Whitney świętuje kolorowe obrazy z lat 60. w nowej wystawie

Bob Thompson zmarł na przedawkowanie heroiny w wieku 28 lat, ale w swojej krótkiej karierze ukończył niemal 1000 obrazów i rysunków. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney uczciło jego twórczość retrospektywą w 1996 roku, a tej wiosny jego obrazy i słowa będą centralnym punktem dużej wystawy Whitney poświęconej kolorowi. Spilling Over: Painting Color in the 1960s zawdzięcza swoją nazwę cytatowi Thompsona: „Mam coś w sobie, co po prostu pęka, skręca się, przywiera, wylewa się, by się wydostać. Do dusz, ust i oczu, które nigdy wcześniej nie widziały.” Poezja i pasja tych słów doskonale przejawiają się w jego obrazach, z których wiele wykorzystuje kompozycje Starych Mistrzów, abstrakcyjnie przedstawiając postacie i krajobrazy, tworząc ekspresjonistyczne, jazzowe światy zdefiniowane przez żywe i złudzeniowe palety barw. Thompson doskonale reprezentuje tę wystawę, ponieważ kuracja ignoruje tradycyjne podziały związane z ruchami i stylami. Thompson nigdy nie był związany z żadnym jednym ruchem czy metodą — czerpał z Pop Artu, Fauwizmu, Ekspresjonizmu, Figuryzmu, Abstrakcji i wszystkiego, co służyło jego wizji. Podobnie, Spilling Over: Painting Color in the 1960s ukaże wiele estetycznych stanowisk, w tym Op Art, Hard Edge Abstraction, Color Field Painting, Post Painterly Abstraction, Abstract Expressionism, Minimalizm, Sztukę Feministyczną, Ruch Wzoru i Dekoracji oraz wczesną Modernistyczną Geometriczną Abstrakcję. Wystawa obejmie prace równie szerokiego i różnorodnego grona artystów, niektórych znanych, takich jak Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland i Frank Stella, oraz mniej znanych, takich jak Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving i Miriam Schapiro. Wszystkie dzieła pochodzą z istniejącej kolekcji Whitney i oferują wszechstronny wgląd w prawdziwą różnorodność artystycznej ekspresji, jaka istniała w jednym z najbardziej płodnych okresów w historii sztuki XX wieku. W ramach przygotowań przedstawiamy krótkie sylwetki sześciu mniej znanych artystów prezentowanych na wystawie.

Emma Amos

Kiedy Emma Amos przybyła do Nowego Jorku na początku lat 60., spotkała się z oporem ze strony uczelni, które mówiły, że jest za młoda, by uczyć, oraz galerii, które nie chciały pokazywać jej prac, albo dlatego, że była czarnoskóra, albo dlatego, że była kobietą. Schronienie znalazła w towarzystwie innych artystów, którzy poszerzyli jej już bogate wykształcenie artystyczne, dzieląc się z Amos lekcjami swojego rzemiosła. Uczyła się o tkaninach od Dorothy Liebes; o grafice od Letterio Calapai; a o niuansach poruszania kwestii społecznych i politycznych w swojej twórczości od członków grupy Spiral, której Amos była jedyną kobietą. Amos od dawna wyróżnia się swoją radykalną wyobraźnią i odwagą, jaką wykazała, przyjmując różne style, techniki i odniesienia historyczne. Jest jedną z wielkich żyjących pionierów postmodernizmu.

Emma Amos - Baby, 1966. Olej na płótnie. 118,1 × 129,5 cm. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup wspólny Muzeum Whitney, ze środków Komitetu ds. Malarstwa i Rzeźby; oraz The Studio Museum w Harlemie, zakup muzealny ze środków przekazanych przez Ann Tenenbaum i Thomasa H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; dzięki uprzejmości artystki i galerii RYAN LEE, Nowy Jork.

Richard Anuszkiewicz

Obok Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz jest jednym z ostatnich żyjących pionierów ruchu Op Art. Jako młody artysta Anuszkiewicz zauważył, że kolor jest tym, co mu umyka, więc wyjechał do Yale, by studiować teorię koloru u wielkiego Josefa Albersa. Unikalny wizualny język, który rozwinął, uczynił jego prace przełomowymi w tamtym czasie. Wiele osób chwaliło ich genialność, ale z jego debiutanckiej wystawy solowej sprzedano tylko jeden obraz. Na szczęście dla Anuszkiewicza, tym jednym nabywcą był Alfred F. Barr Jr., dyrektor Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Ten pojedynczy, potężny zwolennik zwrócił uwagę kuratorów Whitney, którzy niezwłocznie włączyli go do dużej wystawy grupowej poświęconej abstrakcji geometrycznej i zapewnili jego udział w The Responsive Eye, wystawie, która wprowadziła Op Art na mapę.

Richard Anuszkiewicz - The Fourth of the Three, 1963. Akryl na płycie kompozytowej. 122,1 × 122,1 cm. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup ze środków Friends of the Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Licencja VAGA przy Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork.

Frank Bowling

W wieku 85 lat Frank Bowling wreszcie zdobywa światową sławę, na którą zasługiwał przez dziesięciolecia. Jego świetliste płótna emanują kolorem i atmosferą. Bezszwowo łącząc różnorodne metody, łączą różne estetyczne stanowiska, takie jak Pop Art, Color Field Painting, Ekspresjonizm Abstrakcyjny, Arte Povera i Post Painterly Abstraction. Jesienią tego roku Bowling zostanie wyróżniony monumentalną retrospektywną wystawą w Tate Britain, obejmującą 60 lat jego twórczości.

Frank Bowling - Dan Johnson's Surprise, 1969. Akryl na płótnie. 294,5 × 264,5 cm. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup ze środków Friends of the Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Licencja Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork.

Kay Walkingstick

Wśród najnowszych nabytków prezentowanych na tej wystawie znajdą się prace Kay Walkingstick, artystki rdzennych Amerykanów, której twórczość tworzy ponadczasowe mosty między rodzimymi estetycznymi tradycjami jej korzeni Cherokee a estetyką globalnego postmodernizmu. Walkingstick jest poprzedniczką i inspiracją dla młodszych artystów rdzennych, takich jak Jeffrey Gibson, którzy starają się zgłębiać konsekwencje uniwersalności wspólnej dla dawnych i nowoczesnych tradycji artystycznych. Poszukiwanie uniwersalizmu zawsze było dla Walkingstick kluczowe, która mówiła: „Chcę, aby wszyscy ludzie pielęgnowali swoje kultury — ale także chcę zachęcać do wzajemnego uznania wspólnej egzystencji.”

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Olej, akryl, wosk i miedź na płótnie. 92 x 183,5 x 5 cm. Dzięki uprzejmości Montclair Art Museum, zakup ze środków przekazanych przez Alberta Stout.

Alvin Loving

Alvin Loving stworzył wizualnie oszałamiający dorobek, który między innymi zdefiniował kolor jako podstawowy czynnik jednoczący Ekspresjonizm Abstrakcyjny i Hard Edge Geometric Abstraction. Jego energiczne, gesturalne obrazy i skupione na materiale kolaże multimedialne są emocjonalne i liryczne. Jego geometryczne abstrakcje są natomiast wyrachowane i odważne, i należą do najbardziej przyciągających wzrok i intelektualnie stymulujących dzieł jego pokolenia. Współczesny artystom takim jak Sol Le Witt i Victor Vassarely, Loving podniósł ich idee i badania na wyższy poziom, nasycając swoje prace wizualną energią, która sprawia, że nawet dziś, niemal pokolenie po jego śmierci, wydają się świeże i żywe.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Akryl na kształtowanym płótnie. 225,1 × 260,4 cm. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; dar William Zierler, Inc. na cześć Johna I. H. Baura 74.65. Dzięki uprzejmości spadkobierców Alvina Lovinga i galerii Garth Greenan, Nowy Jork.

Miriam Schapiro

Miriam Schapiro uczestniczyła w przełomowej instalacji Womanhouse i stała się jedną z najbardziej wpływowych postaci w Ruchu Wzoru i Dekoracji. Schapiro konfrontowała uprzedzenia płciowe w świecie sztuki, wykorzystując materiały i techniki kojarzone z domowością i rzemiosłem. Niezaprzeczalne mistrzostwo, piękno i intelektualna uczciwość jej prac obnażyły absurdalne patriarchalne uprzedzenia, które zawsze dominowały w świecie sztuki. Kolor był kluczowym elementem jej twórczości, napełniając jej dzieła elektrycznym, niemal wibrującym poczuciem działania i zwracając uwagę na zdolność formalnych elementów estetycznych do aktywacji jako narzędzi zmiany społecznej i politycznej.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Akryl i kolaż z tkaniny na papierze. 76 x 112 cm. Dar Mary Ross Taylor na cześć jej matki, Betty S. Abbott. Narodowe Muzeum Kobiet w Sztuce.

Zdjęcie główne: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna na płótnie. 262 × 387,4 cm. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup ze środków Glen Alden Foundation i McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio