Dan Flavin e as Instalações de Luz Abstrata

Uma atmosfera de espiritualidade frequentemente acompanha a arte abstrata. O misticismo prospera onde a beleza é abundante e o significado é ambíguo. Mas alguns artistas abstratos negam que suas obras contenham profundidades, qualidades transcendentes ou qualquer significado além das formalidades estéticas. Dan Flavin é um exemplo quintessential desse fenômeno. Um dos artistas mais influentes do século 20, Flavin abriu novos caminhos no uso da luz na arte modernista. Suas obras são belas e sem precedentes, tornando-as propensas a interpretações criativas. Sua natureza etérea, luminescência radiante e até mesmo seus títulos convidam associações com o sagrado. Mas Flavin sustentou que tais associações não tinham mérito. Insistindo que sua arte consistia simplesmente apenas de luz iluminando a arquitetura, Flavin disse: “Pode-se não pensar na luz como um fato, mas eu penso. E é, como eu disse, uma arte tão simples, aberta e direta quanto você encontrará."

Icônico ou irônico

Flavin foi criado em uma família católica irlandesa no Queens, Nova York. Na adolescência, ele estudou para se tornar um padre. Mas, não convencido pela ideia de uma vida na igreja, aos 19 anos ele se alistou no exército com seu irmão. Durante seu serviço na Coreia, ele começou a estudar arte seriamente e, após completar seu tempo de serviço, retornou a Nova York, onde continuou estudando arte e trabalhou em empregos temporários em museus. Em 1961, após experimentar vários estilos de pintura e colagem, ele criou suas primeiras obras baseadas em luz, uma série de caixas pintadas que penduravam na parede e eram ligadas a lâmpadas. Ele chamou essas obras de "ícones."

A palavra ícone referia-se a pinturas luminosas e sagradas feitas por pintores ortodoxos russos na época bizantina. Combinado com sua própria história de ter sido criado em uma família católica e os cinco anos que passou estudando para se tornar padre, o uso da palavra ícone por Flavin para esses objetos poderia facilmente implicar intenções espirituais. Exceto que as pinturas de ícones bizantinos eram feitas meticulosamente de acordo com padrões estéticos rigorosos. Elas incorporavam meios caros e raros para alcançar seu efeito luminoso e foram criadas para embelezar os interiores de espaços sagrados e gloriosos construídos para honrar o divino. Os ícones de Flavin eram objetos ocos e minimalistas feitos de materiais baratos. Eles usavam luz produzida em massa para alcançar sua luminosidade e eram, segundo Flavin, “construções concentradas celebrando salas áridas.” Eles eram, em todos os sentidos, o oposto de seus homólogos históricos. Então, eles eram icônicos ou Flavin estava sendo irônico?

Dan Flavin - Sem Título (para Véronique), 1987. Luz fluorescente vermelha, amarela, azul e verde. 96 in; 243,8 cm. Waddington Custot, Londres

Monumentos à Luz

Dois anos após fazer seu primeiro ícone, Flavin teve um avanço. Ele deu o salto de eliminar as caixas pintadas, renunciando ao uso de qualquer tipo de suporte estético secundário e optando em vez disso por fixar suas luzes diretamente na parede. Ao usar luzes fluorescentes compradas em lojas, ligeiramente modificadas, como objetos de arte, ele se afiliou a movimentos como Arte Povera e Dadaísmo, por causa do uso de materiais do dia a dia e objetos prontos, e Minimalismo, por causa de sua dependência de materiais e processos industriais. Flavin dedicou sua primeira obra nesse novo estilo ao artista Constantin Brancusi, cuja escultura Coluna Sem Fim influenciou seu pensamento.

Restringindo-se a uma paleta de cores austera e a uma pequena gama de tamanhos de lâmpadas, Flavin começou uma exploração prolífica das possibilidades que seu novo estilo oferecia. Ele fez 50 "Monumentos" em forma de pirâmide dedicados ao artista construtivista russo Vladimir Tatlin, e criou dezenas de composições fluorescentes sem título dedicadas a outros artistas que o influenciaram, como Alexander Calder, Robert Ryman e Jasper Johns. O que era notável é que essas composições não apenas serviam à função de serem objetos estéticos, mas também serviam para alterar a percepção do espaço em que eram exibidas.

Dan Flavin - "Monumento" 1 para V. Tatlin, 1964. Tubos de luz fluorescente (branco frio). 96 1/10 × 23 1/5 pol; 244 × 59 cm. Exposição "Sol Negro" na Fondation Beyeler, Riehen.

Cantos, Barreiras e Corredores

À medida que o interesse pelo trabalho de Flavin aumentava, ele teve acesso a uma gama crescente de espaços arquitetônicos para expor. Ele capitalizou esse desenvolvimento para explorar mais profundamente a maneira como suas composições de luz poderiam afetar a natureza do espaço arquitetônico. Ele categorizou suas várias ideias de acordo com os espaços que habitavam, usando nomes como "cantos", "barreiras" e "corredores". Seus "cantos" habitavam o espaço arquitetônico de um canto, criando um fenômeno estético no próprio canto ou usando o canto como um ponto de partida a partir do qual afetar o restante do espaço. Suas "barreiras" criavam divisões artificiais no espaço, fazendo com que a luz atuasse tanto como o foco quanto como o disruptor da experiência do espectador.

Os "corredores" de Flavin usaram luz para alterar a experiência estética dos corredores. Em alguns casos, distorceram a forma como os corredores eram percebidos. Em outros casos, o corredor parecia atuar como um espaço de exposição para uma composição de luzes. E em algumas circunstâncias, as luzes pareciam simplesmente realçar a beleza estética do espaço.

Dan Flavin - sem título (em homenagem a Leo no 30º aniversário de sua galeria), 1987. Luz fluorescente vermelha, rosa, amarela, azul e verde. 96 × 96 pol; 243,8 × 243,8 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco

Situações e Propostas

A ambiguidade das criações de Flavin o levou a deixar de se referir a elas como obras de arte. Ele estava ciente de que suas composições de luz constituíam apenas uma parte da experiência que os espectadores poderiam ter na presença da obra. A totalidade da experiência do espectador era muito maior do que ele poderia prever. Ele, portanto, começou a chamar suas criações de "situações" e "propostas", implicando que representavam apenas o começo de um processo estético em andamento.

Algumas "situações" habitavam lugares sagrados, como igrejas. Outras habitavam espaços industriais. Outras ainda habitavam ambientes de arte tradicional, como um museu. A experiência completa de uma Situação Flavin depende da luz, da arquitetura, das condições atmosféricas, bem como de quaisquer fatores pessoais que o espectador traz para o ambiente com base em sua relação pré-existente com esse tipo particular de espaço.

Dan Flavin - A Diagonal de 25 de Maio de 1963, 1963. Luz fluorescente azul. 96 in; 243,8 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco

Luzes brilhantes

Então, como contextualizamos o trabalho de Flavin? Suas qualidades abstratas contêm um significado mais profundo e oculto além de suas qualidades formais? Depende de quem você perguntar. Como as instalações de luz de Flavin se integram tão bem aos espaços que ocupam, é natural que os espectadores reagem emocionalmente ao encontrá-las. Para a maioria de nós, na maior parte do tempo, uma sala é apenas um espaço utilitário, iluminado não para prazer, mas para funcionalidade. Quando alguém ilumina um espaço para beleza em vez de negócios, chamamos de iluminação ambiente, por causa das reações emocionais vívidas que tende a inspirar.

Mas em referência à sua própria insistência na falta de significado subjacente em suas obras, Flavin cunhou a famosa expressão “É o que é”, continuando, “e não é nada mais... Tudo é claramente, abertamente, simplesmente entregue.” No entanto, como crianças usando uma chave de fenda em vez do martelo pretendido para pregar um prego, continuamos tentados a recontextualizar a arte de Flavin para nossos próprios propósitos. Talvez isso reflita um senso de direito. Consideramos nosso direito soberano objetificar uma obra de arte da maneira que nos convém, independentemente da intenção do artista. Ou talvez devêssemos apenas chamá-lo de Olhar do Intérprete: um presente que nós, espectadores de arte, concedemos a nós mesmos que permite que o valor da combinação de uma obra de arte e nós mesmos some mais do que a soma de suas partes individuais.

Imagem em Destaque: Dan Flavin - A diagonal de 25 de maio de 1963 (para Constantin Brancusi), 1963
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park