阿道夫·戈特利布的黑暗抽象艺术
阿道夫·戈特利布 是20世纪中叶抽象艺术的关键人物之一。他的画作情感丰富、简约且原始，许多人认为它们带有黑暗色彩。但戈特利布认为自己恰恰相反，他觉得自己充满活力、复杂、充满激情且现代，是用艺术照亮前路、引领人类走向更美好未来的人。戈特利布出生于纽约市，那是人类历史上最动荡的时期之一，他的成长环境无疑充满黑暗：社会、政治和经济的困境使得社会的未来在现实中充满不确定性。从他的艺术作品和著述中可以清楚地看出，第一次世界大战、大萧条和第二次世界大战的焦虑与矛盾绝对影响了他美学视野的发展。但这种美学视野并非如许多评论家所说的那样仅仅是悲伤或厄运。实际上，戈特利布通过这种视野努力以充满希望的方式传达关于人类心灵和思想的真理。或许不可避免地，他所感知的真理中包含了一定程度的疯狂与混沌。但戈特利布于1974年去世时留下的大量作品中，也包含了美丽、宁静、和平与崇高。这些矛盾的复杂性定义了他有时颇具争议的世界观，最终促使阿道夫·戈特利布重新定义了抽象艺术，创作出如今才开始被真正认可其光辉与光明的艺术作品集。
一位内心的艺术家
阿道夫·戈特利布于1904年出生在纽约的一个工人阶级移民家庭。与当时在下东区成长的许多孩子相比，他的人生起点非常好，因为他的父母经营着一家成功的文具生意，并希望有一天能传给他。但他很早就确定自己只想成为一名艺术家。他对这一点非常坚定，以至于15岁时便辍学，全身心投入艺术创作。他曾在艺术学生联盟听讲座，这是一所由艺术家运营的机构，许多后来成为抽象表现主义运动成员的艺术家都曾在此上课。17岁时，戈特利布离开美国，前往欧洲，他通过在一艘开往法国的船上工作赚取旅费。
他年轻时对自己能力的信心在海外得到了回报，他迅速熟悉了欧洲现代主义艺术世界。与1920年代的美国艺术相比，当时的欧洲艺术极具创造力。他接触到了野兽派、立体主义、至上主义、未来主义和几何抽象。他常去博物馆，参加各种免费艺术课程。签证到期后，他又在欧洲旅行了近一年。在此期间，他坚信欧洲艺术家与某种重要事物相连。特别是他对部落艺术日益扩散的影响产生了浓厚兴趣，这一趋势促使他摒弃了美国具象艺术的俗套，转而寻求古老符号和数百年视觉传统中的普遍性。
阿道夫·戈特利布 - 《黑色飞溅》，1967年，彩色丝网印刷，31 1/8 × 23 1/8英寸，79.1 × 58.7厘米（左）和《飞线》，1967年，彩色丝网印刷，30 × 22英寸，76.2 × 55.9厘米，图片来源：马尔伯勒画廊
哲学家艺术家
1922年戈特利布回到纽约时，带回了作为艺术家的责任感。他视自己为文化现代化的推动者，接受艺术家应成为哲学家和社会变革推动者的理念。他完成了艺术学业，随后几年结识了一批艺术家兼哲学家，如马克斯·罗斯科、巴内特·纽曼、大卫·史密斯和米尔顿·艾弗里，其中一些人成为他们那一代最著名的美国艺术家。戈特利布和他的伙伴们是异类。他们是抽象艺术家，或者至少是创作被解读为抽象艺术的艺术家，但他们也热衷于公开讨论自己作品的意义。
当时，先锋艺术家，尤其是抽象艺术家，在美国并不被理解，更谈不上广泛尊重——即使在纽约也是如此。许多人难以为自己和现代主义美学理想的价值辩护。但戈特利布天生是个倡导者和沟通者。他政治上和社会上都很积极，迅速为他认为重要的事发声。1935年，戈特利布和他的朋友马克斯·罗斯科（当时名为Marcus Rothkowitz）将信念付诸行动，成立了名为“十人组”的团体。成员包括卢·尚克尔、伊利亚·博洛托夫斯基、本-齐恩、乔·所罗门、纳胡姆·查克巴索夫、卢·哈里斯、拉尔夫·罗森堡和扬克尔·库费尔德。作为对纽约策展界主流趋势的公开抗议，“十人组”共同展出他们的抽象作品，拒绝所谓“美国绘画与具象绘画的等同”。
阿道夫·戈特利布 - 《红色地面》，纸上油画装裱于画布
象形画
戈特利布最终发展出成熟抽象风格的最初进展之一，是20世纪40年代初的象形画系列。这些作品本质上是试图创造一种新的象征性图像语言，以传达普遍的情感和感受。戈特利布构思他的象形画时，使画面表面平坦，消除了深度感和任何与具象元素相关的幻觉感。他还将画布的各个区域平等对待，预示了后来被称为“全域绘画”的风格。他的象形画带有孩童般的粗犷笔触，唤起了部落社会的美学倾向。
从某种意义上说，戈特利布试图创造一种类似象形文字或汉字的图像字母表。但他并非试图传达具体的叙事，而是试图将他的表达简化到最基本的要素。他不拼写他所引用的神话，而是试图传达其核心所蕴含的集体人类情感。为实现这一目标，他精心创作了完全原创且不带外部联想的图像，希望其普遍性能够超越阻隔人们的文化差异。
阿道夫·戈特利布 - 《象形画》，1942年，油画于艺术家板，29 1/4 × 23 1/4英寸，74.3 × 59.1厘米，图片来源：霍利斯·塔加特画廊，纽约（左）和《无题》，1949年，纸上粉彩，24 × 18英寸，61 × 45.7厘米，图片来源：伯格鲁恩画廊，旧金山（右）
想象的风景
随着戈特利布发展他的象形画，他进行了简化过程。通过这一过程，他创作了一系列称为想象的风景的作品。与没有明确强调画面任何部分的象形画不同，戈特利布在这些画作中通过引入地平线将画面分为两个不同区域。地平线以下，他添加了象形涂鸦；地平线以上，他添加了彩色几何形状。想象的风景暗示了两种图像之间的等级关系。下方是涂鸦般的、情感丰富且复杂的人类焦虑表达；上方则是简单、直接的普遍纯净表达。
想象的风景进一步简化为戈特利布称之为爆发的画作。在这些作品中，他去掉了地平线，但保留了底部的涂鸦和顶部的统一形状。爆发作品使用大面积色彩，统一了色彩与形状元素，邀请观者以几乎神圣的层面进行沉思，似乎传达了某种高低意识共生关系的概念。
阿道夫·戈特利布 - 《想象的风景》，1971年，彩色蚀刻，法布里亚诺纸，带完整边距，26 3/10 × 32 1/2英寸，66.7 × 82.6厘米
阿道夫·戈特利布的遗产
1970年，戈特利布中风，失去了左侧身体的使用能力。尽管如此，他仍继续创作，在去世前一年创作了爆发系列中一些最深刻和极端的作品。生命终结时，他不仅因其独特的作品集而闻名，也因对他人作品的影响而著称。他的哲学思想是抽象表现主义理念的重要组成部分。他的美学视野被认为对色域绘画和极简主义的兴起产生了影响。
但与阿道夫·戈特利布在70年生命中创作的绘画、雕塑和版画的美学遗产同样重要的，是他对所属更大艺术群体的贡献——这超越了形式上的进步、世代和流派。戈特利布认为艺术家不是与社会分离的个体，而是与社会紧密相连。他相信艺术有潜力改变文明，认为公开且通俗地讨论美学理念非常重要，以便所有人都能理解。他认为艺术家对文化自我理解至关重要，通过他的作品，他展示了所有艺术家都有责任表达他们时代的疯狂、混乱、辉煌、美丽、黑暗与光明。
封面图：阿道夫·戈特利布 -
所有图片仅供说明用途
作者：Phillip Barcio
