Centre Pompidou tar en ny titt på kubismen i en omfattande ny utställning

Den 17 oktober öppnar den första stora kubistiska utställningen i Paris på 65 år på Centre Pompidou. Kubism (1907-1917) samlar mer än 300 verk i ett försök att utvidga vår förståelse av en av de mest inflytelserika konstnärliga rörelserna under 1900-talet. De flesta kubistiska utställningar fokuserar på grundarna av rörelsen: Pablo Picasso och Georges Braque. Denna utställning lyfter också fram deras arbete, men den går långt bortom det begränsade perspektivet. Den börjar med att undersöka sällan utställda verk av Paul Cézanne och Paul Gauguin tillsammans med exempel på traditionell afrikansk konst som påverkade Picasso. Den utforskar sedan galaxen av konstnärer runt Picasso och Braque, som tog deras upptäckter och utvidgade dem till flera andra distinkta positioner. Inte bara målningar ingår, utan även några av de mest kända exemplen på kubistisk skulptur är också på visning, såsom den pappersgitarrsamling som Picasso skapade 1914. Slutligen ser vi kubismens arv genom verken av konstnärer som Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi och Piet Mondrian. Enligt dess kuratorer är målet med denna ambitiösa utställning helt enkelt att erbjuda publiken en bredare översikt över historien om denna viktiga rörelse. Men vad de faktiskt har åstadkommit går lite djupare. De har samlat en hoppfull utställning, en som uppmuntrar oss att omfamna idéerna från våra samtida och utan att tveka bygga vidare på det förflutnas geni.

Ett förändrat perspektiv

Många olika förklaringar av kubism finns. Vissa beskriver det som ett geometriskt sätt att måla världen. Andra kallar det ett sätt att introducera den fjärde dimensionen i konsten genom att visa rörelse. Andra säger att det var en abstrakt reduktion av former och figurer som finns i vardagen. Den bästa förklaring jag någonsin har hört är att kubism var ett försök att ompröva perspektiv. Sedan renässansen har västerländsk konst styrts av specifika regler när det gäller visuell konst—regler om realism, acceptabelt innehåll och perspektiv. Målningar förväntades efterlikna livet genom att omfamna djup, perspektiv och andra illusionistiska verktyg. Under 1800-talet utmanades dock dessa regler. Impressionisterna utmanade reglerna om motiv, och skapade verk som enbart handlade om ljus. Divisionisterna använde experimentella penseldrag för att väcka frågor om huruvida färg existerar i verkliga livet eller bara tolkas i hjärnan. Postimpressionisterna omfamnade mystik, symbolik och spiritualitet, och bevisade att formella element som färg och rum i sig själva kunde vara värda att sträva efter som innehåll.

Paul Gauguin - Var mystiska, 1890. Polykromt basrelief i lindträ, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubismen tillförde till denna blandning idén att verkligheten uppfattas på ett helt annat sätt av det mänskliga ögat än hur den vanligtvis framställs i konsten. När vi ser något ser vi det inte platt och perfekt stilla. Världen rör sig alltid, och vi rör oss alltid genom den. Vi ser bitar och delar av den från olika vinklar. Ljuset förändras ständigt. Världen är uppdelad i bitar och delar – några av vilka är osynliga, men vi vet att de finns där. Kubismen försöker visa fragmenten av verkligheten återmonterade i en enda komposition. Den analyserar världen från flera samtidiga perspektiv, dekonstruerar livet för att visa dess komplexitet. Kubism (1907-1917) visar hur, i detta avseende åtminstone, Cézanne var långt före Picasso och Braque. Ett av de tidigaste verken i utställningen är Cézannes målning “La Table de cuisine” (1890). Från bordet i förgrunden till korgarna och stolarna och disken, varje objekt i bilden visas från en subtilt annorlunda synvinkel. Samtidighet av perspektiv uppnås i detta verk, vilket deklarerar det som tydligt proto-kubistiskt 18 år innan Picasso och Braque kom fram till samma idé.

Paul Cézanne - Kökets bord. (Stilleben med korg), cirka 1888-1890. Olja på duk, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Konsten att låna

En av de mest uppfriskande aspekterna av kubismen (1907-1917) är att den inte skäms för att dessa konstnärer lånade fritt från varandra. Vi lägger ibland så stort värde på originalitet, och kräver att konstnärer ska innovativt tänka utanför boxen. Denna utställning visar att innovation ibland helt enkelt innebär att ta ett litet steg framåt och bygga vidare på andras prestationer. Vi ser "Masque krou" från Elfenbenskusten, en av de afrikanska maskerna som direkt inspirerade Picasso. Ansiktet är indelat i kvadranter; ögonen är ur balans; dragen är uppdelade i geometriska områden av skugga och ljus. Två närliggande målningar av Picasso—"Porträtt av Gertrude Stein" (1905-1906) och hans självporträtt från 1907—visar hur exakt Picasso imiterade det visuella språket hos den afrikanska masken. Men sedan ser vi hur han dissekerade dessa formella aspekter och tog nästa steg, genom att använda idéerna för att dekonstruera objekt i rummet i målningar som "Bröd och fruktskål på ett bord" (1908-1909), och för att avslöja de osynliga aspekterna av karaktär i verk som "Porträtt av Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Porträtt av Gertrude Stein, 1905-1906. Olja på duk, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / bild av MMA. © Succession Picasso 2018

När utställningen fortskrider ser vi hur Sonia Delaunay således lånade den geometriska språket från Picasso—inte för att utforska den fysiska världen utan för att använda formerna för att utforska den metafysiska potentialen i färdiga relationer. Vi ser hur Piet Mondrian också lånade de geometriska aspekterna av kubismen, men till skillnad från Picasso som komplicerade verkligheten, använde Mondrian geometri för att förenkla världen till dess mest grundläggande element. Vi ser hur konstnärer som Juan Gris lånade från kubismen för att skapa en mer grafisk konststil, som skulle inspirera affischkonstnärer. Och vi ser hur kollagen av syntetisk kubism inspirerade Dadaister som Francis Picabia. Vi ser också så kallade "Tubist"-verk av Fernand Léger, som illustrerar en nyanserad förändring av kubiststilen som blev en föregångare till popkonst. Vackert nog finns det ingen skam i denna progression av influenser. Snarare tvärtom. Den genomtänkta kureringen påminner oss om den rena glädjen i att bygga vidare på andras idéer. Ingen skulle säga att någon av dessa konstnärer saknade fantasi. Tvärtom, Kubism (1907-1917) bevisar att ibland är fantasin till och med mer fruktbar när den ber om hjälp.

Utvald bild: Pablo Picasso - Guitare, Paris, januari-februari 1914. Metallplåt och järn, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digital bild, Museum of Modern Art, New York/Scala, Florens. © Succession Picasso 2018
Av Philip Barcio