Centre Pompidou Bekijkt Cubisme Opnieuw In Een Uitgebreide Nieuwe Tentoonstelling

Op 17 oktober opent de eerste grote Cubistische tentoonstelling in Parijs in 65 jaar in het Centre Pompidou. Cubisme (1907-1917) brengt meer dan 300 werken samen in een poging om ons begrip van een van de meest invloedrijke kunstbewegingen van de 20^ste eeuw uit te breiden. De meeste Cubistische tentoonstellingen richten zich op de oprichters van de beweging: Pablo Picasso en Georges Braque. Deze tentoonstelling belicht ook hun werk, maar gaat veel verder dan die beperkte reikwijdte. Het begint met het onderzoeken van zelden geëxposeerde werken van Paul Cézanne en Paul Gauguin, samen met voorbeelden van traditionele Afrikaanse kunst die Picasso beïnvloedden. Vervolgens verkent het de sterrenhemel van kunstenaars rondom Picasso en Braque, die hun ontdekkingen namen en deze uitbreidden naar meerdere andere onderscheidende posities. Niet alleen zijn schilderijen opgenomen, maar ook enkele van de meest beroemde voorbeelden van Cubistische sculptuur zijn te zien, zoals de kartonnen gitaarassemblage die Picasso in 1914 creëerde. Ten slotte zien we de erfenis van het Cubisme door de werken van kunstenaars zoals Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi en Piet Mondrian. Volgens de curatoren is het doel van deze ambitieuze tentoonstelling simpelweg om het publiek een breder overzicht te bieden van de geschiedenis van deze belangrijke beweging. Maar wat ze daadwerkelijk hebben bereikt, gaat iets dieper. Ze hebben een hoopvolle tentoonstelling samengesteld, eentje die ons aanmoedigt om de ideeën van onze tijdgenoten te omarmen en onbeschaamd voort te bouwen op het genie van het verleden.

Een Verandering in Perspectief

Er bestaan veel verschillende verklaringen voor het Kubisme. Sommigen beschrijven het als een geometrische manier om de wereld te schilderen. Anderen noemen het een manier om de vierde dimensie in de kunst in te voeren door beweging te tonen. Weer anderen zeggen dat het een abstracte reductie was van de vormen en figuren die in het dagelijks leven te vinden zijn. De beste verklaring die ik ooit heb gehoord is dat Kubisme een poging was om perspectief opnieuw te onderzoeken. Sinds de Renaissance werd de westerse kunst geleid door specifieke regels als het ging om visuele kunst—regels over realisme, acceptabele inhoud en perspectief. Van schilderijen werd verwacht dat ze het leven imiteerden door diepte, perspectief en andere illusie-achtige middelen te omarmen. Gedurende de 19e eeuw werden die regels echter uitgedaagd. De Impressionisten daagden de regels over onderwerp uit, door werken te maken die uitsluitend over licht gingen. De Divisionisten gebruikten experimentele penseelstreken om vragen te stellen over de vraag of kleur in het echte leven bestaat of alleen in de hersenen wordt geïnterpreteerd. De Post-Impressionisten omarmden mystiek, symboliek en spiritualiteit, en bewezen dat formele elementen zoals kleur en ruimte op zichzelf de moeite waard konden zijn om als inhoud na te streven.

Paul Gauguin - Wees mysterieus, 1890. Polychroom lindehout reliëf, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Parijs. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Cubisme voegde aan deze mix het idee toe dat de werkelijkheid door het menselijk oog heel anders wordt waargenomen dan hoe het meestal in de kunst wordt afgebeeld. Wanneer we iets zien, zien we het niet afgevlakt en perfect stil. De wereld is altijd in beweging, en wij bewegen altijd doorheen. We zien stukjes en beetjes ervan vanuit verschillende hoeken. Licht verandert voortdurend. De wereld is opgedeeld in stukjes en beetjes—sommige daarvan zijn onzichtbaar, maar we weten dat ze er zijn. Cubisme probeert de fragmenten van de werkelijkheid opnieuw samen te stellen in een enkele compositie. Het analyseert de wereld vanuit meerdere gelijktijdige perspectieven, deconstructie van het leven om de complexiteit ervan te tonen. Cubisme (1907-1917) toont aan hoe, in dit opzicht althans, Cézanne ver vooruit was op Picasso en Braque. Een van de vroegste werken in de tentoonstelling is het Cézanne-schilderij "La Table de cuisine" (1890). Van de tafel op de voorgrond tot de manden en stoelen en schalen, elk item in het beeld wordt vanuit een subtiel ander perspectief getoond. Gelijktijdigheid van perspectieven wordt in dit werk bereikt, waardoor het als duidelijk proto-Cubistisch wordt verklaard, 18 jaar voordat Picasso en Braque op hetzelfde idee kwamen.

Paul Cézanne - De Keukentafel. (Stilleven met mand), ca. 1888-1890. Olieverf op doek, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Parijs. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

De Kunst van het Lenen

Een van de meest verfrissende aspecten van het Kubisme (1907-1917) is dat het niet terugschrikt voor het feit dat deze kunstenaars vrijelijk van elkaar leenden. We hechten soms zoveel waarde aan originaliteit, waarbij we eisen dat kunstenaars wild innoveren. Deze tentoonstelling laat zien dat innovatie soms gewoon betekent een kleine stap vooruit te zetten, voortbouwend op de prestaties van anderen. We zien "Masque krou," uit Ivoorkust, een van de Afrikaanse maskers die Picasso rechtstreeks inspireerden. Het gezicht is verdeeld in kwadranten; de ogen zijn uit balans; de gelaatstrekken zijn verdeeld in geometrische gebieden van schaduw en licht. Twee nabijgelegen schilderijen van Picasso—"Portrait de Gertrude Stein" (1905-1906) en zijn zelfportret uit 1907—tonen aan hoe precies Picasso de visuele taal van het Afrikaanse masker imiteerde. Toch zien we hoe hij deze formele aspecten ontleedde en de volgende stap zette, door de ideeën te gebruiken om objecten in de ruimte te deconstrueren in schilderijen zoals "Pains et compotier aux fruits sur une table" (1908-1909), en om de onzichtbare aspecten van karakter te onthullen in werken zoals "Portrait d’Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Portret van Gertrude Stein, 1905-1906. Olie op doek, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / afbeelding van de MMA. © Succession Picasso 2018

Naarmate de tentoonstelling vordert, zien we hoe Sonia Delaunay zo de geometrische taal van Picasso leende—niet om de fysieke wereld te verkennen, maar om de vormen te gebruiken om het metafysische potentieel van kleurrelaties te verkennen. We zien hoe Piet Mondrian ook de geometrische aspecten van het kubisme leende, maar in tegenstelling tot Picasso, die de realiteit compliceerde, gebruikte Mondrian geometrie om de wereld te vereenvoudigen tot zijn meest basale elementen. We zien hoe kunstenaars zoals Juan Gris uit het kubisme putten om een meer grafische artistieke stijl te creëren, die op zijn beurt posterkunstenaars zou inspireren. En we zien hoe de collages van het synthetische kubisme Dadaïsten zoals Francis Picabia inspireerden. We zien ook de zogenaamde "Tubistische" werken van Fernand Léger, die een genuanceerde wijziging van de kubistische stijl illustreren die een voorloper van de Pop Art werd. Mooi genoeg, er is geen schaamte in deze voortgang van invloeden. Integendeel. De doordachte curatie herinnert ons aan de pure vreugde van het voortbouwen op de ideeën van anderen. Niemand zou zeggen dat een van deze kunstenaars gebrek aan verbeeldingskracht had. Integendeel, Kubisme (1907-1917) bewijst dat verbeeldingskracht soms zelfs vruchtbaarder is wanneer het om hulp vraagt.

Uitgelichte afbeelding: Pablo Picasso - Guitare, Parijs, januari-februari 1914. Plaat van metaal en ijzer, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Het Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitale afbeelding, Het Museum of Modern Art, New York/Scala, Florence. © Succession Picasso 2018
Door Phillip Barcio