Energia Sem Limites - A Arte de Julio Le Parc

O mundo redescobriu Julio Le Parc. O artista nascido na Argentina, baseado na França, que ainda está ativo em seu estúdio hoje, aos 80 e poucos anos, ajudou a definir a arte cinética na década de 1960 e foi um dos primeiros defensores da ideia de arte como uma experiência interativa e democrática. Mas, em comparação com seus contemporâneos, Le Parc não recebeu exatamente o respeito que merece. Isso é parcialmente uma escolha dele. Em 1966, ele ganhou o Grande Prêmio de Pintura na 33ª Bienal de Veneza. Logo depois, foi oferecida a ele uma exposição retrospectiva no Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. No entanto, segundo a lenda, ele deixou o lançamento de uma moeda decidir que deveria recusar a oportunidade. Essa história ilustra seu desdém pelo establishment da arte e sua crença de que a arte deve ser, acima de tudo, para o povo. Isso também explica em grande parte por que, apesar de continuar a produzir obras, ou como ele chama, conduzir "pesquisas", ele caiu na obscuridade na década de 1970. Em 2013, Le Parc ressurgiu com uma exposição solo no Palais de Tokyo em Paris. Para a maioria das pessoas que viu essa mostra, Le Parc foi uma revelação. No ano seguinte, ele teve sua primeira grande exposição solo no Reino Unido, na Serpentine Gallery. Então, em 2016, ele finalmente desfrutou de sua primeira exposição retrospectiva em um museu, no Perez Art Museum Miami. Este ano, até agora, seu trabalho foi apresentado em uma grande exposição solo em Nova York e atualmente está incluído em outras duas grandes exposições: uma coletiva com Jesús Rafael Soto no Palm Springs Art Museum intitulada Kinesthesia: Latin American Kinetic Art, 1954-1969; e uma exposição solo na Perrotin Paris. E no próximo mês, outra retrospectiva de seu trabalho será inaugurada no Instituto Tomie Ohtake em São Paulo, Brasil. Essa mostra marcará um momento histórico importante para este artista que deixou a América do Sul com medo de ser muito revolucionário, mas que agora retorna como um pioneiro reconhecido que compreendeu, há mais de meio século, as nuances sociais e políticas da arte abstrata.

Raízes Sociopolíticas

As obras de arte que Julio Le Parc cria são revolucionárias. Algumas são literalmente assim, pois são construídas a partir de peças de metal reflexivo que giram enquanto pendem de fios que descem do teto. Mas sua obra é revolucionária de outra forma também, pois é uma declaração de independência e liberdade. Le Parc nasceu na cidade operária de Mendoza, que está localizada ao pé da Cordilheira dos Andes, a cerca de 1100 km (600 milhas) da capital argentina, Buenos Aires. Como a maioria das pessoas em sua cidade natal naquela época, Le Parc começou a trabalhar jovem. Dos 13 aos 18 anos, ele teve muitos empregos, incluindo entregador de jornais, mecânico de bicicletas, empacotador de frutas, curtidor, funcionário de biblioteca e operário de metalúrgica.

Mas ele tinha dois outros interesses quando era criança. Ele era bom em desenhar retratos de celebridades e estava interessado nos protestos estudantis que ocorriam enquanto os jovens buscavam maneiras de reformar elementos autoritários no governo. Desde os 15 anos, Le Parc encontrou uma maneira de unir esses três fatores—a ética de trabalho, o talento artístico e o interesse pela iluminação social—fazendo cursos noturnos na Escola de Belas Artes. Foi lá que teve a sorte de ser aluno de Lucio Fontana, o inovador artista modernista cujos experimentos com o espaço o tornaram uma das figuras mais importantes da vanguarda global do meio do século XX. Fontana apresentou Le Parc ao emergente movimento Neo-Concreto da América do Sul, que o inspirou a olhar para o futuro e a adotar uma abordagem inovadora para a estética.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Indo para Paris

Aos 18 anos, Le Parc deixou a escola e também deixou sua família. Durante oito anos, ele viajou pelo país. Aos 26 anos, ele retornou a Buenos Aires com um entusiasmo renovado por seu futuro e se matriculou na Academia de Belas Artes. Lá, ele aprendeu a fazer pinturas, esculturas e gravuras, e se conectou com outros jovens artistas de sua geração. Juntos, ele e seus contemporâneos desafiaram tudo, desde os padrões aceitos de arte até os padrões aceitos de governo e sociedade. Em um determinado momento, Le Parc participou de uma ação política direta que resultou na ocupação de três grandes escolas de arte na Argentina por estudantes, expulsando os diretores e tentando instalar um governo escolar administrado por estudantes. Embora, no final, esse movimento tenha sido reprimido e Le Parc e muitos de seus amigos tenham sido presos, isso os fez pensar sobre seu futuro como artistas.

Le Parc e seus amigos analisaram cuidadosamente o que poderiam alcançar na Argentina e decidiram que a única maneira de realmente se conectar com a vanguarda internacional era se mudar para Paris. Embora muitos de seus contemporâneos nunca tivessem a chance de realizar esse sonho, Le Parc ganhou um concurso de arte patrocinado pelo Serviço Cultural Francês e recebeu uma bolsa para se mudar para Paris e estudar arte. Ele deixou a Argentina em 1958. Após chegar a Paris, fez amizade imediata com vários outros transplantados, como Jesús Rafael Soto e Francisco Sobrino, que eram almas gêmeas. Ele também fez a amizade de uma geração mais velha de artistas, liderada por Victor Vasarely, cujo trabalho com cinética e ilusões ópticas os colocou na vanguarda, na opinião de Le Parc e seus amigos.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Intervenções Sociais e Luz Utópica

O que mais interessava Le Parc na arte cinética é o fato de que ela muda constantemente de acordo com as circunstâncias e quem a está observando. Le Parc deduziu que a arte estática tem a capacidade de ser autoritária, uma vez que objetos imutáveis exigem ser considerados de uma maneira formal. Ele viu o movimento como uma forma de democratizar a experiência de olhar para a arte. Ele supôs que, se a obra é diferente toda vez que alguém a observa, ninguém pode chegar a uma explicação autoritária sobre ela. A arte cinética é, portanto, aberta, democrática e livre por natureza. Os espectadores de tais obras de arte não estão sob o controle das academias, instituições e críticos que muitas vezes se comportam como se fossem um regime fascista controlando a maneira como o público experiencia a cultura.

Essa realização central foi transformadora para Le Parc. Ela o levou a fazer duas outras grandes descobertas. A primeira foi que a arte deve ser uma experiência pública, não apenas institucional. Ele colocou essa ideia em ação quando ele e seus amigos instigaram uma série de intervenções públicas, nas quais introduziram fenômenos estéticos cinéticos em áreas públicas de maneiras lúdicas, exigindo que o público interagisse com a arte. A segunda grande descoberta foi que uma das forças visuais mais poderosas que podem mudar a forma como as pessoas veem uma obra de arte é a luz. Essa descoberta o levou a uma fascinação ao longo da vida pela luz como um elemento cinético—um elemento que ele usou como um componente interativo em muitas de suas peças mais poderosas.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Um Legado de Abertura

Hoje, muitos jovens artistas estão interessados na prática social na arte e estão curiosos sobre o direito que os espectadores reivindicam para definir sua própria experiência estética. Mas muitos não reconhecem Julio Le Parc como um líder na geração de artistas que primeiro trouxeram essas questões à tona da vanguarda. Como suas exposições recentes revelam, Le Parc merece um status elevado ao lado de artistas como Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez e, claro, Jesús Rafael Soto e Francisco Sobrino—artistas que pioneiraram o cinetismo, a ótica e a arte da prática social. Le Parc pegou a ideia simples de ação—de forçar os espectadores a se mover e reagir para completar uma experiência—e a transformou em uma maneira de democratizar a arte. Seu trabalho se destaca como uma alternativa radical ao absolutismo concreto tão frequentemente associado a coisas estéticas. É um lembrete para continuar se movendo, para permanecer aberto e para abraçar uma disposição constante para se transformar.

E seu trabalho também é um convite para lembrar de não ser tão sério e estar disposto a brincar. Ele reiterou esse ponto em uma entrevista de 2016 no New York Times. Enquanto caminhava pelo seu estúdio, a entrevistadora, Emily Nathan, encontrou uma obra que Le Parc fez em 1965 chamada “Ensemble de onze mouvements-surprise” (conjunto de onze momentos-surpresa). A peça, como o nome implica, tinha onze elementos diferentes feitos de materiais diferentes e ativados por motores que o espectador podia controlar. Como Nathan obviamente queria tocá-la, Le Parc se manifestou. Ele disse: “Vá em frente e brinque com isso.” Ela fez, e imediatamente percebeu que cada parte móvel também criava um som. Uma sinfonia de ação e canção ganhou vida. Em uma perfeita síntese de sua contribuição para o legado da cultura democratizada, Le Parc disse sobre os diferentes controles: “Todos eles fazem desenhos diferentes. Eu posso ver uma coisa neles, mas cada pessoa tem permissão para ver o que quer.”

Julio Le Parc - Sphère rouge (Red Sphere), made of plexiglass and nylon. Credit Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Photo: André Morin

Imagem em destaque: Julio Le Parc - Bifurcações, exposição individual na Perrotin, Paris, vista da instalação, © Perrotin

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.

Por Phillip Park