Wspaniała Austeria Bena Nicholsona

Kiedy Ben Nicholson zmarł w 1982 roku w wieku 88 lat, pozostawił po sobie kontrowersyjne dziedzictwo w swojej ojczyźnie, Anglii. Z jednej strony, jego abstrakcyjne reliefy są uważane przez większość brytyjskich uczonych za uosobienie brytyjskiego modernizmu. Z drugiej strony, Nicholson miał reputację kogoś, kto był nieco pretensjonalny — artysty, który często i strategicznie zmieniał style, aby pozostać aktualnym na rynku. Pewnego dnia tworzył abstrakcyjny relief, ale widząc, że nie sprzedaje się, następnego dnia wracał do malowania pięknego krajobrazu. Która wersja Nicholsona jest najbliższa rzeczywistości, wciąż pozostaje gorąco dyskutowanym tematem w Wielkiej Brytanii, gdy tylko pojawia się retrospektywa jego prac. Jednak dla widzów spoza Wielkiej Brytanii pytanie to ma charakter czysto akademicki. Ostatecznie na arenie międzynarodowej, dzięki swoim obrazom reliefowym, Nicholson dodał coś unikalnego do historii modernistycznej sztuki abstrakcyjnej — co nie jest łatwym osiągnięciem dla nikogo. Jego dziedzictwo nie ma nic wspólnego z tym, czy tworzył te prace, ponieważ myślał, że się sprzedadzą, czy też tylko próbował być strategiczny, aby konkurować z rówieśnikami. Reliefy są po prostu fenomenalnymi przykładami surowości i precyzji, i jako takie zasługują na uwielbienie. To właśnie ich surowość i precyzja sprawiają, że tak wiele osób opisuje te reliefy jako kwintesencjonalnie brytyjskie. Są jak konkretne reprezentacje brytyjskiego pragnienia, aby wszystko w chaotycznym świecie zostało zredukowane do czegoś prostego, wyraźnego i bezpośredniego. Jednak ich nadmiernie przetworzone powierzchnie i obsesyjna metodologia mogą również ujawniać coś innego o kulturze brytyjskiej — że tuż pod powierzchnią tej publicznej dążności do surowości kryje się nurt niepokoju i obsesji.

Poszukiwanie nowości

Nicholson urodził się w 1894 roku w rodzinie, która dosłownie przepełniona była artystycznym talentem. Jego ojciec i matka byli malarzami, a jego babcia ze strony matki była siostrzenicą artystów Roberta Scotta Laudera i Jamesa Eckforda Laudera. Nicholson nie tylko dorósł, aby zostać artystą, ale także jego siostra, a jego brat został architektem. Zamiast cieszyć się swoim dziedzictwem artystycznym, Nicholson starał się zdystansować od tego, co jego zdaniem było mdłym romantycznym widzeniem. Nicholson był początkującym modernistą. Chciał tworzyć aspiracyjne dzieła, które pokazywałyby najbardziej idealne aspekty nowoczesnego świata. Mając te aspiracje na uwadze, w wieku 16 lat zapisał się do Slade School of Fine Art, najbardziej prestiżowej brytyjskiej szkoły artystycznej, w 1910 roku. Ale najwyraźniej wolał spędzać czas na grze w bilard zamiast chodzić na zajęcia i ostatecznie zrezygnował po jednym semestrze.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Miedzioryt na użytej płycie (wcześniej I.C.I. shed, 1948). Dowód BAT; podpisany ołówkiem 'bon a tirer BN'; podpisany ołówkiem na odwrocie 'proof artysty (moonshine)'; adnotacje ołówkiem na odwrocie w innym ręcznym piśmie. 12 3/5 × 15 in; 32 × 38 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn.

Nicholson później wspominał, że jego najlepsze doświadczenie edukacyjne w sztuce miało miejsce, gdy w 1917 roku podróżował do Stanów Zjednoczonych. Podczas wizyty w Kalifornii natknął się po raz pierwszy na dzieło syntetycznego kubizmu Picasso. Zarysowanie rzeczywistości w uproszczone masy i płaszczyzny miało głęboki wpływ na Nicholsona, który porównał resztę swojej twórczości do tego standardu. Jednak dopiero w 1924 roku udało mu się stworzyć swoją pierwszą abstrakcyjną kompozycję. Tytuł „1924 (pierwszy obraz abstrakcyjny, Chelsea)” miał wymiary 55,4 x 61,2 cm. Praca olejna i ołówkowa na płótnie składa się z układu stonowanych, nakładających się kwadratów i prostokątów ustawionych pod lekkim kątem. Powierzchnia jest malarska, ale także płaska. Wydaje się nawiązywać do kompozycji geometrycznych artystów takich jak Malevich i Mondrian, ale jego skromne cechy materiałowe nadają mu znacznie mniej akademicki charakter niż prace tych artystów. Jednak po namalowaniu tej kompozycji Nicholson wrócił z powrotem do swoich pejzaży i martwych natur. Minęło jeszcze dziesięć lat, zanim dotarł do abstrakcyjnych reliefów, które uczyniły go sławnym.

Ben Nicholson - Martwa natura, 1962. Litografia na papierze. 18 1/2 × 26 cali; 47 × 66 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Frestonian Gallery, Londyn

Słodka ulga

Drugim po Picassie artystą, który miał najgłębszy wpływ na Nicholsona, była Barbara Hepworth. Nicholson i Hepworth zaczęli się spotykać około 1931 roku. Ich związek miał na początku charakter zawodowy, ale szybko przerodził się w romans, co spowodowało rozwód jego pierwszej żony z Nicholsonem. W przeciwieństwie do Nicholsona, Hepworth była pewna swojej drogi do abstrakcji. Wierzyła w wartość mas i płaszczyzn, i wiedziała, że abstrakcyjna forma może być doceniana wyłącznie za swoje materialne i formalne cechy. Trzy lata po rozpoczęciu związku z Hepworth, Nicholson stworzył swoje pierwsze rzeźby w reliefie. Aby stworzyć te prace, wycinał proste kształty, takie jak koła i kwadraty, z tektury, a następnie kleił arkusze tektury na innych arkuszach tektury. Prace były zaprojektowane do zawieszenia na ścianie, a ich trójwymiarowe cechy kwestionowały tradycyjną płaskość malarstwa. Malował ich powierzchnie stonowanymi odcieniami, a następnie obsesyjnie zdzierał farbę ostrzami żyletki. Porównywał ten proces do obserwowania, jak jego matka szoruje stół kuchenny, gdy był dzieckiem. Wytarty estetyka kontrastuje z minimalną precyzją form w sposób, który tworzy zarówno dysonans, jak i równowagę.

Ben Nicholson - Fragment olimpijski, 1966. Miedzioryt. 7 9/10 × 9 4/5 cala; 20 × 25 cm. Edycja 60. Zdjęcie Osborne Samuel, Londyn

Nicholson i Hepworth pobrali się w 1938 roku, a rozwiedli w 1951 roku. W trakcie ich związku Nicholson w pełni rozwinął swoją uproszczoną, abstrakcyjną wizję. Nawet po zakończeniu ich relacji, kontynuował tworzenie swoich geometrycznych reliefów i uproszczonych obrazów abstrakcyjnych. Ale były też liczne okresy, kiedy wracał do komfortu pracy przedstawiającej. Może to prawda, że robił to tylko po to, aby zarobić pieniądze, ponieważ brytyjscy kolekcjonerzy nie zawsze byli chętni do wspierania sztuki abstrakcyjnej w tamtych czasach. A może Nicholson po prostu był ciekawy wzajemnych relacji między abstrakcją a figuracją. Być może postrzegał swoje reliefy mniej jako abstrakcję, per se, a bardziej jako przykłady eliminacji ornamentu. W tym sensie, może nie próbował porzucić rzeczywistości przedstawiającej, ale raczej starał się rozszerzyć jej definicję. Jeśli tak jest, to podobnie jak konstruktywiści, Nicholson zdefiniował wszelkie poczucie stylu i zamiast tego zaoferował złożoną wizję estetyczną, która obejmowała jego własne nadzieje na bardziej nowy, bardziej warstwowy i bardziej szczery świat.

Obraz wyróżniający: Ben Nicholson - długa pozioma Patmos, 1967. Miedzioryt. Dowód artysty; podpisany i datowany 'Nicholson 67'; opisany na odwrocie ołówkiem. 'BN copy box kopia artysty nr 6'. 11 7/10 × 17 4/5 cali; 29,7 × 45,2 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio