Galeria Thaddaeus Ropac składa hołd amerykańskiemu minimalizmowi artystycznemu

Dziedzictwo amerykańskiej sztuki minimalnej jest prezentowane w Monumental Minimal w paryskiej lokalizacji Galerie Thaddaeus Ropac. Wystawa obejmuje ponad 20 obiektów stworzonych przez sześciu najbardziej dominujących amerykańskich artystów minimalnych z połowy lat 60.: Carla Andre, Dana Flavina, Donalda Judda, Sola LeWitta, Roberta Mangolda i Roberta Morrisa. Wśród kilku ikonicznych dzieł na wystawie znajduje się „Pomnik dla V. Tatlina” (1964) autorstwa Dana Flavina. Ta świecąca kompozycja z fluorescencyjnych żarówek odnosi się do proponowanej wieży Władimira Tatlina, zwanej „Kolosalnym Pomnikiem Trzeciej Międzynarodówki” (1920). Gdyby wieża została zbudowana, jej spiralna forma w kształcie podwójnej helisy byłaby wyższa niż Wieża Eiffla i miałaby mechaniczne pojazdy poruszające się w górę i w dół jej żelazno-stalowego szkieletu. Jednak dzieło Flavina mniej przypomina rzeczywisty pomnik Tatlina, a bardziej architektoniczną formę wieżowca z „ustępstwem” — prawdziwie minimalny gest. Na wystawie znajdują się również takie niechlubne przykłady wysokiego minimalizmu, jak „Stos” Donalda Judda, wisząca rzeźba z filcu Roberta Morrisa oraz rekreacja „Rysunku na ścianie #1176 Siedem podstawowych kolorów i wszystkie ich kombinacje w kwadracie w kwadracie” (2005) autorstwa Sola LeWitta. Jakość i znaczenie tych dzieł są niezaprzeczalne, a jednak przyjemnie, że środowisko, w którym są prezentowane — ceglana, stodołopodobna struktura pełna naturalnego światła — nadaje pracom poczucie dostępności. Według kuratorów celem wystawy jest „odpowiedzenie na wiele pytań stawianych przez głównych protagonistów tej artystycznej rewolucji”. Jednak wybór dzieł i ich prezentacja rodzi również kilka dodatkowych pytań. Wywołuje rozmowy zarówno o estetycznym długu, jaki ten ruch ma wobec przeszłości, jak i o tym, jakie może być przyszłe dziedzictwo tej pozycji.

Symboliczny Początek

Jednym z centralnych pomysłów Monumental Minimal jest to, że bada amerykańską sztukę minimalną. Większy ruch Minimalizm obejmował większość globu. Skupiając swoją uwagę szczególnie na amerykańskich pionierach tego ruchu, kuratorzy mieli nadzieję stworzyć okazję do odkrycia europejskich korzeni, z których ci artyści czerpali inspirację. Jak wspomniano wcześniej, rosyjski konstruktywizm był inspiracją dla „Pomnika dla W. Tatlina” autorstwa Flavina. To, co może nie być tak dobrze znane, to dług, jaki niektórzy z tych innych artystów minimalistycznych mają wobec swoich wczesnych europejskich modernistycznych przodków. Jak wskazuje dydaktyka wystawy, Carl Andre wymienił Constantina Brancusi jako główny wpływ na strukturę swoich rzeźb, a Brancusi był również tematem pracy magisterskiej Roberta Morrisa, którą napisał na Hunter College w 1966 roku. Tymczasem Robert Mangold był inspirowany pracą pioniera De Stijl, Pieta Mondriana, a malowidło ścienne Sol LeWitta w wystawie czerpie swoją inspirację z teorii kolorów Josefa Albersa.

Carl Andre - Piąty Kwadrat Miedzi, 2007. 0,3 x 49,8 x 49,8 cm. (0,1 x 19,6 x 19,6 in.). Dzięki uprzejmości Galerie Thaddaeus Ropac

Jednak uważam, że zamiast tylko wskazywać na geograficzne korzenie artystów, którzy wpłynęli na tych amerykańskich minimalistów, ważniejsze jest, aby spojrzeć na to, co naprawdę różniło pracę, którą wykonali amerykańscy minimalisti. Fundamentalna różnica polega na tym, że artyści tacy jak Tatlin, Brancusi i Mondrian pracowali w symbolicznym uniwersum koncepcyjnym. Nie mam na myśli, że tworzyli obrazy i rzeźby, które symbolizowały rzeczywisty świat. Raczej wynajdywali nowe symboliczne języki abstrakcyjne. Ich prace nie odnosiły się do konkretnych „rzeczy”, ale symbolizowały idee. Na przykład, Mondrian miał nadzieję symbolizować uniwersalne pojęcia, takie jak czystość i harmonia, podczas gdy Brancusi miał nadzieję stworzyć dzieła, które symbolizowałyby istotę lub wewnętrzną rzeczywistość jego tematów. Minimalizm w tej wystawie może być estetycznie zadłużony wobec tych europejskich artystów, ale na tym kończy się ich dług. Amerykańska sztuka minimalistyczna jest samoreferencyjna. Jedyną filozofią, którą wyznaje, jest to, że te sztuczne obiekty są rzeczami samymi w sobie. Jak powiedział Robert Morris: „Nie dla transcendencji i wartości duchowych.”

Otwarte Zakończenie Przyszłości

To, co najbardziej mi się podoba w tej wystawie, to fakt, że kończy się ona Rysunkiem Ściennym Sol LeWitta. LeWitt filozoficznie wyróżnia się spośród innych artystów w tej wystawie. Stworzył swoje rysunki ścienne, a także wiele innych swoich prac, jako propozycje, które mogą być powtarzane dosłownie przez każdego. Zamiast namalować rysunek ścienny i podpisać go jako unikalne dzieło sztuki, LeWitt opracował pisemny plan dla tej pracy. Opisał go na tyle szczegółowo, że każdy artysta (lub nie-artysta), kto chce, może skopiować instrukcje i odtworzyć dzieło. Piękno jego instrukcji polega na tym, że nie prowadzą one do idealnych kopii za każdym razem. Z powodu nieuniknionych różnic między materiałami, przestrzeniami, powierzchniami oraz rękami i umysłami artystów, każdy rysunek ścienny w rzeczywistości staje się unikalny. To, co czyni go idealnym dziełem na zakończenie tej wystawy, to fakt, że daje artystom i widzom możliwość przejęcia kontroli nad fizycznym i filozoficznym dziedzictwem oraz spuścizną minimalizmu.

Donald Judd - Bez tytułu (DSS 191), 1969. Rzeźba, mosiądz i niebieski anodowany aluminium. 15,6 x 286,3 x 15,2 cm. (6,1 x 112,7 x 6 cali). Dzięki uprzejmości Paula Cooper Gallery, Nowy Jork © Judd Foundation / ADAGP, Paryż, 2018

Ta wystawa pokazuje, jak w przeszłości sztuka minimalna była wyrażana jako duchowe poszukiwanie, społecznie konstruktywne poszukiwanie, koncepcyjne poszukiwanie, a w przypadku artystów takich jak Judd, czysto obiektywne poszukiwanie. Które z tych stanowisk, jeśli w ogóle, są dla nas istotne dzisiaj? Czy utopijne wizje Władimira Tatlina mogą mieć jakieś obietnice dla naszego pokolenia, gdy stajemy w obliczu tego, co wydaje się przytłaczającymi wyzwaniami społecznymi? Czy uniwersalistyczne poszukiwanie harmonii, które przyjęli Brancusi i Mondrian, może zaoferować współczesnym artystom jakiekolwiek użyteczne wskazówki? Czy można znaleźć drogę naprzód w naukowym podejściu, które głosił Josef Albers? A może, jak ci amerykańscy minimalści, interesują nas głównie powierzchowności? Monumental Minimal podsumowuje to: wszystkie te możliwości są możliwe, jak i żadna z nich. Minimalizm może mieć tak monumentalny lub tak minimalny wpływ na nas, jak wybierzemy. Dla mnie, chociaż prawdopodobnie sprawiłoby to, że artysta taki jak Donald Judd by się skrzywił, czuję coś pięknego, a nawet coś użytecznego z tej wystawy: poczucie możliwości znane jako nadzieja.

Obraz wyróżniony: Dan Flavin, Bez tytułu, 1975. Zielone światło fluorescencyjne 488 cm (192,13 in) Dzięki uprzejmości prywatnej kolekcji, Europa © Stephen Flavin / ADAGP, Paryż, 2018. Zdjęcie: Florian Kleinefenn
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio