MoMA i Paris - Vært af Fondation Louis Vuitton

En højt rost udstilling af moderne kunst åbnede i Paris denne uge, og den inspirerer til en hel del fejring. Men måske burde den også vække lige så meget bekymring. Being Modern: MoMA in Paris viser omkring 200 værker fra samlingen på Museum of Modern Art i New York. Udstillingen, som finder sted på det Frank Gehry-designede Louis Vuitton Foundation museum, markerer første gang, at et betydeligt udvalg af værker fra MoMA er blevet udstillet i Frankrig. Det er ganske let at nævne de mange grunde til, at denne udstilling hyldes som noget vidunderligt for Frankrig, for MoMA og for moderne kunst generelt. Listen over kunstnere og værker, der indgår i udstillingen, spænder trods alt over hele museets historie, fra dets grundlæggelse i 1929 til i dag. Den inkluderer mange af de største navne inden for kunst fra de sidste 100 år. Så åbenlyst bør enhver mulighed for at se så mange indflydelsesrige og berømte værker gribes af alle, der overhovedet kan nå frem til stedet. Men bare et øjeblik bør vi også tage et alvorligt blik på, hvorfor udstillingen også skaber uro: nemlig den overvældende mængde overdrevne rosende ord, der spredes om begivenhedens betydning. De officielle pressematerialer, som er blevet genoptrykt og citeret til døde af pressen, kalder gentagne gange udstillingen for en “manifestudstilling” og beskriver MoMA som et af de “vigtigste museer” i verden. Udstillingen betegnes som “nyskabende,” “omfattende” og “uden sidestykke.” Ord som “mytisk” dukker endda op igen og igen. Og det er netop det sidste tillægsord, “mytisk,” der synes mest farligt, fordi det er det eneste synspunkt om denne udstilling, som ikke kan afvises som blot overdrivelse. Myter er magtfulde. Og når det gælder en udstilling af denne størrelse, har de myter, den både skaber og opretholder, evnen til at forme den globale fortælling om kunst i generationer fremover.

Pak de Tillægsord Ud

Det mest åbenlyst latterlige tillægsord, der bruges til at beskrive Being Modern: MoMA in Paris, er “omfattende.” Specifikt siger pressepakken, at, “Being Modern: MoMA in Paris er denførste omfattende udstilling i Frankrig af samlingen fraMuseum of Modern Art.” Men i sandhed, selvom udstillingen faktisk er betydelig – den viser omkring 200 genstande – er den samlede størrelse af hele MoMA-samlingen omkring 200.000 genstande. Så denne udstilling viser cirka en tusindedel af, hvad MoMA ejer. Det er kun et lille glimt af de fulde arkiver. Hvorfor kalde den omfattende? Svaret kunne være, at udvalgsudvalget, som inkluderede repræsentanter fra både Fondation Louis Vuitton og MoMA, mener, at det mikroskopiske antal genstande, de valgte, fuldt ud repræsenterer karakteren og substansen af de resterende 199.800 genstande, der er tilbage. Men er det overhovedet sandt?

Når man ser på listen over kunstnere, der er med i MoMA in Paris, virker den på ingen måde repræsentativ for hele MoMA-samlingen. Mere end 75.000 genstande fra den samling er arkiveret online, så jeg lavede en hurtig tekstsøgning i den database for at finde tre kunstnere, som ikke er med i denne udstilling, men som jeg anser for at være blandt de mest indflydelsesrige moderne kunstnere nogensinde: Louise Bourgeois, Anni Albers og Helen Frankenthaler. Det viser sig, at MoMA ejer hundredvis af værker af disse tre kunstnere. Men mærkeligt nok er de ikke med i denne udstilling. Jeg lavede en anden søgning, idet jeg bemærkede, at MoMA in Paris indeholder værker af en håndfuld mandlige dadaister. Så jeg tjekkede, om MoMA-arkiverne har værker af nogen af de indflydelsesrige kvindelige dadaister. Det viser sig, at de har mere end et dusin værker af Hannah Höch og Sophie Taeuber Arp, men kun deres mere kendte mandlige modstykker er med i denne udstilling. Så kan vi sige, at denne udstilling er omfattende? Langt fra. Det, vi kan sige, er, at kuratorerne håndplukkede værker af store navne. Men det kaldes en blockbuster, ikke en omfattende repræsentation af historien eller MoMA-samlingen.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neonrør og ledning med glasrørsophæng, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239,8 x 179 x 65,4 cm). Museum of Modern Art, New York. Gave fra Emily og Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Vanskeligheden ved Nyskabelse

Det næste tillægsord fra MoMA in Paris pressepakken, som vi skal pakke ud, er “nyskabende.” Dette er et meningsfuldt ord, og et der med rette hører hjemme i enhver samtale om moderne kunst. Nyskabelse indebærer originalitet, skaberkraft, eksperimenteren og nogle gange endda genialitet. Så er det det rette ord at bruge om denne udstilling? Som vi allerede ved, blev kunstnerne ikke valgt, fordi de var, eller er, de mest kreative, mest originale, mest eksperimenterende eller de største genier. Med få undtagelser (såsom at inkludere den brasilianske konstruktivist Lygia Clark sammen med den velkendte minimalistiske hvide drengeklub bestående af Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly og Frank Stella), blev kunstnerne valgt hovedsageligt på grund af navnegenkendelse eller fordi de passede ind i den eksisterende fortælling om moderne kunsthistorie. Men det er selvfølgelig ikke nyt. Det er den sædvanlige kuratoriske taktik for omfattende historiske retrospektiver. Og det er fint. Men det er ikke nyskabende. Måske henviser ordet nyskabende, når det bruges om denne udstilling, ikke til selve udstillingen, men til værkerne.

Hvis det er tilfældet, bør vi forvente at se de mest nyskabende repræsentanter for modernismen med i udstillingen. For at analysere, om det er tilfældet, kan man se på listen over abstrakte ekspressionister, der vises. Jackson Pollock er med, ligesom Willem de Kooning. Men hvor er de andre? Hvor er Louise Nevelson, uden tvivl den mest nyskabende billedhugger i den generation? Hendes værker findes på MoMA. Hvorfor er de ikke med her? Hvor er Perle Fine? Eller Jay DeFeo? Eller for den sags skyld, hvis man nu inkluderer Jackson Pollocks værker, hvorfor så ikke også medtage David Alfaro Siqueiros, den berømte mexicanske vægmaler, som underviste på workshoppen i New York (som Pollock deltog i), og som først introducerede mange af de metoder, Pollock brugte til sine ikoniske dryp- og sprøjtmalerier? Eller hvorfor ikke inkludere Janet Sobel, den kvindelige sprøjtmaler, som også deltog i Siqueiros’ workshop, og hvis atelier Pollock besøgte, før han “opfandt” sin egen sprøjteteknik? Værker af både Siqueiros og Sobel findes i MoMA-samlingen. Deres fravær her viser, at denne udstilling ikke handler om nyskabelse. Det er blot en gentagelse af de sædvanlige halve sandheder, som i generationer har udgivet sig for at være historie.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Syntetisk polymermaling og avis på linned, 87 x 84 1/2″ (221 x 214,6 cm). Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (venstre) og Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Olie på lærred, fireogtres paneler, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). Museum of Modern Art, New York. Gave fra kunstneren, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (højre)

Problemet med Myter

Alt i alt er det eneste tillægsord, der bruges om MoMA in Paris, som ikke lugter af overdrivelse, “uden sidestykke.” Det er virkelig første gang, så mange værker fra MoMA vises samtidig i Frankrig. Så okay, per definition er denne udstilling uden sidestykke. (Selvom det ikke betyder, at den ikke også er almindelig.) Og den eneste overdrevne vending i pressepakken, der kommer tæt på at være sand, er, at MoMA er et af de “vigtigste museer” i verden. Den påstand kan bevises som faktuel. At MoMA er ubestrideligt vigtigt kan påvises på mange måder. Vi kan måle den indflydelse, institutionen udøver med sine erhvervelser på de andre store kunstsamlinger i verden. Hvor mange kunstsælgere viser private samlere vigtigheden af de kunstnere, de repræsenterer, ved at henvise til, hvilke museumsamlinger kunstneren er med i? (Svaret er alle.) Og vi kan måle antallet af besøgende, MoMA modtager hvert år (omkring to til tre millioner). Og vi kan se på museets årlige budget (omkring 150 millioner dollars) og lønnen til dets direktør (2,1 millioner dollars i 2013). Alle disse mål viser, at MoMA virkelig er enormt, globalt indflydelsesrig og derfor vigtig.

Og det bringer os til det sidste tillægsord, der bruges i forbindelse med denne udstilling: “mytisk.” Den ultimative målestok for magt er evnen til at påvirke, hvad folk tror er sandt. MoMA er magtfuldt. Det har magten enten til fortsat at skabe og udbrede myter eller til at rette op på sandheden. Med denne udstilling har både Fondation Louis Vuitton og MoMA annonceret deres hensigt om at bevare status quo. Ja, de viste værker er fulde af storhed. Men hvor meget af den storhed har at gøre med ægte værdi, og hvor meget skyldes den vedvarende markedsføringsindsats, som i generationer har fremmet historier om kunst og historie, der i bedste fald er overdrivelser og i værste fald rene løgne? Hvad der virkelig ville være nyskabende, originalt og moderne, ville være at arrangere en udstilling af denne størrelse, som forsøgte at fortælle sandheden om modernismen. Vis os, hvem Picasso kopierede. Vis os, hvem Pollock plagierede. Vis os de oprindelige kunstnere, de kvindelige kunstnere, de ikke-hvide kunstnere og de utrænede kunstnere, hvis nakker blev trådt på af de superstjerner, vi alle kender og elsker. Det ville være en “nyskabende,” “omfattende” og virkelig “uden sidestykke” “manifestudstilling,” jeg kunne støtte.

Forsidebillede: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Syet stoppet stof, maling og stolfringe 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Museum of Modern Art, New York Gave fra William B. Jaffe og Evelyn A. J. Hall (ved bytte), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alle billeder venligst udlånt af MoMA og Fondation Louis Vuitton

Af Phillip Barcio