A Alegria da Arte Abstrata Colorida na Galeria Mnuchin

A Galeria Mnuchin em Nova York está atualmente exibindo A Alegria da Cor, uma exposição coletiva celebratória de arte abstrata colorida datada de 1939 a 2018. A exposição oferece um vislumbre único das inúmeras maneiras como os artistas mobilizam a cor como conteúdo e conceito. Apresenta obras de muitos dos artistas historicamente importantes que a galeria representa, como Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis e Sam Gilliam, ao lado de artistas pioneiros do século 20 como Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland e Jack Bush. Também estão incluídas pinturas de artistas contemporâneos vitais como Laura Owens e Sean Scully, além de novatos como Sarah Crowner e Nathlie Provosty. Para alguns nova-iorquinos, esta exposição pode representar a oportunidade perfeita de retornar ao espaço Mnuchin. Em 2016, o crítico de arte da revista New York, Jerry Saltz, publicou um desabafo intitulado “Por que não vou mais à Galeria Mnuchin.” Ele citou Steven Mnuchin—filho do proprietário da galeria, Robert Mnuchin—sendo nomeado Chefe de Finanças de Campanha do então candidato presidencial Donald Trump como sua razão. Desde que esse artigo foi publicado, Steven Mnuchin foi nomeado Secretário do Tesouro dos Estados Unidos. Por razões que não têm nada a ver com arte, e tudo a ver com ideologia, Saltz incentivou seus leitores a punir o pai vendedor de arte pelos pecados políticos percebidos do filho. Tal drama fabricado é ridículo, mas, no entanto, qualquer um que cedeu à pressão social criada deve considerar A Alegria da Cor a desculpa perfeita para dar à galeria uma nova chance. A exposição é mais como um passeio pela seção moderna e contemporânea de um pequeno, mas importante, museu do que um passeio por uma galeria comercial. O trabalho demonstra exatamente como a arte abstrata em seu melhor tem a capacidade de transcender a política mesquinha e abrir novas portas de percepção para o que é belo e significativo neste mundo.

Cor como estratégia

A Alegria da Cor abre com um humilde móvel de Calder pendurado no teto perto de uma escada. Formas abstratas em vermelho, amarelo, branco e cinza giram suavemente nas brisas produzidas por nossos corpos e respiração. Calder usou a cor para fazer as pessoas pensarem sobre “a ideia de corpos desconectados flutuando no espaço.” Essas formas coloridas e caprichosas oferecem algo para se apreciar enquanto contemplamos questões universais como física e mecânica. Além do móvel, duas pequenas pinturas flanqueiam cada lado de um arco. À esquerda está “Lode” (2018) de Nathlie Provosty. À direita está um campo de cor sem título de Mark Rothko, ca. 1959. Ambas as composições são estruturadas, planas e retangulares. Ambas usam sutis variações de cor para convidar o espectador a uma experiência contemplativa. A cor não é conteúdo aqui tanto quanto é um ponto de entrada em encontros perceptuais com nosso ser interior. A pintura de Provosty, especialmente, com suas sutis variações de amarelo, expõe diferenças nuançadas entre coisas aparentemente semelhantes—só generalizando podemos chamá-la de monocromática. Todo amarelo não é o mesmo.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Óleo sobre linho em painel de alumínio. 19 x 15 polegadas (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Cortesia da Mnuchin Gallery

Outras pinturas na exposição que usam a cor como uma estratégia para engajar outros tipos de conteúdo incluem “Aleph Series V” (1960) de Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) de Sean Scully, uma pintura sem título de Laura Owens de 2006, e uma tela sem título de Joan Mitchell de 1958. A pintura de Louis atrai nossos olhos com relações de cor vibratórias ao redor de sua borda, mas à medida que as cores se fundem na escuridão no centro, nos tornamos mais conscientes da superfície: a tela não tratada se torna uma com a tinta, assim como as cores e formas se tornam uma com as outras—tudo se derrete em um só. A pintura de Scully usa a cor para nos engajar em uma consideração de pinceladas e texturas, um convite para apreciar as qualidades materiais da tinta. A pintura de Owens emprega a cor como um gatilho emocional. Sua paleta jubilante reflete os aspectos figurativos da obra, que se deleitam na feminilidade, abertura e natureza. Finalmente, as marcas tumultuadas de pincel na tela de Mitchell nos mostram como a cor pode se tornar sinônimo de humor, expressando a angústia mais profunda do espírito humano.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Óleo sobre alumínio. 85 x 75 polegadas (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Cortesia da Mnuchin Gallery

Cor como espaço

Muitas pinturas em A Alegria da Cor empregam a cor de uma maneira mais formal, mostrando a cor como uma criadora e delineadora eficaz do espaço visual. "Impressões Vermelhas da Natureza" (1968) de Alma Thomas oferece uma elucidação épica desse conceito. De longe, as cores declaram uma estrutura linear, dividindo a arquitetura visual em barras verticais. Ao examinar mais de perto, as colunas se fraturam em uma infinidade de formas orgânicas. O espaço branco entre as formas e colunas se afirma como um mundo além da superfície. Uma mágica semelhante está em ação em "Morango" (1970) de Jack Bush. Uma massiva forma de "U" rosada ecoa com sua tonalidade o título da pintura, enquanto um fundo rosa mais claro, salpicado com manchas escuras, estabelece dimensionalidade. Uma barra de cor complementar ao longo da parte inferior da tela tanto achata o espaço quanto engana o olho, fazendo-o perceber uma linha do horizonte combinada com um desfile cinético de formas geométricas.

Alma Thomas - Impressões Vermelhas da Natureza, 1968. Acrílico sobre tela. 51 x 49 1/2 polegadas (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Cortesia da Mnuchin Gallery

Entre as composições espaciais mais chamativas da exposição estão “Elberta” (1975) de Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) de Kenneth Noland, e “The Wave (Urszula)” (2014) de Sarah Crowner. Frankenthaler cria uma vasta abertura em sua pintura manchada, abrindo o olho para um universo visual expansivo e luminoso; Noland alcança o efeito oposto, simplificando e centralizando o espaço com sua composição familiar de alvo; Crowner organiza o espaço em uma dissonância harmoniosa com formas de onda vibratórias e biomórficas em vermelho e laranja. No entanto, a criação de espaço mais profunda vem courtesy de “Atmosphere” (1972) de Sam Gilliam. Sua técnica característica de chanfrar as bordas de sua superfície permite que as cores criem espaço além dos limites físicos da obra. A pintura nos convida a nos perguntar sobre o que está além dos limites do que podemos ver—uma preocupação vital para nós nesta era, e que talvez até o Sr. Saltz quisesse parar na galeria para considerar. The Joy of Color está em exibição até 8 de dezembro de 2018.

Imagem em destaque: A Alegria da Cor - exposição coletiva na Mnuchin Gallery, Nova York, 2018. © Tom Powel Imaging. Cortesia da Mnuchin Gallery
Por Phillip Park