적 요소인 프레임을 포함하고 있다는 점에서 주목할 만하다. 그의 많은 추상화에서 그는 이미지를 포함하는 직사각형 프레임을 그렸다. 그러다가 나중에는 실제 나무 프레임으로 표면을 프레임하고 그 표면과 프레임 모두에 이미지를 그리기 시작하여 두 가지를 결합했다. 그려진 프레임은 그의 그림을 외부 간섭에 저항하는 객체로 정의했으며, 그들의 의미가 전적으로 그들 자신 안에 포함되어 있음을 명확히 했다.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

외부 인식

대중의 이해 부족에도 불구하고 호지킨은 계속해서 전시를 하고 그의 독특한 스타일을 추구하며 감정을 바탕으로 한 감정적이고 다채로운 시각 언어를 개발하여 하이브리드 추상-인물 이미지를 창조했습니다. 1971년, 그는 처음으로 독일 쾰른에서 해외 전시에 초대받았습니다. 그 전시는 성공적이었고, 다음 해에는 파리에서 그룹 전시에 참여했습니다. 그리고 그 다음 해에는 미국에서 처음으로 뉴욕의 한 갤러리에서 전시했습니다.

그가 기뻐한 것은 외국 관객들이 그의 작품에 대해 매우 다른 인상을 받았다는 것이다. 뉴욕 데뷔 후, 호지킨은 “그들은 즉시 내가 어떤 종류의 예술가인지 깨달았다…반응이 너무 좋아서 나는 관객과 소통하고 있다고 느꼈다. 나는 영국에서는 그런 느낌을 거의 느껴본 적이 없다.”라고 말했다. 아마도 이러한 국제적인 관심 때문이었거나, 아니면 단순히 영국 관객들이 자신들이 놓치고 있던 것을 깨달았기 때문일 것이다. 이후 몇 년 동안 호지킨은 영국에서 그의 명성이 향상되는 것을 보았다. 1976년까지 그는 CBE를 수여받았고, 옥스포드 현대 미술관에서 그의 첫 번째 회고전 전시회를 가졌다.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

런던 학교

1976년에도 Hodgkin은 런던 학교(School of London)라는 이름으로 알려진 영국 예술가 그룹에 포함되는 영예를 안았습니다. 화가 R. B. Kitaj는 전시회 "인간의 점토(The Human Clay)"를 위해 쓴 카탈로그 에세이에서 런던 학교라는 용어를 만들었습니다. Kitaj는 이 용어를 사용하여 팝 아트(Pop Art), 미니멀리즘(Minimalism), 개념 미술(Conceptual Art) 및 기타 인기 있는 스타일에 대한 세계적인 경향과 대조적으로, 재능 있는 영국 예술가 그룹이 예술에서 인간 형상의 현대적 관련성을 부지런히 탐구하고 있음을 강조하고자 했습니다.

인간 점토는 48명의 예술가의 작품을 포함하고 있었으며, 그 중에는 키타이와 호지킨이 있었고, 이후 국제적으로 중요한 영향을 미친 여러 예술가들, 예를 들어 프랭크 아우어바흐, 데이비드 호크니, 프랜시스 베이컨, 헨리 무어, 그리고 루시안 프로이드가 있었다. 그들 각자는 당시 독특하게 현대적인 방식으로 형상을 탐구하고 있었다. 그러나 대부분은 처음 이 이름을 들었을 때 런던 학파라는 꼬리표를 거부했다. 하워드 호지킨은 전시회에 다섯 점의 작품을 출품했음에도 불구하고 이 꼬리표를 거부했다. 그럼에도 불구하고 전시회에 포함된 것은 호지킨에게는 큰 힘이 되었고, 그의 노력에 대한 훌륭한 공적 검증이었다.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

적을수록 더 좋다

호지킨은 그의 경력 전반에 걸쳐 더 적게 보여주면서 더 많은 것을 표현할 방법을 찾았습니다. 결국 그는 그의 작품에서 비유적 요소를 거의 존재하지 않을 정도로 줄였습니다. 1970년대 후반에 그가 경험한 대중의 인지도와 일치하여, 호지킨은 개인 생활에서도 변화를 겪었습니다. 아내 줄리아와 20년의 결혼 생활을 마친 후, 호지킨은 동성애자임을 고백하고 줄리아에게 두 아들의 양육권을 부여했습니다. 그의 삶은 동시에 더 단순해지고 더 복잡해졌습니다. 이 시점 이후 그의 작품 제목은 그가 알려진 개인적인 서사적 특성을 유지하며, 특정 개인적 기억을 언급했지만, 그의 이미지의 내용은 극적으로 더 추상적으로 변했습니다.

그가 아마도 그런 주장을 부인했을 것이지만, 개인적인 거짓말에서 벗어나는 것이 그가 암시로 자신의 이미지를 투자할 필요에서 벗어날 수 있었던 방법을 쉽게 이해할 수 있다. 그것이 그 상황과 관련이 있었는지는 모르겠지만, 호지킨은 생애 마지막 몇 년 동안 그의 시각 언어를 그 어느 때보다도 극적으로 단순화했다. 그는 색상, 붓질, 표면, 구성 및 페인트의 표현 잠재력을 전달하는 데 더 능숙해졌다. 그의 마지막 몇 년 동안 그의 구성은 가장 단순했으며, 아마도 가장 심오했으며, 기억과 감정의 덧없는 힘에 대한 그의 본질적인 아이디어를 능숙하게 전달했다.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

특집 이미지: 하워드 호지킨 브리짓 시그레이브 (세부), 1961-62, 유화, 34 x 39 인치
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio