Radość z kolorowej sztuki abstrakcyjnej w galerii Mnuchin

Galeria Mnuchin w Nowym Jorku obecnie prezentuje Radość Koloru, radosną wystawę zbiorową kolorowej sztuki abstrakcyjnej z lat 1939-2018. Wystawa oferuje unikalny wgląd w wiele sposobów, w jakie artyści mobilizują kolor jako treść i koncepcję. Prezentuje prace wielu historycznie ważnych artystów, których galeria reprezentuje, takich jak Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis i Sam Gilliam, obok pionierskich artystów XX wieku, takich jak Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland i Jack Bush. Włączono również obrazy istotnych współczesnych artystów, takich jak Laura Owens i Sean Scully oraz względnych nowicjuszy, takich jak Sarah Crowner i Nathlie Provosty. Dla niektórych nowojorczyków ta wystawa może stanowić idealną okazję do powrotu do przestrzeni Mnuchina. W 2016 roku krytyk sztuki magazynu New York, Jerry Saltz, opublikował wywód zatytułowany „Dlaczego nie zamierzam już chodzić do Galerii Mnuchin”. Wskazał na Stevena Mnuchina—syna właściciela galerii Roberta Mnuchina—który został mianowany szefem finansów kampanii ówczesnego kandydata na prezydenta Donalda Trumpa jako powód. Od czasu ukazania się tego tekstu, Steven Mnuchin został mianowany sekretarzem skarbu Stanów Zjednoczonych. Z powodów, które nie mają nic wspólnego ze sztuką, a wszystko z ideologią, Saltz zachęcał swoich czytelników do ukarania sprzedającego sztukę ojca za postrzegane polityczne grzechy syna. Taka wymyślona dramatyzacja jest absurdalna, ale mimo to, każdy, kto uległ społecznemu naciskowi, powinien uznać Radość Koloru za idealną wymówkę, aby dać galerii nową szansę. Wystawa bardziej przypomina spacer po nowoczesnej i współczesnej sekcji małego, ale ważnego muzeum niż spacer po komercyjnej galerii. Prace pokazują dokładnie, jak sztuka abstrakcyjna w najlepszym wydaniu ma zdolność do przekraczania drobnych politycznych sporów i otwierania nowych drzwi percepcji tego, co jest piękne i znaczące w tym świecie.

Kolor jako strategia

Radość Koloru otwiera skromny mobil Calder'a wiszący z sufitu przy schodach. Czerwone, żółte, białe i szare abstrakcyjne formy delikatnie wirują w powiewach wytwarzanych przez nasze ciała i oddech. Calder używał koloru, aby skłonić ludzi do myślenia o „idei oderwanych ciał unoszących się w przestrzeni.” Te kapryśne kolorowe formy oferują coś, co można podziwiać, rozważając uniwersalne kwestie, takie jak fizyka i mechanika. Poza mobilem, po obu stronach łuku znajdują się dwa małe obrazy. Po lewej stronie znajduje się „Lode” (2018) autorstwa Nathlie Provosty. Po prawej stronie jest untitled color field autorstwa Marka Rothko, ok. 1959. Obie kompozycje są strukturalne, płaskie i prostokątne. Obie wykorzystują subtelne zmiany koloru, aby zaprosić widza do kontemplacyjnego doświadczenia. Kolor nie jest tutaj treścią, ile punktem wejścia do percepcyjnych spotkań z naszym wnętrzem. Obraz Provosty, zwłaszcza, z jego subtelnymi wariacjami żółtego, ujawnia zniuansowane różnice między pozornie podobnymi rzeczami—tylko generalizując możemy nazwać to monochromem. Każde żółte nie jest takie samo.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olej na lnie na panelu aluminiowym. 19 x 15 cali (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Dzięki uprzejmości Mnuchin Gallery

Inne obrazy w wystawie, które wykorzystują kolor jako strategię angażowania innych rodzajów treści, to „Aleph Series V” (1960) autorstwa Morrisa Louisa, „Landline Green Bolt” (2018) autorstwa Seana Scully'ego, untitled obraz autorstwa Laure Owens z 2006 roku oraz untitled płótno autorstwa Joan Mitchell z 1958 roku. Obraz Louisa przyciąga nasze oczy wibrującymi relacjami kolorów wokół krawędzi, ale gdy kolory łączą się w ciemności w centrum, stajemy się bardziej świadomi powierzchni: niegruntowane płótno staje się jednością z farbą, tak jak kolory i formy stają się jednością ze sobą - wszystko topnieje w jedno. Obraz Scully'ego wykorzystuje kolor, aby zaangażować nas w rozważania na temat pociągnięć pędzla i tekstur, zapraszając do docenienia materialnych cech farby. Obraz Owens wykorzystuje kolor jako emocjonalny bodziec. Jego radosna paleta odzwierciedla figuratywne aspekty dzieła, które czerpią przyjemność z kobiecości, otwartości i natury. Wreszcie, burzliwe ślady pędzla na płótnie Mitchell pokazują nam, jak kolor może stać się synonimem nastroju, wyrażając najgłębszy niepokój ludzkiego ducha.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olej na aluminium. 85 x 75 cali (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Dzięki uprzejmości Mnuchin Gallery

Kolor jako przestrzeń

Wiele obrazów w Radości Koloru wykorzystuje kolor w bardziej formalny sposób, ukazując kolor jako skutecznego twórcę i delineatora przestrzeni wizualnej. „Czerwone Wrażenia Natury” (1968) autorstwa Almy Thomas oferuje epickie wyjaśnienie tego konceptu. Z daleka kolory ogłaszają liniową strukturę, dzieląc architekturę wizualną na pionowe pasy. Przy bliższym zbadaniu kolumny łamią się w mnóstwo organicznych kształtów. Biała przestrzeń między kształtami a kolumnami afirmuje się jako świat poza powierzchnią. Podobna magia działa w „Truskawce” (1970) autorstwa Jacka Busha. Ogromny, różowawy kształt „U” odbija swoim odcieniem tytuł obrazu, podczas gdy jaśniejszy różowy background, usiany ciemnymi plamami, ustanawia wymiarowość. Uzupełniający pasek kolorów wzdłuż dolnej części płótna zarówno spłaszcza przestrzeń, jak i oszukuje oko, sprawiając wrażenie połączenia linii horyzontu i kinetycznego pochodu geometrycznych kształtów.

Alma Thomas - Czerwone wrażenia natury, 1968. Akryl na płótnie. 51 x 49 1/2 cala (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Dzięki uprzejmości Mnuchin Gallery

Wśród najbardziej przykuwających wzrok kompozycji przestrzennych na wystawie znajdują się „Elberta” (1975) autorstwa Helen Frankenthaler, „Mysteries: Aglow” (2002) autorstwa Kenneth Noland oraz „The Wave (Urszula)” (2014) autorstwa Sarah Crowner. Frankenthaler tworzy ogromną otwartość w swoim malarstwie na bazie nasiąkniętej farbą, otwierając oko na rozległy i świetlisty wizualny wszechświat; Noland osiąga przeciwny efekt, upraszczając i centralizując przestrzeń za pomocą swojej znanej kompozycji w kształcie tarczy; Crowner organizuje przestrzeń w harmonijną dysonans z wibrującymi, biomorficznymi formami fal w kolorach czerwonym i pomarańczowym. Jednak najbardziej głębokie stworzenie przestrzeni pochodzi od „Atmosphere” (1972) autorstwa Sama Gilliama. Jego charakterystyczna technika fazowania krawędzi powierzchni pozwala kolorom tworzyć przestrzeń poza fizycznymi granicami dzieła. Obraz zaprasza nas do zastanowienia się, co leży poza granicami tego, co możemy zobaczyć — istotna kwestia dla nas w tej epoce, i być może nawet pan Saltz chciałby wpaść do galerii, aby to rozważyć. The Joy of Color jest wystawiane do 8 grudnia 2018.

Obraz wyróżniający: Radość koloru - wystawa zbiorowa w Mnuchin Gallery, Nowy Jork, 2018. © Tom Powel Imaging. Dzięki uprzejmości Mnuchin Gallery
Autor: Phillip Barcio