A Alegria da Arte Abstrata Colorida na Galeria Mnuchin

A Galeria Mnuchin em Nova York está atualmente exibindo A Alegria da Cor, uma mostra coletiva comemorativa de arte abstrata colorida datada de 1939 a 2018. A exposição oferece um vislumbre único das múltiplas formas pelas quais os artistas mobilizam a cor tanto como conteúdo quanto como conceito. Apresenta obras de muitos dos artistas historicamente importantes que a galeria representa, como Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis e Sam Gilliam, ao lado de artistas pioneiros do século XX como Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland e Jack Bush. Também estão incluídas pinturas de artistas contemporâneos vitais como Laura Owens e Sean Scully e de recém-chegados como Sarah Crowner e Nathlie Provosty. Para alguns nova-iorquinos, esta mostra pode representar a oportunidade perfeita para retornar ao espaço Mnuchin. Em 2016, o crítico de arte da revista New York, Jerry Saltz, publicou um desabafo intitulado “Por que não vou mais à Galeria Mnuchin”. Ele citou Steven Mnuchin — filho do proprietário da galeria, Robert Mnuchin — sendo nomeado chefe de Financiamento de Campanha para o então candidato presidencial Donald Trump como sua razão. Desde que esse texto apareceu, Steven Mnuchin foi nomeado Secretário do Tesouro dos Estados Unidos. Por razões que nada têm a ver com arte, e tudo a ver com ideologia, Saltz incentivou seus leitores a punir o pai vendedor de arte pelos pecados políticos percebidos do filho. Tal drama fabricado é ridículo, mas, mesmo assim, quem cedeu à pressão social deve considerar A Alegria da Cor a desculpa perfeita para dar uma nova chance à galeria. A exposição é mais como um passeio pela seção moderna e contemporânea de um museu pequeno, porém importante, do que uma visita a uma galeria comercial. As obras demonstram exatamente como a arte abstrata em seu melhor momento tem a capacidade de transcender a política mesquinha e abrir novas portas de percepção para o que é belo e significativo neste mundo.

A Cor como Estratégia

A Alegria da Cor começa com um humilde móbile de Calder pendurado no teto ao lado de uma escada. Formas abstratas vermelhas, amarelas, brancas e cinzas giram suavemente nas brisas produzidas por nossos corpos e respiração. Calder usava a cor para fazer as pessoas pensarem sobre “a ideia de corpos destacados flutuando no espaço.” Essas formas coloridas e caprichosas oferecem algo para se apreciar enquanto se contempla questões universais como física e mecânica. Além do móbile, duas pequenas pinturas flanqueiam os lados de um arco. À esquerda está “Lode” (2018) de Nathlie Provosty. À direita, um campo de cor sem título de Mark Rothko, cerca de 1959. Ambas as composições são estruturadas, planas e retangulares. Ambas usam sutis variações de cor para convidar o espectador a uma experiência contemplativa. A cor aqui não é tanto o conteúdo, mas sim um ponto de entrada para encontros perceptivos com nosso ser interior. A pintura de Provosty, especialmente, com suas variações sutis de amarelo, expõe diferenças nuançadas entre coisas aparentemente semelhantes — só podemos chamar de monocromática por generalização. Nem todo amarelo é igual.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Óleo sobre linho em painel de alumínio. 48,3 x 38,1 cm (19 x 15 polegadas). © Nathlie Provosty. Cortesia da Galeria Mnuchin

Outras pinturas na mostra que usam a cor como estratégia para envolver outros tipos de conteúdo incluem “Aleph Series V” (1960) de Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) de Sean Scully, uma pintura sem título de Laura Owens de 2006, e uma tela sem título de Joan Mitchell de 1958. A pintura de Louis atrai nossos olhos com relações vibratórias de cor ao redor da borda, mas à medida que as cores se fundem na escuridão no centro, nos tornamos mais conscientes da superfície: a tela não preparada torna-se uma com a tinta assim como as cores e formas se tornam uma só — tudo se funde em um só. A pintura de Scully usa a cor para nos envolver na consideração das pinceladas e texturas, um convite para apreciar as qualidades materiais da tinta. A pintura de Owens emprega a cor como um gatilho emocional. Sua paleta jubilosa reflete os aspectos figurativos da obra, que celebram a feminilidade, a abertura e a natureza. Finalmente, as marcas tumultuadas do pincel na tela de Mitchell nos mostram como a cor pode se tornar sinônimo de humor, expressando a angústia mais profunda do espírito humano.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Óleo sobre alumínio. 215,9 x 190,5 cm (85 x 75 polegadas). © Sean Scully. Cortesia da Galeria Mnuchin

A Cor como Espaço

Muitas pinturas em A Alegria da Cor empregam a cor em um sentido mais formal, mostrando a cor como criadora eficaz e delimitadora do espaço visual. “Nature’s Red Impressions” (1968) de Alma Thomas oferece uma elucidação épica desse conceito. De longe, as cores declaram uma estrutura linear, dividindo a arquitetura visual em barras verticais. Ao examinar de perto, as colunas se fragmentam em uma multidão de formas orgânicas. O espaço branco entre as formas e colunas se afirma como um mundo além da superfície. Mágica semelhante está em “Strawberry” (1970) de Jack Bush. Uma forma massiva em “U” rosada ecoa com seu tom o título da pintura, enquanto um fundo rosa mais claro, salpicado de manchas escuras, estabelece a dimensionalidade. Uma barra de cor complementar ao longo da parte inferior da tela tanto achata o espaço quanto engana o olho, fazendo-o perceber uma combinação de linha do horizonte e desfile cinético de formas geométricas.

Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Acrílico sobre tela. 129,5 x 125,7 cm (51 x 49 1/2 polegadas). © Alma Thomas. Cortesia da Galeria Mnuchin

Entre as composições espaciais mais chamativas da mostra estão “Elberta” (1975) de Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) de Kenneth Noland e “The Wave (Urszula)” (2014) de Sarah Crowner. Frankenthaler cria uma vastidão aberta em sua pintura manchada por imersão, abrindo o olhar para um universo visual expansivo e luminoso; Noland alcança o efeito oposto, simplificando e centralizando o espaço com sua composição familiar de alvo; Crowner organiza o espaço em uma dissonância harmoniosa com formas onduladas biomórficas vermelhas e laranjas vibratórias. Contudo, a criação mais profunda de espaço vem por meio de “Atmosphere” (1972) de Sam Gilliam. Sua técnica característica de chanfrar as bordas da superfície permite que as cores criem espaço além dos limites físicos da obra. A pintura nos convida a refletir sobre o que está além dos limites do que podemos ver — uma preocupação vital para nós nesta era, e uma que talvez até o Sr. Saltz queira visitar a galeria para considerar. A Alegria da Cor fica em exibição até 8 de dezembro de 2018.

Imagem em destaque: A Alegria da Cor - exposição coletiva na Galeria Mnuchin, Nova York, 2018. © Tom Powel Imaging. Cortesia da Galeria Mnuchin
Por Phillip Barcio