Refleksje w wodzie - Fotografia Barbary Vaughn

Jednym ze wskaźników sukcesu abstrakcyjnego zdjęcia jest to, jak łatwo pozwala widzom spojrzeć poza dowody obiektywności i otworzyć się na związki z nieznanym. Według takiego kryterium abstrakcyjne fotografie wody Barbara Vaughn niemal zawsze odnoszą sukces. Vaughn rozpoczęła karierę jako fotograf portretowy na początku lat 90., uwieczniając wpływowe osobistości takie jak Martha Stewart, Tory Burch, Bryan Hunt i Roy Lichtenstein. Jednak po drodze zaczęła odczuwać pociąg do abstrakcji. Stworzyła serię aktów, w których badała symbiozę między ludzką formą a biomorficznymi cechami natury. W tych obrazach nadrzędne są z natury abstrakcyjne wzory i kształty środowiska naturalnego. Jednak zdjęcia pozostają figuratywne: są nieco ograniczone przez tematykę. W 2000 roku, podczas zimowego wypadu na narty w Idaho, Vaughn spotkała mężczyznę o imieniu Telly Hoimes, czekając na wynajem samochodu. Od razu się polubili, a później pobrali. Hoimes pochodził z rodziny grecko-amerykańskiej. Podczas wizyty z nim w jego ojczyźnie Vaughn po raz pierwszy zauważyła ulotne abstrakcyjne odbicia światła i kształtów bawiących się na powierzchni wody. Od tamtej pory próbuje zatrzymać te efemeryczne chwile za pomocą aparatu. Efekt jest niezwykły. Choć jej abstrakcyjne fotografie wody czasem można odczytać po prostu jako piękne odbicia w wodzie, często wykraczają one poza swój figuratywny pierwowzór, sublimując go i oferując nam spojrzenie na coś uniwersalnego.

Konkretna abstrakcja

Język form widoczny w wielu abstrakcyjnych fotografiach wody Barbary Vaughn porównywano do dzieł niektórych najsłynniejszych abstrakcyjnych artystów przeszłości. Przyrównywano go do obrazów Jacksona Pollocka, Pablo Picassa i Clyfforda Stilla, a także do rzeźb Alexandra Caldera. W jej serii Apokopes odniesienie do Caldera jest szczególnie widoczne, gdyż koła, kształty nerkowate i owalne układają się z figlarnymi liniami w doskonale harmonijną kompozycję. Podczas gdy Calder formułował swoje kompozycje w przestrzeni fizycznej za pomocą metalowego drutu, te kompozycje zostały ukształtowane przez wiatr i fale i uchwycone w ułamku sekundy przez obiektyw.

Barbara Vaughn - Apokopes 1, 2014, Archiwalny wydruk pigmentowy (po lewej) i Apokopes 2, 2014, Archiwalny wydruk pigmentowy (po prawej). © Barbara Vaughn

Powiązania między Vaughn a Jacksonem Pollockiem można najłatwiej zrozumieć, patrząc na niektóre zdjęcia z jej serii Donisi. Choć oczywiście jako odbitki fotograficzne te obrazy nie mają impastowej faktury malarstwa akcji Jacksona Pollocka, linie, warstwy, kombinacje kolorów i harmonijne kompozycje natychmiast przywodzą na myśl zmysłowe, płynne rytmy, które Pollock tak często przekazywał w swoich dziełach. Przypominają słynną odpowiedź, jaką Pollock podobno udzielił, gdy Barcio przyprowadziła Hansa Hofmanna do jego pracowni, aby zobaczył jego prace. Hofmann zapytał Pollocka: „Czy pracujesz z natury?” Na co Pollock odpowiedział: „Ja jestem naturą.”

Barbara Vaughn - Donisi, 2014, Archiwalny wydruk pigmentowy (po lewej) i Donisi 2, 2016, Archiwalny wydruk pigmentowy (po prawej). © Barbara Vaughn

Duchy przeszłej abstrakcji

Można by zapewne cały dzień kontynuować porównania między fotografiami Barbary Vaughn a dziełami innych słynnych abstrakcyjnych artystów XX wieku. Na przykład w fotografii Vicinato z 2012 roku można dostrzec paletę barw abstrakcyjnego pejzażu Willema de Kooninga. Iluzja faktury widoczna w niektórych liniach nawet sugeruje technikę De Kooninga, polegającą na zdzieraniu i drapaniu powierzchni. W tej samej fotografii można również dostrzec poszarpane pola barwne Clyfforda Stilla. Choć orientacja zdjęcia jest pozioma, a nie charakterystyczna pionowa dla Stilla, emocjonalna siła relacji kolorystycznych pozostaje.

Barbara Vaughn - Vicinato, 2012, Archiwalny wydruk pigmentowy. © Barbara Vaughn

W fotografiach takich jak Varka (2012) i Symadoura (2011) bardzo łatwo dostrzec echa wdzięcznych, płynnych plam, które Helen Frankenthaler tworzyła swoją techniką nasiąkania. To, co Frankenthaler z powodzeniem osiągnęła, wylewając rozcieńczoną farbę akrylową bezpośrednio na niegruntowane płótno, Vaughn osiągnęła, cierpliwie czekając z aparatem, podczas gdy te same siły natury, które współpracowały z Frankenthaler, by przemienić powierzchnię jej obrazów, działały swoją magię w przemijających chwilach na powierzchni zbiornika wodnego.

Barbara Vaughn - Varka, 2012, Archiwalny wydruk pigmentowy (po lewej) i Symadoura, 2011, Archiwalny wydruk pigmentowy (po prawej). © Barbara Vaughn

Poza porównaniami

Niemniej jednak, mimo jak łatwo przychodzą na myśl, powinniśmy powstrzymać się od instynktownego poszukiwania porównań między abstrakcyjnymi fotografiami wody Barbary Vaughn a dziełami innych artystów. Jaka jest różnica między szukaniem odniesień do innej abstrakcyjnej sztuki w abstrakcyjnym obrazie a poszukiwaniem w nim figuratywnej tematyki? Powinno być już jasne, że tak, obiektywne zjawiska w naturalnym i zbudowanym środowisku, w którym żyjemy, często skutkują obrazami, które w nieoczywisty sposób korelują z estetycznymi zjawiskami tworzonymi przez abstrakcyjnych artystów.

Ale Barbara Vaughn robi coś więcej niż tylko robi figuratywne zdjęcia abstrakcyjnych obrazów. Obserwując niestrudzenie, jak obrazy przed jej oczami zmieniają się wraz z upływem dnia, współpracuje z siłami, których nie może kontrolować. Podejmuje decyzje, gdzie czekać, gdzie skierować obiektyw i kiedy nacisnąć spust migawki, jednocześnie akceptując nieuchronność przypadku i nieznanego. W ten sposób nie tylko wyraża własną estetyczną postawę; pozwala wyrazić się podstawowym uniwersaliom, które kształtują wszystkie zjawiska estetyczne.

Barbara Vaughn - Synthesi, 2015, Archiwalny wydruk pigmentowy. © Barbara Vaughn

Zdjęcie wyróżnione: Barbara Vaughn - Portokali (szczegół), 2012, Archiwalny wydruk pigmentowy. © Barbara Vaughn
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio