Centre Pompidou tar en ny titt på kubismen i en omfattande ny utställning

Den 17 oktober öppnar den första stora kubistutställningen i Paris på 65 år på Centre Pompidou. Kubism (1907-1917) samlar mer än 300 verk i ett försök att vidga vår förståelse av en av 1900-talets mest inflytelserika konströrelser. De flesta kubistutställningar fokuserar på rörelsens grundare: Pablo Picasso och Georges Braque. Denna utställning lyfter också fram deras verk, men går långt bortom det begränsade perspektivet. Den börjar med att granska sällan visade verk av Paul Cézanne och Paul Gauguin tillsammans med exempel på traditionell afrikansk konst som påverkade Picasso. Därefter utforskas galaxen av konstnärer runt Picasso och Braque, som tog deras upptäckter och utvecklade dem till flera andra distinkta uttryck. Inte bara målningar ingår, utan några av de mest kända exemplen på kubistisk skulptur visas också, såsom kartonggitarrens sammansättning som Picasso skapade 1914. Slutligen ser vi kubismens arv genom verk av konstnärer som Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi och Piet Mondrian. Enligt utställningens kuratorer är målet med denna ambitiösa utställning helt enkelt att erbjuda publiken en bredare översikt över historien för denna viktiga rörelse. Men vad de faktiskt har åstadkommit går lite djupare. De har samlat en hoppfull utställning, en som uppmuntrar oss att omfamna idéerna från våra samtida och utan skam bygga vidare på dåtidens genialitet.

En förändring i perspektiv

Det finns många olika förklaringar till kubismen. Vissa beskriver den som ett geometriskt sätt att måla världen på. Andra kallar det ett sätt att införa den fjärde dimensionen i konsten genom att visa rörelse. Ytterligare andra säger att det var en abstrakt förenkling av former och figurer som finns i vardagslivet. Den bästa förklaring jag någonsin hört är att kubismen var ett försök att ompröva perspektivet. Sedan renässansen har västerländsk konst styrts av särskilda regler när det gäller bildkonst – regler om realism, acceptabelt innehåll och perspektiv. Målningar förväntades efterlikna livet genom att omfatta djup, perspektiv och andra illusionistiska verktyg. Under 1800-talet utmanades dock dessa regler. Impressionisterna ifrågasatte reglerna om motivval och skapade verk som enbart handlade om ljus. Divisionisterna använde experimentella penseldrag för att väcka frågor om färg existerar i verkligheten eller bara tolkas i hjärnan. Postimpressionisterna omfamnade mystik, symbolism och andlighet och visade att formella element som färg och rum i sig kunde vara värda att utforska som innehåll.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Polykromt bassrelief i lindträ, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubismen tillförde denna blandning idén att verkligheten uppfattas mycket annorlunda av det mänskliga ögat än hur den vanligtvis skildras i konsten. När vi ser något ser vi det inte platt och helt stilla. Världen är alltid i rörelse, och vi rör oss alltid genom den. Vi ser delar av den från olika vinklar. Ljuset förändras ständigt. Världen är uppdelad i bitar – några osynliga, men vi vet att de finns där. Kubismen försöker visa verklighetens fragment sammansatta till en enda komposition. Den analyserar världen från flera samtidiga perspektiv och dekonstruerar livet för att visa dess komplexitet. Kubism (1907-1917) visar hur Cézanne i detta avseende åtminstone låg långt före Picasso och Braque. Ett av de tidigaste verken i utställningen är Cézannes målning ”La Table de cuisine” (1890). Från bordet i förgrunden till korgarna, stolarna och tallrikarna visas varje föremål i bilden från en subtilt annorlunda synvinkel. Samtidighet av perspektiv uppnås i detta verk, vilket gör det tydligt proto-kubistiskt 18 år innan Picasso och Braque kom fram till samma idé.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Stilleben med korg), omkring 1888-1890. Olja på duk, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Konsten att låna

En av de mest uppfriskande aspekterna av Kubism (1907-1917) är att den inte skyggar för att dessa konstnärer fritt lånade av varandra. Vi sätter ibland så högt värde på originalitet och kräver att konstnärer ska våldsamt förnya. Denna utställning visar att innovation ibland helt enkelt betyder att ta ett litet steg framåt genom att bygga vidare på andras prestationer. Vi ser ”Masque krou” från Elfenbenskusten, en av de afrikanska masker som direkt inspirerade Picasso. Ansiktet är delat i kvadranter; ögonen är obalanserade; dragen är uppdelade i geometriska områden av skugga och ljus. Två närliggande målningar av Picasso – ”Portrait de Gertrude Stein” (1905-1906) och hans självporträtt från 1907 – visar hur exakt Picasso imiterade den afrikanska maskens bildspråk. Men sedan ser vi hur han dissekerade dessa formella aspekter och tog nästa steg, använde idéerna för att dekonstruera föremål i rummet i målningar som ”Pains et compotier aux fruits sur une table” (1908-1909) och för att avslöja karaktärens osynliga sidor i verk som ”Portrait d’Ambroise Vollard” (1910).

Pablo Picasso - Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906. Olja på duk, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / bild från MMA. © Succession Picasso 2018

När utställningen fortskrider ser vi hur Sonia Delaunay lånade Picassos geometriska språk – inte för att utforska den fysiska världen utan för att använda formerna för att utforska färgförhållandens metafysiska potential. Vi ser hur Piet Mondrian också lånade kubismens geometriska aspekter, men till skillnad från Picasso som försvårade verkligheten, använde Mondrian geometrin för att förenkla världen till dess mest grundläggande element. Vi ser hur konstnärer som Juan Gris lånade från kubismen för att skapa en mer grafisk konststil, som sedan inspirerade affischkonstnärer. Och vi ser hur collage från syntetisk kubism inspirerade dadaister som Francis Picabia. Vi ser också så kallade ”tubistiska” verk av Fernand Léger, som visar en nyanserad förändring av kubiststilen som blev en föregångare till popkonsten. Vackert nog finns ingen skam i denna utveckling av influenser. Tvärtom påminner den genomtänkta kurateringen oss om den rena glädjen i att bygga vidare på andras idéer. Ingen skulle säga att någon av dessa konstnärer saknade fantasi. Tvärtom visar Kubism (1907-1917) att fantasin ibland är ännu fruktbarare när den ber om hjälp.

Bild från utställningen: Pablo Picasso - Guitare, Paris, januari-februari 1914. Metall- och järnplåt, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digital bild, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florens. © Succession Picasso 2018
Av Phillip Barcio