Whitney świętuje kolorowe obrazy z lat 60. w nowej wystawie

Bob Thompson zmarł na przedawkowanie heroiny w wieku 28 lat, ale w swojej krótkiej karierze stworzył prawie 1000 obrazów i rysunków. Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney uczciło jego twórczość w retrospektywie w 1996 roku, a tej wiosny jego obrazy i słowa będą stanowić oś główną dużej wystawy Whitney poświęconej kolorowi. Spilling Over: Painting Color in the 1960s nosi nazwę od cytatu Thompsona: „Mam coś w sobie, co po prostu wybucha, skręca się, przykleja, przelewa się, aby się wydostać. Na zewnątrz do dusz, ust i oczu, które nigdy wcześniej nie widziały.” Poezja i pasja w tych słowach doskonale przejawiają się w jego obrazach, z których wiele przywłaszcza sobie kompozycje Starych Mistrzów, abstrahując postacie i krajobrazy, aby stworzyć ekspresjonistyczne, jazzowo zainspirowane światy zdefiniowane przez żywe i iluzoryczne palety kolorów. Thompson doskonale reprezentuje tę wystawę, ponieważ kuracja ignoruje tradycyjne oznaczenia związane z ruchami i stylami. Thompson nigdy nie był związany z żadnym jednym ruchem czy metodą – czerpał z Pop Artu, Fauwizmu, Ekspresjonizmu, Figuracji, Abstrakcji i wszystkiego innego, co służyło jego wizji. Podobnie, Spilling Over: Painting Color in the 1960s uwydatni niezliczone pozycje estetyczne, w tym Op Art, Hard Edge Abstraction, Color Field Painting, Post Painterly Abstraction, Abstract Expressionism, Minimalism, Feminist Art, ruch Pattern and Decoration oraz wczesną modernistyczną abstrakcję geometryczną. Wystawa obejmie również prace równie szerokiego i różnorodnego zestawu artystów, niektórych znanych, takich jak Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland i Frank Stella, oraz mniej znanych, takich jak Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving i Miriam Schapiro. Całkowicie oparta na istniejącej kolekcji Whitney, wystawa zaoferuje kompleksowy wgląd w prawdziwą różnorodność ekspresji artystycznej, która istniała w jednym z najbardziej płodnych okresów w historii sztuki XX wieku. W przygotowaniu przedstawiamy krótkie profile sześciu mniej znanych artystów, którzy zostali uwzględnieni w wystawie.

Emma Amos

Kiedy Emma Amos po raz pierwszy przybyła do Nowego Jorku na początku lat 60., spotkała się z oporem ze strony uczelni, które mówiły jej, że jest za młoda, aby uczyć, oraz ze strony galerzystów, którzy nie chcieli pokazywać jej prac, ponieważ była czarna lub kobietą. Jej schronienie znalazła w towarzystwie innych artystów, którzy poszerzyli jej już długą edukację artystyczną, dzieląc się z Amos lekcjami swojego rzemiosła. Uczyła się o tekstyliach od Dorothy Liebes; o druku od Letterio Calapai; oraz o niuansach poruszania kwestii społecznych i politycznych w swojej pracy od członków Spiral Group, z których Amos była jedyną kobietą. Amos od dawna wyróżnia się swoją radykalną wyobraźnią oraz odwagą, jaką wykazała, aby przyjąć wiele różnych stylów, technik i odniesień historycznych. Jest jedną z wielkich żyjących pionierów postmodernizmu.

Emma Amos - Baby, 1966. Olej na płótnie. 46 1/2 × 51 cali (118,1 × 129,5 cm). Whitney Museum of American Art, Nowy Jork; zakup wspólnie przez Whitney Museum of American Art, z funduszy Komitetu ds. Malarstwa i Rzeźby; oraz The Studio Museum w Harlemie, zakup muzealny z funduszy przekazanych przez Ann Tenenbaum i Thomasa H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; dzięki uprzejmości artystki i RYAN LEE Gallery, Nowy Jork.

Richard Anuszkiewicz

Wraz z Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz jest jednym z ostatnich żyjących pionierów ruchu Op Art. Jako młody artysta, Anuszkiewicz zauważył, że kolor był jedyną rzeczą, która umykała jego uchwytowi, więc udał się na Yale, aby studiować teorię koloru u wielkiego Josefa Albersa. Unikalny głos wizualny, który Anuszkiewicz rozwinął, sprawił, że jego prace były przełomowe jak na tamte czasy. Wiele osób chwaliło jego geniusz, ale tylko jeden obraz sprzedał się z jego debiutanckiej wystawy solowej. Na szczęście dla Anuszkiewicza, tym jednym nabywcą był Alfred F. Barr, Jr., dyrektor Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Ten jeden, potężny fan zwrócił uwagę kuratorów Whitney, którzy szybko włączyli go do dużej wystawy grupowej na temat Abstrakcji Geometrycznej, co zapewniło mu miejsce w wystawie The Responsive Eye, która umieściła Op Art na mapie.

Richard Anuszkiewicz - Czwarty z trzech, 1963. Akryl na płycie kompozytowej. 48 1/16 × 48 1/16 cali (122,1 × 122,1 cm). Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup z funduszy Przyjaciół Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/ Licencjonowane przez VAGA w Stowarzyszeniu Praw Artystów (ARS), Nowy Jork.

Frank Bowling

W wieku 85 lat Frank Bowling w końcu otrzymuje globalną sławę, na którą zasługiwał przez dekady. Jego świetliste płótna promieniują kolorem i atmosferą. Bezproblemowo łącząc różnorodne metody, łączą różne pozycje estetyczne, takie jak Pop Art, malowanie Color Field, ekspresjonizm abstrakcyjny, Arte Povera i postmalarska abstrakcja. Pod koniec tego roku Bowling zostanie wyróżniony w monumentalnej wystawie retrospektywnej w Tate Britain, która obejmie 60 lat jego kariery.

Frank Bowling - Niespodzianka Dana Johnsona, 1969. Akryl na płótnie. 115 15/16 × 104 1/8 cali (294,5 × 264,5 cm). Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup z funduszy Przyjaciół Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney 70.14. © 2019 Frank Bowling/Prawa licencyjne przez Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork.

Kay Kijek

Wśród najnowszych nabytków uwzględnionych w tej wystawie znajdą się prace Kay Walkingstick, rdzennie amerykańskiej artystki, której twórczość tworzy transcendentne mosty między rdzennymi tradycjami estetycznymi jej cherokejskich korzeni a estetyką globalnego postmodernizmu. Walkingstick jest poprzedniczką i wpływem na młodszych rdzennych artystów, takich jak Jeffrey Gibson, którzy dążą do zbadania konsekwencji uniwersalności dzielonej przez starożytne i nowoczesne tradycje artystyczne. Dążenie do uniwersalizmu zawsze było kluczowe dla Walkingstick, która powiedziała: „Chcę, aby wszyscy ludzie trzymali się swoich kultur — ale chcę również zachęcać do wzajemnego uznania wspólnego istnienia.”

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Olej, akryl, wosk i miedź na płótnie. 36,25 x 72,25 x 2 cale. Dzięki uprzejmości Montclair Art Museum, zakupione z funduszy przekazanych przez Albertę Stout.

Alvin Kochający

Alvin Loving stworzył wizualnie oszałamiający zbiór prac, który, między innymi, zdefiniował kolor jako główny czynnik jednoczący między Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym a Geometrią Twardą. Jego energetyczne, gesturalne obrazy oraz skoncentrowane na materiale, wielomedialne kolaże są emocjonalne i liryczne. Jego geometryczne prace abstrakcyjne są natomiast wyrachowane i odważne, i łatwo można je uznać za jedne z najbardziej przyciągających wzrok i intelektualnie stymulujących dzieł jego pokolenia. Jako współczesny artysta takich twórców jak Sol Le Witt i Victor Vassarely, Loving wyniósł ich pomysły i badania na inny poziom, nasycając swoją pracę wizualną energią, która sprawia, że wydaje się świeża i żywa nawet dzisiaj, niemal pokolenie po jego śmierci.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Akryl na kształtowym płótnie. 88 5/8 × 102 1/2 in (225,1 × 260,4 cm). Whitney Museum of American Art, Nowy Jork; dar od William Zierler, Inc. na cześć Johna I. H. Baura 74.65. Użyczone przez Spadkobierców Al Lovinga i Garth Greenan Gallery, Nowy Jork.

Miriam Schapiro

Ikona sztuki feministycznej Miriam Schapiro wzięła udział w przełomowej instalacji Womanhouse i stała się jednym z najbardziej wpływowych głosów w ruchu Pattern and Decoration. Schapiro zmierzyła się z uprzedzeniami płciowymi w świecie sztuki, wykorzystując materiały i techniki związane z domowością i rzemiosłem. Niezaprzeczalna mistrzostwo, piękno i intelektualna integralność jej pracy ujawniły absurdalne patriarchalne uprzedzenia, które zawsze dominowały w świecie sztuki. Kolor był zasadniczym elementem jej twórczości, nadając jej dziełom elektryzujące, niemal wibracyjne poczucie akcji i zwracając uwagę na zdolność formalnych elementów estetycznych do aktywacji jako narzędzi do zmiany społecznej i politycznej.

Miriam Schapiro - Mechano/Kwiatowy wentylator, 1979. Akryl i kolaż z tkaniny na papierze. 30 x 44 cali. Dar Mary Ross Taylor na cześć jej matki, Betty S. Abbott. Narodowe Muzeum Kobiet w Sztuce.

Obraz wyróżniony: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna na płótnie. 103 1/8 × 152 1/2 in. (261,9 × 387,4 cm). Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup z funduszy Fundacji Glen Alden i Fundacji McCrory, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio