Dan Flavin e as Instalações de Luz Abstrata

Uma atmosfera de espiritualidade frequentemente acompanha a arte abstrata. O misticismo prospera onde a beleza é abundante e o significado é ambíguo. Mas alguns artistas abstratos negam que suas obras contenham profundidades, qualidades transcendentes ou qualquer significado além das formalidades estéticas. Dan Flavin é um exemplo clássico desse fenômeno. Um dos artistas mais influentes do século XX, Flavin inovou no uso da luz na arte modernista. Suas obras são belas e sem precedentes, tornando-as propícias para interpretações criativas. Sua natureza etérea, luminescência brilhante e até seus títulos convidam a associações com o sagrado. Mas Flavin sustentava que tais associações não tinham fundamento. Insistindo que sua arte consistia simplesmente em luz iluminando a arquitetura, Flavin disse: “Alguém pode não pensar na luz como um fato, mas eu penso. E é, como eu disse, uma arte tão simples, aberta e direta quanto você jamais encontrará.”

Icônico ou Irônico

Flavin foi criado em um lar católico irlandês no Queens, Nova York. Na adolescência, estudou para se tornar padre. Mas, não se sentindo atraído pela vida na igreja, aos 19 anos entrou para o exército junto com seu irmão. Durante seu serviço na Coreia, começou a estudar arte seriamente e, após completar seu período militar, voltou para Nova York, onde continuou estudando arte e trabalhou em empregos variados em museus. Em 1961, depois de experimentar vários estilos de pintura e colagem, criou suas primeiras obras baseadas em luz, uma série de caixas pintadas que pendurava na parede e eram ligadas a lâmpadas. Ele chamou essas obras de “ícones.”

A palavra ícone referia-se a pinturas luminosas e sagradas feitas por pintores cristãos ortodoxos russos na época bizantina. Combinado com sua própria história de ter sido criado em uma família católica e os cinco anos que passou estudando para ser padre, o uso da palavra ícone por Flavin para esses objetos poderia facilmente sugerir intenções espirituais. Exceto que as pinturas bizantinas de ícones eram feitas meticulosamente segundo rigorosos padrões estéticos. Elas incorporavam materiais caros e raros para alcançar seu efeito luminoso e eram criadas para adornar interiores gloriosos e sagrados construídos para honrar o divino. Os ícones de Flavin eram objetos ocos e mínimos feitos de materiais baratos. Usavam luz produzida em massa para alcançar sua luminosidade e eram, segundo Flavin, “concentrações construídas celebrando salas vazias.” Eram, em todos os sentidos, o oposto de seus equivalentes históricos. Então, seriam eles icônicos ou Flavin estava sendo irônico?

Dan Flavin - Sem título (para Véronique), 1987. Luz fluorescente vermelha, amarela, azul e verde. 243,8 cm. Waddington Custot, Londres

Monumentos à Luz

Dois anos após criar seu primeiro ícone, Flavin teve um avanço. Ele deu o passo de eliminar as caixas pintadas, abrindo mão do uso de qualquer tipo de suporte estético secundário e optando por fixar suas luzes diretamente na parede. Ao usar lâmpadas fluorescentes compradas em lojas, ligeiramente modificadas, como objetos de arte, ele se afiliou a movimentos como Arte Povera e Dadaísmo, por seu uso de materiais cotidianos e objetos prontos, e Minimalismo, por sua dependência de materiais e processos industriais. Flavin dedicou sua primeira obra nesse novo estilo ao artista Constantin Brancusi, cuja escultura Coluna Infinita influenciou seu pensamento.

Limitando-se a uma paleta austera de cores e a um pequeno conjunto de tamanhos de lâmpadas, Flavin iniciou uma exploração prolífica das possibilidades que seu novo estilo oferecia. Fez 50 “Monumentos” em forma de pirâmide dedicados ao artista construtivista russo Vladimir Tatlin, e criou dezenas de composições fluorescentes sem título dedicadas a outros artistas que o influenciaram, como Alexander Calder, Robert Ryman e Jasper Johns. O notável era que essas composições não apenas serviam como objetos estéticos, mas também alteravam a percepção do espaço onde eram exibidas.

Dan Flavin - "Monumento" 1 para V. Tatlin, 1964. Tubos de luz fluorescente (branco frio). 244 × 59 cm. Exposição "Sol Negro" na Fondation Beyeler, Riehen

Cantoneiras, Barreiras e Corredores

À medida que o interesse pelo trabalho de Flavin crescia, ele teve acesso a uma gama cada vez maior de espaços arquitetônicos para expor. Aproveitou esse desenvolvimento para explorar mais profundamente como suas composições de luz poderiam afetar a natureza do espaço arquitetônico. Ele categorizou suas várias ideias de acordo com os espaços que ocupavam, usando nomes como “cantoneiras,” “barreiras” e “corredores.” Suas “cantoneiras” ocupavam o espaço arquitetônico de um canto, criando um fenômeno estético no próprio canto ou usando o canto como ponto de partida para afetar o restante do espaço. Suas “barreiras” criavam divisões artificiais no espaço, fazendo a luz atuar tanto como foco quanto como elemento disruptor da experiência do espectador.

Os “corredores” de Flavin usavam a luz para alterar a experiência estética dos corredores. Em alguns casos, distorciam a forma como os corredores eram percebidos. Em outros, o corredor parecia funcionar como espaço expositivo para uma composição de luzes. E em algumas circunstâncias, as luzes simplesmente realçavam a beleza estética do espaço.

Dan Flavin - sem título (em homenagem a Leo no 30º aniversário de sua galeria), 1987. Luz fluorescente vermelha, rosa, amarela, azul e verde. 243,8 × 243,8 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco

Situações e Propostas

A ambiguidade das criações de Flavin o levou a deixar de chamá-las de obras de arte. Ele estava ciente de que suas composições de luz constituíam apenas uma parte da experiência que os espectadores poderiam ter na presença da obra. A totalidade da experiência do espectador era muito maior do que ele mesmo poderia prever. Por isso, passou a chamar suas criações de “situações” e “propostas,” sugerindo que representavam apenas o começo de um processo estético contínuo.

Algumas “situações” ocupavam lugares sagrados, como igrejas. Outras ocupavam espaços industriais. Outras ainda ocupavam ambientes tradicionais de arte, como museus. A experiência completa de uma Situação de Flavin depende da luz, da arquitetura, das condições atmosféricas, bem como de quaisquer fatores pessoais que o espectador traz ao ambiente com base em sua relação pré-existente com aquele tipo particular de espaço.

Dan Flavin - A Diagonal de 25 de Maio de 1963, 1963. Luz fluorescente azul. 243,8 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco

Luzes Brilhantes

Então, como contextualizamos o trabalho de Flavin? Suas qualidades abstratas contêm um significado mais profundo e oculto além de suas qualidades formais? Depende de quem você perguntar. Como as instalações de luz de Flavin se integram tão bem aos espaços que ocupam, é natural que os espectadores reajam emocionalmente ao encontrá-las. Para a maioria de nós, na maior parte do tempo, uma sala é apenas um espaço utilitário, iluminado não para prazer, mas para funcionalidade. Quando alguém ilumina um espaço para beleza em vez de para negócios, chamamos isso de iluminação ambiente, por causa das reações emocionais vívidas que tende a inspirar.

Mas, em referência à sua própria insistência na falta de significado subjacente de suas obras, Flavin cunhou a expressão famosa “É o que é,” continuando, “e não é mais nada... Tudo é claramente, abertamente, simplesmente entregue.” No entanto, como crianças usando uma chave de fenda em vez do martelo para pregar um prego, continuamos tentados a recontextualizar a arte de Flavin para nossos próprios propósitos. Talvez isso reflita um senso de direito. Tomamos como nosso direito soberano objetificar uma obra de arte da maneira que for melhor para nós, independentemente da intenção do artista. Ou talvez devêssemos simplesmente chamar isso de Olhar do Intérprete: um presente que nós, espectadores de arte, concedemos a nós mesmos que permite que o valor da combinação entre a obra de arte e nós seja maior do que o de suas partes individuais.

Imagem em destaque: Dan Flavin - A diagonal de 25 de maio de 1963 (para Constantin Brancusi), 1963
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio