Historia Heddy Sterne, między surrealizmem a ekspresjonizmem abstrakcyjnym

Hedda Sterne była wszechstronną i pomysłową artystką, która eksperymentowała z dziesiątkami różnych stylów w trakcie swojej długiej kariery. Jednak jej dziedzictwo w jakiś sposób stało się związane z jednym stylem—ekspresjonizmem abstrakcyjnym—i jedną grupą—Irascibles. To ironiczny los. Sterne nigdy nie utożsamiała się z estetycznymi cechami ani technicznymi aspektami ekspresjonizmu abstrakcyjnego, ani nie była szczególnie zaangażowana w krytykę kulturową, która wynikała z jej związku z Irascibles. Te powiązania powstały głównie dlatego, że była przyjaciółką wielu artystów ze Szkoły Nowojorskiej, a jej prace były wystawiane na niektórych z ich wczesnych wystaw. Z powodu tych powiązań, w 1950 roku podpisała głośny list do prezydenta Muzeum Sztuki Metropolitan, potępiający konserwatywną kurację wystawy sztuki amerykańskiej. Niektórzy artyści, którzy podpisali list, pozowali do zdjęcia, które zostało wydrukowane na okładce magazynu Life. Ta grupa została później nazwana „Irascibles”, terminem, który później używano synonimicznie z artystami ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Sterne była jedyną kobietą na zdjęciu, chociaż dwie inne artystki—Louise Bourgeois i Mary Callery—również podpisały list. Jej pozycja z tyłu zdjęcia, stojącej na stole wysoko nad 17 mężczyznami, uczyniła ją ikoniczną postacią. To zdjęcie prześladowało ją przez resztę życia. Za każdym razem, gdy rozwijała swój styl, musiała słyszeć te same pytania o to, dlaczego już nie tworzyła sztuki tak jak w latach 50., mimo że nawet w latach 50. zmieniała swój styl przynajmniej trzy lub cztery razy. Mit ten irytował Sternę, ale miała też do niego poczucie humoru. Jak powiedziała pod koniec życia: „Jestem znana bardziej z tego przeklętego zdjęcia niż z osiemdziesięciu lat pracy. Gdybym miała ego, byliby to dla mnie problem.”

Automatyczny kolaż

Gdyby Sterne miała szansę cofnąć swoje związki z Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym i przyłączyć się do innego ruchu, prawdopodobnie wybrałaby Surrealizm. To była metoda, w której się urodziła i wychowała. Jej nacisk na intuicję, wyobraźnię i moc snów ostatecznie kierował każdym innym artystycznym wyborem, który kiedykolwiek podjęła. Urodziła się w Bukareszcie, Rumunia, w 1910 roku, zaczęła brać lekcje sztuki w wieku ośmiu lat. Jej pierwszym nauczycielem sztuki był naturalistyczny rzeźbiarz Frederic Storck, ale pod koniec swoich nastoletnich lat uczyła się pod okiem Marcela Janco, współzałożyciela Dadaizmu, oraz surrealistycznego malarza Victora Braunera. W swoich wczesnych dwudziestych latach zaczęła często podróżować do Paryża. To tam spotkała i uczyła się u kubistycznego malarza André Lhote'a oraz Fernanda Légera, kubisty, który również uważany jest za jednego z ojców Pop Artu.

Hedda Sterne, Third Avenue El, 1952-53, Olej i emalia w sprayu na płótnie, 40 3/8 x 31 7/8 in., Kolekcja Muzeum Sztuki Metropolitalnej w Nowym Jorku, Dar pana i pani Daniela H. Silberberga, 1964 (64.123.4). © Fundacja Hedda Sterne

Budując na tych różnorodnych wpływach, Sterne opracowała unikalną metodę opartą na automatycznym rysunku, w której rozrywała papier i intuicyjnie upuszczała kawałki, tworząc automatyczne kolaże. Po zobaczeniu niektórych jej kolaży na 11. Wystawie Salon des Surindépendants w Paryżu, słynny dadaista Hans Arp przedstawił Sterne Peggy Guggenheim, która wystawiła jej prace w swoich galeriach w Paryżu i Londynie. Kiedy Sterne uciekła z Europy w 1941 roku na początku II wojny światowej, przyjechała do Nowego Jorku, gdzie Guggenheim przyjęła ją do społeczności amerykańskich artystów, z którymi była związana. Połączenie z Guggenheim ugruntowało pozycję Sterne na nowojorskiej scenie artystycznej, ale to gallerystka Betty Parsons naprawdę wzięła Sterne pod swoje skrzydła. Parsons zorganizowała Sterne jej pierwszą wystawę indywidualną w Wakefield Gallery w 1942 roku, a gdy Parsons otworzyła swoją własną galerię cztery lata później, Sterne była jedną z pierwszych artystek, które podpisała. Co najważniejsze, Parsons rozumiała wartość eksperymentowania. Pomogła w Sterne w rozwijaniu przekonania, że jest wolna, aby badać dowolny styl, który chciała, nie czując się zobowiązana do żadnej konkretnej ścieżki.

Hedda Sterne, Maszyna (Anthropograf Nr 13), 1949, Olej na płótnie, 30 cali x 40 cali. © Fundacja Hedda Sterne

Proto-Graffiti

Jej przybycie do Ameryki miało głęboki wpływ na to, jak Sterne postrzegała swoje relacje z obrazami. Przetłumaczyła fenomenalny zakres widoków i kolorów, które widziała, na fantastyczne kompozycje, które balansowały na granicy figuralności i abstrakcji. Malowała obrazy świata, ale zmieniała je, aby oddać to, co czuła. Największy wpływ miała na nią niesamowita gama maszyn, które widziała, od maszyn rolniczych podczas swoich wyjazdów na wieś po przemysłowe urządzenia w mieście. Przedstawiała te obiekty w surrealistycznych kompozycjach, takich jak figuralna w sposób fantazyjny „Maszyna (Anthropograph No. 13)” (1949) oraz przejmująco fantastyczna „Maszyna 5” (1950). To, nawiasem mówiąc, były obrazy, które Sterne tworzyła, gdy została uwzględniona w fotografii Irascibles. Nie mają one nic wspólnego z pracami żadnego z mężczyzn na zdjęciu.

Hedda Sterne, Maszyna 5, 1950, Olej na płótnie, 51 x 38 1/8 cali, Kolekcja Muzeum Sztuki Krannert i Pawilonu Kinkead, Uniwersytet Illinois w Urbana-Champaign, Fundusz Zakupu Festiwalu Sztuk, 1950-7-1. © Fundacja Hedda Sterne

W 1952 roku Sterne dokonała jednej ze swoich najbardziej fascynujących innowacji – malowania za pomocą pistoletu natryskowego akrylowego. Chociaż dzisiaj farba natryskowa akrylowa jest ikonicznym elementem sztuki ulicznej, zarówno farba natryskowa, jak i farba akrylowa zostały wynalezione dopiero w latach 40. Sterne była jedną z pierwszych artystek, które dostrzegły unikalne miejskie cechy tego medium. Użyła go, aby pokazać szybkie tempo i dynamiczne cechy wizualne Nowego Jorku w „Third Avenue El” (1952), gesturalnej, plamistej, abstrakcyjnej wizji życia pod podniesionymi torami kolejowymi, która mogłaby wyglądać jak w domu na boku każdego nowojorskiego wagonu metra w latach 80. lub na ścianach każdej nowoczesnej galerii sztuki ulicznej. W latach 60. Sterne zmieniła swój styl na atmosferyczne pola kolorów i przedstawienia marzycielskich, biomorficznych form unoszących się na spłaszczonych płaszczyznach. W latach 70. stworzyła epickie malowidło zatytułowane „Dziennik”, które zawierało setki ręcznie napisanych cytatów literackich. W latach 80. malowała kalejdoskopowe abstrakcje przywołujące kryształowe tunele lub podróże w Cyberspace. Kiedy później rozwinęły się u niej problemy ze wzrokiem, malowała białe na białych wizje plam, które widziała. Być może jej ciągła innowacja powstrzymała ją przed osiągnięciem sławy swoich współczesnych, ale także w istotny sposób ją podtrzymywała. Sterne malowała aż do 94. roku życia. Kiedy zmarła w 2011 roku w wieku 100 lat, ugruntowała swoją pozycję jako jedna z najbardziej innowacyjnych i pomysłowych artystek swojego pokolenia. Przeżyła również, przetrwała i przewyższyła wszystkich swoich współczesnych – była jednym z najbardziej nieirytujących artystów, jacy kiedykolwiek istnieli.

Obraz wyróżniony: Hedda Sterne, Nowy Jork, N.Y., 1955, 1955, Aerograf i emalia na płótnie, 36 1/4 × 60 1/4 cali, Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; Dar anonimowego darczyńcy, 56.20. © Fundacja Hedda Sterne
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio