Galeria Thaddaeus Ropac składa hołd amerykańskiemu minimalizmowi artystycznemu
Dziedzictwo amerykańskiej sztuki minimalnej jest prezentowane w Monumental Minimal, w paryskim oddziale Galerie Thaddaeus Ropac w Pantin. Wystawa obejmuje ponad 20 dzieł stworzonych przez sześciu najbardziej wpływowych amerykańskich artystów minimalizmu z połowy lat 60. XX wieku: Carla Andre, Dana Flavina, Donalda Judda, Sola LeWitta, Roberta Mangolda i Roberta Morrisa. Wśród kilku ikonicznych prac na wystawie znajduje się „Monument dla V. Tatlina” (1964) Dana Flavina. Ten świecący zespół świetlówek odnosi się do projektu wieży Władimira Tatlina zatytułowanej „Kolosalny Pomnik Trzeciej Międzynarodówki” (1920). Gdyby wieża została zbudowana, jej spiralna forma w kształcie podwójnej helisy byłaby wyższa niż Wieża Eiffla i zawierałaby mechaniczne pojazdy poruszające się w górę i w dół po jej żelaznym i stalowym szkielecie. Jednak dzieło Flavina bardziej przypomina architektoniczną formę „schodkowego” drapacza chmur — prawdziwie minimalistyczny gest. Na wystawie można również zobaczyć takie słynne przykłady wysokiego minimalizmu jak „Stack” Donalda Judda, wiszącą rzeźbę z filcu Roberta Morrisa oraz rekonstrukcję „Wall Drawing #1176 Seven Basic Colors and All Their Combinations in a Square within a Square” (2005) autorstwa Sola LeWitta. Jakość i znaczenie tych dzieł jest niezaprzeczalne, a jednocześnie przyjemnie wpływa na odbiór fakt, że są prezentowane w przestrzeni przypominającej ceglany spichlerz pełen naturalnego światła, co nadaje im przystępny charakter. Według kuratorów celem wystawy jest „odpowiedź na wiele pytań stawianych przez głównych bohaterów tej artystycznej rewolucji”. Jednak dobór dzieł i ich prezentacja rodzą także kilka dodatkowych pytań. Wystawa wywołuje rozmowy zarówno o estetycznym długu, jaki ten ruch ma wobec przeszłości, jak i o tym, jakie może być przyszłe dziedzictwo tej postawy.
Symboliczny początek
Jednym z głównych założeń Monumental Minimal jest eksploracja amerykańskiej sztuki minimalnej. Szerszy ruch minimalizmu obejmował niemal cały świat. Skupiając się konkretnie na amerykańskich pionierach tego nurtu, kuratorzy chcieli stworzyć okazję do odkrycia europejskich korzeni, z których czerpali oni inspirację. Jak wspomniano wcześniej, rosyjski konstruktywizm był inspiracją dla „Monumentu dla V. Tatlina” autorstwa Flavina. Mniej znane może być to, jak wielki dług estetyczny niektórzy z innych minimalistycznych artystów zawdzięczają swoim wczesnym europejskim modernistycznym poprzednikom. Jak wskazuje opis wystawy, Carl Andre wymieniał Constantina Brâncușiego jako główny wpływ na strukturę swoich rzeźb, a Brâncuși był także tematem pracy magisterskiej Roberta Morrisa, którą wykonał na Hunter College w 1966 roku. Tymczasem Robert Mangold inspirował się twórczością pioniera De Stijl, Pieta Mondriana, a malowidło ścienne Sola LeWitta na wystawie odwołuje się do teorii barw Josefa Albersa.
Carl Andre - Piąty miedziany kwadrat, 2007. 0,3 x 49,8 x 49,8 cm. (0,1 x 19,6 x 19,6 cala). Za zgodą Galerie Thaddaeus Ropac
Uważam jednak, że zamiast jedynie wskazywać geograficzne korzenie artystów, którzy wpłynęli na amerykańskich minimalistów, ważniejsze jest przyjrzenie się temu, co naprawdę wyróżniało ich twórczość. Podstawowa różnica polega na tym, że artyści tacy jak Tatlin, Brâncuși i Mondrian pracowali w symbolicznym, pojęciowym uniwersum. Nie mam na myśli, że tworzyli obrazy i rzeźby symbolizujące świat rzeczywisty. Raczej wynajdywali nowe, symboliczne abstrakcyjne języki. Ich dzieła nie odnosiły się do konkretnych „rzeczy”, lecz symbolizowały idee. Na przykład Mondrian chciał symbolizować uniwersalne pojęcia takie jak czystość i harmonia, podczas gdy Brâncuși dążył do tworzenia dzieł symbolizujących istotę lub wewnętrzną rzeczywistość swoich tematów. Minimalistyczni artyści na tej wystawie mogą mieć estetyczny dług wobec tych europejskich twórców, ale na tym ich dług się kończy. Amerykańska sztuka minimalna jest samoodniesieniem. Jedyną filozofią, którą wyznaje, jest to, że te sztuczne obiekty są rzeczami samymi w sobie. Jak powiedział Robert Morris: „Nie dla transcendencji i wartości duchowych.”
Otwarte zakończenie przyszłości
Najbardziej podoba mi się w tej wystawie to, że kończy się ona rysunkiem ściennym Sola LeWitta. LeWitt filozoficznie wyróżnia się spośród innych artystów na wystawie. Postrzegał swoje rysunki ścienne i wiele innych prac jako propozycje, które może powtórzyć dosłownie każdy. Zamiast malować rysunek na ścianie i podpisywać go jako unikalne dzieło, LeWitt tworzył pisemny plan pracy. Opisywał go na tyle szczegółowo, że każdy artysta (lub nie-artysta), kto chce, może skopiować instrukcje i odtworzyć dzieło. Piękno jego instrukcji polega na tym, że nie prowadzą one do idealnych kopii za każdym razem. Z powodu nieuniknionych różnic w materiałach, przestrzeniach, powierzchniach oraz rękach i umysłach artystów, każdy rysunek ścienny faktycznie staje się unikalny. To czyni go idealnym dziełem na zakończenie tej wystawy, ponieważ daje artystom i widzom możliwość przejęcia kontroli nad fizycznym i filozoficznym dziedzictwem minimalizmu.
Donald Judd - Bez tytułu (DSS 191), 1969. Rzeźba, mosiądz i niebieski anodowany aluminium. 15,6 x 286,3 x 15,2 cm. (6,1 x 112,7 x 6 cali). Za zgodą Paula Cooper Gallery, Nowy Jork © Judd Foundation / ADAGP, Paryż, 2018
Ta wystawa pokazuje, jak w przeszłości sztuka minimalna wyrażała się jako duchowe poszukiwanie, społecznie konstruktywne dążenie, poszukiwanie pojęciowe, a w przypadku artystów takich jak Judd — czysto obiektywne. Które z tych postaw, jeśli w ogóle, są dziś dla nas istotne? Czy utopijne wizje Władimira Tatlina mogą mieć jakieś znaczenie dla naszego pokolenia, które stoi przed pozornie trudnymi wyzwaniami społecznymi? Czy uniwersalistyczne poszukiwanie harmonii, które wyznawali Brâncuși i Mondrian, może zaoferować współczesnym artystom jakąś pomocną wskazówkę? Czy droga naprzód może się znaleźć w naukowym podejściu głoszonym przez Josefa Albersa? A może, podobnie jak ci amerykańscy minimalni artyści, interesujemy się głównie powierzchownościami? Monumental Minimal podsumowuje to: wszystkie te możliwości są prawdziwe, jak i żadna z nich. Minimalizm może mieć na nas tak monumentalny lub tak minimalny wpływ, jak sami wybierzemy. Dla mnie, choć prawdopodobnie sprawiłoby to, że artysta taki jak Donald Judd skrzywiłby się na to, co mówię, czuję z tej wystawy coś pięknego, a nawet użytecznego: poczucie możliwości zwane nadzieją.
Zdjęcie główne: Dan Flavin, Bez tytułu, 1975. Zielone światło fluorescencyjne 488 cm (192,13 cala) Za zgodą kolekcji prywatnej, Europa © Stephen Flavin / ADAGP, Paryż, 2018. Fot. Florian Kleinefenn
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
