Centre Pompidou Bekijkt Cubisme Opnieuw In Een Uitgebreide Nieuwe Tentoonstelling

Op 17 oktober opent in Parijs de eerste grote kubistische tentoonstelling in 65 jaar in het Centre Pompidou. Kubisme (1907-1917) brengt meer dan 300 werken samen in een poging ons begrip te verdiepen van een van de meest invloedrijke kunststromingen van de 20^e eeuw. De meeste kubistische tentoonstellingen richten zich op de grondleggers van de beweging: Pablo Picasso en Georges Braque. Deze tentoonstelling belicht ook hun werk, maar gaat veel verder dan dat beperkte kader. Het begint met het onderzoeken van zelden getoonde werken van Paul Cézanne en Paul Gauguin, samen met voorbeelden van traditionele Afrikaanse kunst die Picasso beïnvloedde. Vervolgens verkent het de kring van kunstenaars rondom Picasso en Braque, die hun ontdekkingen namen en deze uitbreidden tot meerdere andere onderscheidende posities. Niet alleen schilderijen zijn te zien, maar ook enkele van de beroemdste voorbeelden van kubistische beeldhouwkunst, zoals de kartonnen gitaarassemblage die Picasso in 1914 maakte. Ten slotte zien we de erfenis van het kubisme door de werken van kunstenaars als Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi en Piet Mondriaan. Volgens de samenstellers is het doel van deze ambitieuze tentoonstelling simpelweg het publiek een breder overzicht te bieden van de geschiedenis van deze belangrijke beweging. Maar wat ze daadwerkelijk hebben bereikt gaat iets dieper. Ze hebben een hoopvolle tentoonstelling samengesteld, die ons aanmoedigt de ideeën van onze tijdgenoten te omarmen en onbeschaamd voort te bouwen op het genie van het verleden.

Een Verandering in Perspectief

Er bestaan veel verschillende verklaringen van het kubisme. Sommigen beschrijven het als een geometrische manier om de wereld te schilderen. Anderen noemen het een manier om de vierde dimensie in de kunst te introduceren door beweging te tonen. Weer anderen zeggen dat het een abstracte vereenvoudiging was van de vormen en gestalten die in het dagelijks leven voorkomen. De beste verklaring die ik ooit heb gehoord is dat kubisme een poging was om het perspectief opnieuw te onderzoeken. Sinds de Renaissance werd de westerse kunst geleid door specifieke regels als het ging om beeldende kunst—regels over realisme, acceptabele inhoud en perspectief. Van schilderijen werd verwacht dat ze het leven imiteerden door diepte, perspectief en andere illusie-werktuigen te omarmen. In de loop van de 19e eeuw werden die regels echter uitgedaagd. De impressionisten daagden de regels over onderwerp uit en maakten werken die uitsluitend over licht gingen. De divisionisten gebruikten experimentele penseelstreken om vragen op te werpen over of kleur in het echte leven bestaat of alleen in de hersenen wordt geïnterpreteerd. De postimpressionisten omarmden mystiek, symboliek en spiritualiteit, en bewezen dat formele elementen zoals kleur en ruimte op zichzelf het nastreven van inhoud waard konden zijn.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Bas-reliëf in meerkleurig lindehout, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Parijs. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Het kubisme voegde aan dit geheel het idee toe dat de werkelijkheid heel anders wordt waargenomen door het menselijk oog dan hoe ze gewoonlijk in de kunst wordt weergegeven. Wanneer we iets zien, zien we het niet platgedrukt en perfect stilstaand. De wereld is altijd in beweging, en wij bewegen er altijd doorheen. We zien stukjes ervan vanuit verschillende hoeken. Het licht verandert voortdurend. De wereld is opgedeeld in stukjes—sommige onzichtbaar, maar we weten dat ze er zijn. Het kubisme probeert de fragmenten van de werkelijkheid te tonen, opnieuw samengevoegd tot een enkele compositie. Het analyseert de wereld vanuit meerdere gelijktijdige gezichtspunten en ontleedt het leven om de complexiteit ervan te tonen. Kubisme (1907-1917) laat zien hoe Cézanne op dit punt ten minste ver vooruit was op Picasso en Braque. Een van de vroegste stukken in de tentoonstelling is het Cézanne-schilderij “La Table de cuisine” (1890). Van de tafel op de voorgrond tot de manden, stoelen en borden, elk voorwerp in het beeld wordt vanuit een subtiel ander gezichtspunt getoond. Gelijktijdigheid van perspectieven wordt in dit werk bereikt, waarmee het duidelijk proto-kubistisch is, 18 jaar voordat Picasso en Braque tot hetzelfde idee kwamen.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Stilleven met mand), circa 1888-1890. Olieverf op doek, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Parijs. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

De Kunst van het Lenen

Een van de meest verfrissende aspecten van Kubisme (1907-1917) is dat het niet terugschrikt voor het feit dat deze kunstenaars vrijelijk van elkaar hebben geleend. We hechten soms zo’n grote waarde aan originaliteit, en eisen dat kunstenaars wild vernieuwen. Deze tentoonstelling toont aan dat innovatie soms simpelweg betekent een kleine stap vooruit zetten, voortbouwend op de prestaties van anderen. We zien “Masque krou,” uit Ivoorkust, een van de Afrikaanse maskers die Picasso direct inspireerden. Het gezicht is verdeeld in kwadranten; de ogen zijn uit balans; de gelaatstrekken zijn verdeeld in geometrische gebieden van schaduw en licht. Twee nabijgelegen schilderijen van Picasso—“Portret van Gertrude Stein” (1905-1906) en zijn zelfportret uit 1907—tonen hoe nauwkeurig Picasso de beeldtaal van het Afrikaanse masker imiteerde. Toch zien we vervolgens hoe hij deze formele aspecten ontleedde en de volgende stap zette, door de ideeën te gebruiken om objecten in de ruimte te ontleden in schilderijen als “Pains et compotier aux fruits sur une table” (1908-1909), en om de onzichtbare aspecten van karakter te onthullen in werken als “Portret van Ambroise Vollard” (1910).

Pablo Picasso - Portret van Gertrude Stein, 1905-1906. Olieverf op doek, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / afbeelding van het MMA. © Succession Picasso 2018

Naarmate de tentoonstelling vordert, zien we hoe Sonia Delaunay de geometrische taal van Picasso leende—niet om de fysieke wereld te verkennen, maar om de vormen te gebruiken om het metafysische potentieel van kleurrelaties te onderzoeken. We zien hoe Piet Mondriaan ook de geometrische aspecten van het kubisme leende, maar in tegenstelling tot Picasso, die de werkelijkheid ingewikkelder maakte, gebruikte Mondriaan geometrie om de wereld te vereenvoudigen tot haar meest basale elementen. We zien hoe kunstenaars als Juan Gris van het kubisme leenden om een meer grafische kunststijl te creëren, die later posterkunstenaars zou inspireren. En we zien hoe de collages van het synthetisch kubisme de dadaïsten zoals Francis Picabia inspireerden. We zien ook zogenaamde “Tubistische” werken van Fernand Léger, die een genuanceerde aanpassing van de kubistische stijl illustreren en een voorloper werden van de popkunst. Prachtig is dat er geen schaamte is in deze opeenvolging van invloeden. Integendeel. De doordachte samenstelling herinnert ons aan de pure vreugde van voortbouwen op de ideeën van anderen. Niemand zou zeggen dat een van deze kunstenaars aan verbeelding ontbrak. Integendeel, Kubisme (1907-1917) bewijst dat verbeelding soms zelfs vruchtbaarder is wanneer ze om hulp vraagt.

Afbeelding uitgelicht: Pablo Picasso - Guitare, Parijs, januari-februari 1914. Metaalplaat en ijzer, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitale afbeelding, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florence. © Succession Picasso 2018
Door Phillip Barcio