Reinterpretacja kolażu - Brenna Youngblood

Jeśli, podobnie jak wielu miłośników sztuki, nieustannie nosisz ze sobą bagaż obejrzenia dziesiątek tysięcy dzieł sztuki w swoim życiu, możesz, przeglądając szybko prace Brenny Youngblood, odwołać się do nazwisk innych artystów z przeszłości, którzy tworzyli dzieła o pozornie podobnej estetyce. Na przykład Robert Rauschenberg od razu przychodzi na myśl, gdy patrzy się na multimedialną kolażową pracę Untitled (Double Lincoln), wykonaną przez Youngblood w 2008 roku. Lub obraz Youngblood z 2015 roku Democratic Dollar może przywołać abstrakcyjne użycie surowej ikonografii spopularyzowanej przez Jaspera Johnsa. Albo dadaistka Hannah Höch może pojawić się w twojej świadomości, gdy patrzysz na obraz Youngblood Foreva, z 2005 roku. Wreszcie nazwisko Arman, pionier sztuki akumulacji, może się nasunąć, gdy patrzysz na obraz Youngblood z 2005 roku The Army. Niewątpliwie każda z tych prac zawdzięcza pewną estetyczną głębię artystom z przeszłości. Ale każda z tych prac stoi też pewnie sama za siebie. Wszyscy wymienieni wyżej artyści sięgali po techniki kolażu, asamblażu i akumulacji oraz użycie znalezionych przedmiotów z powodów związanych z ich własnymi czasami. Youngblood czasem korzysta z ich technik i w efekcie tworzy obrazy przywołujące ich duchy, ale jej twórczość należy do teraźniejszości.

Kolaż jako pismo odręczne

Gdy kolaż został po raz pierwszy użyty w sztuce wysokiej przez pionierów kubizmu Pabla Picassa i Georgesa Braque’a, stworzył formę superrealizmu, wprowadzając do powierzchni dzieł sztuki rzeczywiste materiały i przedmioty z fizycznego świata, mieszając w nowatorski sposób iluzję z konkretem. Stworzył też rodzaj estetycznego skrótu, który później rozwinęli artyści dadaistyczni, tacy jak Hannah Höch i Francis Picabia, używając kolażu do natychmiastowego wyrażenia absurdalności. Gdy Robert Rauschenberg sięgnął po kolaż, zrobił to, by zbadać abstrakcyjne możliwości ikonograficznych obrazów, mieszając je w sposób kwestionujący znaczenie rozpoznawalnej rzeczywistości. Każdy z tych artystów używał kolażu nieco inaczej, ale wszyscy mieli wspólną ideę, że kolaż służy do wyrażenia wiele za pomocą niewielu środków.

Brenna Youngblood używa kolażu w subtelnie inny sposób. Jej użycie fotografii i znalezionych przedmiotów na powierzchniach obrazów nie tworzy raczej skrótu, lecz coś na kształt pisma odręcznego. Stosuje kolaż i asamblaż w sposób, który pogłębia warstwy jej obrazów i zwiększa ich potencjalną narracyjną głębię. Jej kolaże nie mają gorzkiego sarkazmu dadaizmu. Unikają konceptualnej, akademickiej dociekliwości artystów takich jak Rauschenberg. Mają coś wspólnego z dziełami Picassa i Braque’a, gdyż zdają się dążyć do ukazania wyostrzonej rzeczywistości. Ale rzeczywistość, którą Youngblood wyraża w swoich kolażach, jest bardziej żywiołowa, surowa, osobista i intuicyjna niż wczesna rzeczywistość modernistyczna badana przez Picassa i Braque’a. To rzeczywistość bez wyraźnego kierunku czy moralności i bez jasnej perspektywy. Wciąż się rozwija. Zamiast ją krytykować, definiować czy wyjaśniać, Youngblood poprzez swoje pismo odręczne kolażu i asamblażu bogato ją wzbogaca warstwami bogactwa, tajemnicy i rozmachu.

Brenna Youngblood - Chuck Taylor, 2015, fotografia barwna i akryl na płótnie, 72 × 60 cali, (po lewej) oraz X, 2015, papier i akryl na płótnie, 72 × 60 cali, (po prawej), zdjęcia dzięki uprzejmości artystki i galerii Honor Fraser, Los Angeles, Kalifornia

Powierzchnia jako obraz

W ostatnich latach Brenna Youngblood coraz mniej korzysta z kolażu i asamblażu, zwracając się bardziej ku malarstwu, tworząc warstwowe pola kolorów i struktur. Jej najnowsze obrazy są głęboko nastrojowe, czasem nawet ponure. To dynamiczne, pewne siebie obiekty wizualne. Niektóre z nich można niemal odczytać jako monochromatyczne pola barw, być może podobne w pewnych aspektach do dzieł artystów Color Field z lat 60. i 70. XX wieku. Jednak podczas gdy dzieła tych artystów zapraszają do kontemplacji, często służąc jako punkt wyjścia do transcendentalnego doświadczenia umysłowego, te zeskrobane, rustykalne, zużyte i zniszczone powierzchnie Youngblood łatwiej odczytać jako estetyczne cele same w sobie.

Youngblood maluje, zeskrobuje, maluje i zeskrobuje, nakładając warstwę po warstwie barwy; miesza zużyte i impastowe faktury w sposób, który swobodnie rozmawia z współczesnym światem wytworzonym przez człowieka. To obrazy powierzchniowe. Są celem samym w sobie. Czy wyrażają jakieś przesłania lub stawiają pytania, jest nie do odczytania, a może i nieistotne. Jak wizualne wycinki życia zawierają całą złożoność i zamęt kultury, którą odzwierciedlają. Patrzenie na te obrazy powierzchniowe jest niemal jak podglądanie, prawie fetyszyzowanie. Youngblood maluje nasz czas bez osądu, w sposób jednocześnie koszmarny i piękny.

Brenna Youngblood - Division, 2017, tapeta, farba akrylowa i spray na znalezionym drewnie, 71 3/10 × 60 × 1 3/5 cala (po lewej) oraz Untitled (red room), 2017, fotografie i farba akrylowa na płótnie, 40 1/5 × 29 9/10 × 1 3/5 cala, zdjęcia dzięki uprzejmości artystki i Galerie Nathalie Obadia, Paryż i Bruksela

Wizja i objawienie

Im dłużej patrzę na dzieła Brenny Youngblood, tym mniej kojarzą mi się one z dziesiątkami tysięcy obrazów innych dzieł sztuki, które widziałem w życiu; a im głębiej je rozważam, tym mniej przypominają mi tych, którzy w przeszłości używali podobnych technik. Im bliżej się przyglądam, tym więcej nagród dostaję za to, co widzę. Nie nazwałbym Youngblood wizjonerką, ponieważ czuję zbyt wiele, gdy widzę jej prace, jakby niespokojnie czegoś szukała. Jej wizja nie jest jasna, choć poszczególne dzieła mają klarowność. Ale nie podążyłbym też za innymi krytykami sztuki, którzy spieszyli się z porównaniami do jej poprzedników, skupiając się tylko na formalnościach, takich jak materiały i technika.

To, co najbardziej uderza mnie w całym dorobku Brenny Youngblood, artystki, która miejmy nadzieję jest jeszcze na wczesnym etapie kariery, to nie to, co ujawnia, lecz to, że tak wyraźnie ma potencjał, by pewnego dnia być objawiająca. Youngblood posiada szczerość, która zaprasza do prawdy. Jej obrazy, rzeźby i instalacje to indywidualne próby uchwycenia czegoś prawdziwego. Często udaje jej się to, co tak często wydaje się niemożliwe: autentyczność; i równie często udaje jej się uchwycić coś prawdziwego na tyle długo, by dać nam wszystkim przelotny wgląd.

Brenna Youngblood - Untitled (subtraction sign), 2011, drzewo, 3 × 21 × 3 cale, zdjęcia dzięki uprzejmości artystki i The Landing, Los Angeles

Zdjęcie główne: Brenna Youngblood - The Army, 2005, zdjęcia dzięki uprzejmości artystki i Hammer Museum, Los Angeles, Kalifornia

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio