Radość z kolorowej sztuki abstrakcyjnej w galerii Mnuchin

Galeria Mnuchin w Nowym Jorku prezentuje obecnie Radość Koloru, uroczystą wystawę zbiorową kolorowej sztuki abstrakcyjnej z lat 1939–2018. Wystawa oferuje wyjątkowy wgląd w różnorodne sposoby, w jakie artyści wykorzystują kolor jako treść i koncepcję. Prezentuje prace wielu historycznie ważnych artystów reprezentowanych przez galerię, takich jak Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis i Sam Gilliam, obok pionierskich twórców XX wieku, takich jak Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland i Jack Bush. Wśród nich znajdują się także obrazy ważnych współczesnych artystów, takich jak Laura Owens i Sean Scully, oraz stosunkowo nowych twórców, jak Sarah Crowner i Nathlie Provosty. Dla niektórych nowojorczyków ta wystawa może być doskonałą okazją do powrotu do przestrzeni Mnuchin. W 2016 roku krytyk sztuki magazynu New York, Jerry Saltz, opublikował tekst zatytułowany „Dlaczego już nie chodzę do galerii Mnuchin”. Jako powód podał mianowanie Stevena Mnuchina – syna właściciela galerii Roberta Mnuchina – na szefa finansów kampanii ówczesnego kandydata na prezydenta Donalda Trumpa. Od czasu publikacji tego tekstu Steven Mnuchin został mianowany sekretarzem skarbu Stanów Zjednoczonych. Z powodów niezwiązanych ze sztuką, a całkowicie ideologicznych, Saltz zachęcał czytelników do ukarania sprzedającego sztukę ojca za domniemane polityczne grzechy syna. Taka wymyślona drama jest absurdalna, ale mimo to każdy, kto uległ presji społecznej, powinien uznać Radość Koloru za doskonały pretekst, by dać galerii nową szansę. Wystawa bardziej przypomina spacer po nowoczesnej i współczesnej części małego, ale ważnego muzeum niż przechadzkę po galerii komercyjnej. Prace pokazują dokładnie, jak abstrakcyjna sztuka w najlepszym wydaniu potrafi przekraczać drobne polityczne podziały i otwierać nowe drzwi percepcji tego, co piękne i znaczące w tym świecie.

Kolor jako strategia

Radość Koloru otwiera skromny mobil Caldera zawieszony pod sufitem przy schodach. Czerwone, żółte, białe i szare abstrakcyjne formy delikatnie wirują na podmuchach powietrza wywołanych przez nasze ciała i oddech. Calder używał koloru, by skłonić ludzi do myślenia o „idei oderwanych ciał unoszących się w przestrzeni.” Te kapryśne kolorowe formy oferują przyjemność podczas rozważania uniwersalnych zagadnień, takich jak fizyka i mechanika. Za mobilą po obu stronach łuku wiszą dwa małe obrazy. Po lewej „Lode” (2018) Nathlie Provosty. Po prawej bez tytułu pole koloru Marka Rothko, ok. 1959. Obie kompozycje są uporządkowane, płaskie i prostokątne. Obie wykorzystują subtelne zmiany koloru, by zaprosić widza do kontemplacyjnego doświadczenia. Kolor nie jest tu treścią, lecz punktem wyjścia do percepcyjnego spotkania z naszym wnętrzem. Szczególnie obraz Provosty, ze swoimi subtelnymi odcieniami żółci, ukazuje niuanse różnic między pozornie podobnymi rzeczami – tylko uogólniając można nazwać go monochromem. Każdy żółty jest inny.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olej na lnie na panelu aluminiowym. 48,3 x 38,1 cm (19 x 15 cali). © Nathlie Provosty. Za zgodą galerii Mnuchin

Inne obrazy na wystawie, które wykorzystują kolor jako strategię angażowania innych rodzajów treści, to „Aleph Series V” (1960) Morrisa Louisa, „Landline Green Bolt” (2018) Seana Scully’ego, bez tytułu obraz Laury Owens z 2006 oraz bez tytułu płótno Joan Mitchell z 1958. Obraz Louisa przyciąga wzrok wibrującymi relacjami kolorów na krawędzi, ale gdy kolory stapiają się w ciemność w centrum, stajemy się bardziej świadomi powierzchni: niegruntowane płótno staje się jednością z farbą, tak jak kolory i formy łączą się ze sobą – wszystko stapia się w jedno. Obraz Scully’ego używa koloru, by zaangażować nas w rozważania o pociągnięciach pędzla i fakturach, zapraszając do docenienia materialnych cech farby. Obraz Owens wykorzystuje kolor jako emocjonalny bodziec. Jego radosna paleta odzwierciedla figuralne aspekty pracy, które cieszą się kobiecością, otwartością i naturą. Wreszcie burzliwe pociągnięcia pędzla na płótnie Mitchell pokazują, jak kolor może stać się synonimem nastroju, wyrażając najgłębszy niepokój ludzkiego ducha.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olej na aluminium. 215,9 x 190,5 cm (85 x 75 cali). © Sean Scully. Za zgodą galerii Mnuchin

Kolor jako przestrzeń

Wiele obrazów na Radości Koloru wykorzystuje kolor w bardziej formalnym sensie, ukazując go jako skutecznego twórcę i wyznacznik przestrzeni wizualnej. „Nature’s Red Impressions” (1968) Almy Thomas oferuje epickie wyjaśnienie tej koncepcji. Z daleka kolory tworzą liniową strukturę, dzieląc architekturę wizualną na pionowe pasy. Z bliska kolumny rozpadają się na mnóstwo organicznych kształtów. Biała przestrzeń między kształtami i kolumnami staje się światem poza powierzchnią. Podobna magia działa w „Strawberry” (1970) Jacka Busha. Ogromny, różowawy kształt „U” nawiązuje barwą do tytułu obrazu, podczas gdy jaśniejsze różowe tło z ciemnymi plamami tworzy wrażenie głębi. Komplementarny pasek koloru na dole płótna spłaszcza przestrzeń i oszukuje oko, sugerując połączenie linii horyzontu i kinetycznego korowodu geometrycznych kształtów.

Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Akryl na płótnie. 129,5 x 125,7 cm (51 x 49 1/2 cala). © Alma Thomas. Za zgodą galerii Mnuchin

Do najbardziej przyciągających wzrok kompozycji przestrzennych na wystawie należą „Elberta” (1975) Helen Frankenthaler, „Mysteries: Aglow” (2002) Kennetha Noland oraz „The Wave (Urszula)” (2014) Sarah Crowner. Frankenthaler tworzy ogromną przestrzeń w swoim obrazie barwionym przez nasiąkanie, otwierając oko na rozległy i świetlisty wizualny wszechświat; Noland osiąga efekt przeciwny, upraszczając i centralizując przestrzeń za pomocą swojego charakterystycznego układu tarczy; Crowner organizuje przestrzeń w harmonijną dysonansję za pomocą wibrujących, biomorficznych czerwonych i pomarańczowych fal. Jednak najgłębsze stworzenie przestrzeni zawdzięczamy „Atmosphere” (1972) Sama Gilliama. Jego charakterystyczna technika fazowania krawędzi powierzchni pozwala kolorom tworzyć przestrzeń poza fizycznymi granicami dzieła. Obraz zaprasza nas do zastanowienia się, co leży poza granicami tego, co możemy zobaczyć – to ważna kwestia w naszych czasach, którą być może nawet pan Saltz zechce rozważyć, odwiedzając galerię. Radość Koloru jest dostępna do 8 grudnia 2018 roku.

Zdjęcie główne: Radość Koloru – wystawa zbiorowa w galerii Mnuchin, Nowy Jork, 2018. © Tom Powel Imaging. Za zgodą galerii Mnuchin
Autor: Phillip Barcio