Wspaniała Austeria Bena Nicholsona

Kiedy Ben Nicholson zmarł w 1982 roku w wieku 88 lat, pozostawił po sobie skomplikowane dziedzictwo w swojej ojczyźnie, Anglii. Z jednej strony jego abstrakcyjne reliefy są uważane przez większość brytyjskich badaczy za ucieleśnienie brytyjskiego modernizmu. Z drugiej strony Nicholson miał opinię artysty nieco teatralnego — twórcy, który często i strategicznie zmieniał style, aby pozostać na czasie na rynku. Jednego dnia tworzył abstrakcyjny relief, ale widząc, że nie sprzedaje się, następnego dnia wracał do malowania pięknego pejzażu. Która wersja Nicholsona jest bliższa prawdzie, pozostaje gorąco dyskutowanym tematem w Wielkiej Brytanii za każdym razem, gdy pojawia się retrospektywa jego twórczości. Jednak dla widzów spoza Wielkiej Brytanii kwestia ta ma charakter czysto akademicki. Międzynarodowo rzecz biorąc, dzięki swoim reliefom Nicholson wprowadził coś wyjątkowego do historii modernistycznej sztuki abstrakcyjnej — co nie jest łatwym osiągnięciem dla nikogo. Jego dziedzictwo nie ma nic wspólnego z tym, czy tworzył te dzieła, bo uważał, że się sprzedadzą, czy też działał strategicznie, by konkurować z rówieśnikami. Reliefy są po prostu fenomenalnymi przykładami surowości i precyzji, i jako takie zasługują na uwielbienie. To właśnie ich surowość i precyzja sprawiają, że tak wielu ludzi opisuje reliefy jako kwintesencję brytyjskości. Są jak namacalne wyobrażenie brytyjskiej potrzeby, by wszystko w chaotycznym świecie sprowadzić do czegoś prostego, wyraźnego i bezpośredniego. Jednak ich nadmiernie opracowane powierzchnie i obsesyjna metoda być może ujawniają coś jeszcze o brytyjskiej kulturze — że tuż pod powierzchnią tego publicznego dążenia do surowości kryje się podskórny niepokój i obsesja.

Poszukiwanie nowości

Nicholson urodził się w 1894 roku w rodzinie dosłownie przepełnionej talentem artystycznym. Jego ojciec i matka byli malarzami, a babka ze strony matki była siostrzenicą artystów Roberta Scotta Laudera i Jamesa Eckforda Laudera. Nie tylko Nicholson sam został artystą, ale także jego siostra, a brat został architektem. Jednak zamiast rozkoszować się swoim artystycznym dziedzictwem, Nicholson starał się od niego odciąć, ponieważ uważał je za mdło romantyczną wizję. Był początkującym modernistą. Chciał tworzyć dzieła aspirujące do ukazania najdoskonalszych aspektów nowoczesnego świata. Z tymi aspiracjami w wieku 16 lat zapisał się do Slade School of Fine Art, najbardziej prestiżowej brytyjskiej szkoły artystycznej, w 1910 roku. Jednak najwyraźniej wolał spędzać czas grając w bilard niż chodzić na zajęcia i po jednym semestrze zrezygnował.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Suchoryt na używanej płycie (wcześniej I.C.I. szopa, 1948). Odbitka BAT; ołówek: 'bon a tirer BN'; ołówek na odwrocie: 'proof artysty (moonshine)'; adnotacje ołówkiem na odwrocie inną ręką. 12 3/5 × 15 cali; 32 × 38 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn

Nicholson później wspominał, że najlepsze doświadczenie edukacyjne w sztuce miał podczas podróży do Stanów Zjednoczonych w 1917 roku. Podczas wizyty w Kalifornii po raz pierwszy zetknął się z syntetycznym kubizmem Picassa. Podział rzeczywistości na uproszczone masy i płaszczyzny wywarł na nim ogromne wrażenie, a resztę swojej twórczości porównywał do tego wzorca. Jednak dopiero w 1924 roku udało mu się stworzyć własną pierwszą abstrakcyjną kompozycję. Tytułowana „1924 (pierwszy obraz abstrakcyjny, Chelsea)”, miała wymiary 55,4 x 61,2 cm. Praca olejna i ołówek na płótnie składa się z układu stonowanych, nakładających się kwadratów i prostokątów lekko pochylonych pod kątem. Powierzchnia jest malarska, ale też płaska. Wydaje się nawiązywać do geometrycznych kompozycji artystów takich jak Malevicz i Mondrian, ale jego skromne cechy materiałowe nadają mu znacznie mniej akademicki charakter niż dziełom tych artystów. Po namalowaniu tej kompozycji Nicholson wrócił jednak do pejzaży i martwych natur. Minęło jeszcze dziesięć lat, zanim dotarł do abstrakcyjnych reliefów, które przyniosły mu sławę.

Ben Nicholson - Martwa natura, 1962. Litografia na papierze. 18 1/2 × 26 cali; 47 × 66 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Frestonian Gallery, Londyn

Słodka ulga

Po Picassie artystą, który wywarł na Nicholsona największy wpływ, była Barbara Hepworth. Nicholson i Hepworth zaczęli się spotykać około 1931 roku. Ich związek zaczął się od relacji zawodowej, ale szybko przerodził się w romans, co doprowadziło do rozwodu Nicholsona z pierwszą żoną. W przeciwieństwie do Nicholsona, Hepworth była pewna swojej drogi ku abstrakcji. Wierzyła bezwzględnie w wartość mas i płaszczyzn i wiedziała, że forma abstrakcyjna może być doceniana wyłącznie za swoje własne cechy materialne i formalne. Trzy lata po rozpoczęciu związku z Hepworth, Nicholson stworzył swoje pierwsze reliefy rzeźbione. Aby wykonać te prace, wycinał proste kształty, takie jak koła i kwadraty, z tektury, a następnie przyklejał arkusze tektury na inne arkusze. Dzieła miały być zawieszane na ścianie, a ich trójwymiarowość kwestionowała tradycyjną płaskość malarstwa. Malował ich powierzchnie stonowanymi barwami, a następnie obsesyjnie zdzierał farbę żyletkami. Porównywał ten proces do obserwowania, jak jego matka szorowała kuchenny stół, gdy był dzieckiem. Zużyty wygląd przeczył minimalnej precyzji form, tworząc jednocześnie dysonans i równowagę.

Ben Nicholson - Fragment olimpijski, 1966. Suchoryt. 7 9/10 × 9 4/5 cali; 20 × 25 cm. Nakład 60 egzemplarzy. Zdjęcie Osborne Samuel, Londyn

Nicholson i Hepworth pobrali się w 1938 roku, a rozwiedli w 1951. W trakcie ich związku Nicholson w pełni dojrzał swoją oszczędną, abstrakcyjną wizję. Nawet po zakończeniu relacji kontynuował tworzenie geometrycznych reliefów i oszczędnych obrazów abstrakcyjnych. Jednak zdarzały się też dłuższe okresy, gdy wracał do komfortu dzieł przedstawiających rzeczywistość. Być może prawdą jest, że robił to tylko dla pieniędzy, ponieważ brytyjscy kolekcjonerzy nie zawsze chętnie wspierali sztukę abstrakcyjną w tamtych czasach. A może Nicholson po prostu interesował się wzajemnym związkiem abstrakcji i figury. Być może postrzegał swoje reliefy nie tyle jako abstrakcję, co jako przykłady eliminacji ozdób. W tym sensie może nie próbował porzucić rzeczywistości przedstawiającej, lecz raczej rozszerzyć jej definicję. Jeśli tak jest, to podobnie jak konstruktywiści, Nicholson przeciwstawiał się jakimkolwiek stylom i zamiast tego oferował złożoną wizję estetyczną, obejmującą jego własne nadzieje na świat bardziej nowatorski, wielowarstwowy i szczery.

Zdjęcie główne: Ben Nicholson - długi poziomy Patmos, 1967. Suchoryt. Odbitka artysty; podpisany i datowany 'Nicholson 67'; ołówek na odwrocie: 'BN copy box artist's copy no 6'. 11 7/10 × 17 4/5 cali; 29,7 × 45,2 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio