MoMA i Paris - Vært af Fondation Louis Vuitton

En højt rost udstilling af moderne kunst åbnede i Paris i denne uge, og den inspirerer til en del fejring. Men måske burde den også inspirere til en lige så stor mængde bekymring. At Være Moderne: MoMA i Paris præsenterer omkring 200 værker fra samlingen af Museum of Modern Art i New York. Udstillingen, der afholdes på Louis Vuitton Foundation-museet designet af Frank Gehry, markerer første gang, at et væsentligt udvalg af værker fra MoMA er blevet udstillet i Frankrig. Det er ganske let at opremse de mange grunde til, at denne udstilling hyldes som en vidunderlig ting for Frankrig, for MoMA og for moderne kunst generelt. Når alt kommer til alt, spænder listen over kunstnere og kunstværker, der er inkluderet i udstillingen, over hele museumshistorien, fra dets grundlæggelse i 1929 til i dag. Den inkluderer mange af de største navne inden for kunst fra de sidste 100 år. Så åbenlyst bør enhver mulighed for at se så mange indflydelsesrige og berømte værker gribes af alle, der overhovedet kan komme til stedet. Men bare for et øjeblik bør vi også tage et seriøst kig på, hvorfor udstillingen også skaber angst: nemlig den overvældende mængde hyperbolsk praleri, der spredes om vigtigheden af begivenheden. De officielle pressematerialer, som er blevet genoptrykt og citeret ad nauseam af pressen, kalder gentagne gange udstillingen en "manifesto-udstilling" og beskriver MoMA som en af de "mest vigtige museer" i verden. Udstillingen er mærket som "innovativ", "omfattende" og "uden sidestykke". Igen og igen dukker ordet "mytisk" op. Og det er det sidste adjektiv, "mytisk", der synes at være det mest farlige, fordi det er den ene følelse vedrørende denne udstilling, der ikke kan afvises som blot overdrivelse. Myter er magtfulde. Og når det kommer til en udstilling af denne størrelse, har de myter, den både skaber og opretholder, evnen til at forme den globale fortælling om kunst i generationer fremover.

Pak de adjektiver ud

Det mest åbenlyst absurde adjektiv, der bruges til at beskrive Being Modern: MoMA in Paris, er "omfattende." Specifikt angiver pressepakken, at "Being Modern: MoMA in Paris er denførste omfattende udstilling i Frankrig af samlingen fraMuseum of Modern Art." Men i sandhed, mens udstillingen faktisk er betydelig - den indeholder omkring 200 genstande - er den nuværende størrelse af den komplette MoMA-samling omkring 200.000 genstande. Så denne udstilling præsenterer cirka en tusindedel af, hvad MoMA ejer. Det er kun et lille glimt af de fulde arkiver. Hvorfor kalde det omfattende? Svaret kunne være, fordi udvælgelseskomitéen, som inkluderede repræsentanter fra både Fondation Louis Vuitton og MoMA, mener, at det mikroskopiske antal genstande, de valgte, fuldt ud repræsenterer karakteren og substansen af de resterende 199.800 genstande, der er efterladt. Men er det overhovedet sandt?

Når jeg ser på listen over kunstnere, der er inkluderet i MoMA i Paris, ser det på ingen måde ud til at være repræsentativt for hele MoMA-samlingen. Mere end 75.000 objekter fra den samling er arkiveret online, så jeg lavede en hurtig tekstsøgning i den database for at finde tre kunstnere, der ikke er inkluderet i denne udstilling, men som jeg anser for at være blandt de mest indflydelsesrige moderne kunstnere nogensinde: Louise Bourgeois, Anni Albers og Helen Frankenthaler. Det viser sig, at MoMA ejer hundreder af værker af disse tre kunstnere. Men underligt nok er de ikke inkluderet i denne udstilling. Jeg lavede en anden søgning og bemærkede, at MoMA i Paris indeholder værker af en håndfuld mandlige Dadaister. Så jeg tjekkede for at se, om MoMA-arkiverne har noget arbejde af nogen af de indflydelsesrige kvindelige Dadaister. Det viser sig, at de har mere end et dusin værker af Hannah Höch og Sophie Taeuber Arp, men kun deres bedre kendte mandlige modparter er inkluderet i denne udstilling. Så kan vi sige, at denne udstilling er omfattende? Næppe. Hvad vi kan sige er, at kuratorerne har håndplukket værker af store navne kunstnere. Men det kaldes en blockbuster, ikke en omfattende repræsentation af historien eller MoMA-samlingen.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Svagheden ved innovation

Det næste adjektiv fra MoMA i Paris pressekit, som vi skal udforske, er "innovativ." Dette er et meningsfuldt ord, og et ord der med rette hører hjemme i enhver samtale om moderne kunst. Innovation indebærer originalitet, kreativitet, eksperimentering, og nogle gange endda geni. Så er det det rigtige ord at bruge, når man beskriver denne udstilling? Som vi allerede ved, blev kunstnerne ikke valgt, fordi de var, eller er, de mest kreative, de mest originale, de mest eksperimenterende, eller de største genier. Med et lille antal undtagelser (såsom at inkludere den brasilianske konstruktivist Lygia Clark i den velkendte minimalistiske hvide drengeklub af Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly og Frank Stella), blev kunstnerne valgt i høj grad på grund af navnegenkendelse, eller fordi de passer ind i den eksisterende fortælling om moderne kunsthistorie. Men det er selvfølgelig ikke noget nyt. Det er den standard kuratoriske taktik for omfattende historiske retrospektiver. Og det er fint. Men det er ikke innovativt. På den anden side, måske når ordet innovativ bruges til at beskrive denne udstilling, refererer det ikke til selve showet, men til arbejdet.

Hvis det er tilfældet, bør vi forvente at se de mest innovative repræsentanter for modernismen inkluderet i udstillingen. For at analysere om det er tilfældet, se på listen over Abstract Expressionists, der er udstillet. Jackson Pollock er inkluderet, ligesom Willem de Kooning. Men hvor er de andre? Hvor er Louise Nevelson, der uden tvivl er den mest innovative skulptør fra den generation? Hendes værk er på MoMA. Hvorfor ikke inkludere det her? Hvor er Perle Fine? Eller Jay DeFeo? Eller for den sags skyld, hvis du vil inkludere Jackson Pollocks værk, hvorfor ikke inkludere David Alfaro Siqueiros, den berømte mexicanske muralist, der underviste i værkstedet i New York City (som Pollock deltog i), der først introducerede mange af de metoder, som Pollock brugte til sine ikoniske dryp- og sprøjtmalerier. Eller for den sags skyld, hvorfor ikke inkludere Janet Sobel, den kvindelige sprøjtmaler, der også deltog i værkstedet af Siqueiros, og hvis atelier Pollock besøgte før han "innovede" sin egen sprøjteteknik. Værker af både Siqueiros og Sobel er i MoMA-samlingen. Deres fravær her viser, at denne udstilling ikke handler om innovation. Det er bare en gentagelse af de standard halvsandheder, der har præsenteret sig selv som historie i generationer.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Problemet med myter

Generelt er det eneste adjektiv, der bruges til at beskrive MoMA i Paris, som ikke lugter af overdrivelse, "uovertruffen." Dette er virkelig første gang, så mange værker fra MoMA har været udstillet på samme tid i Frankrig. Så okay, efter definition er dette uovertruffen. (Selvom det ikke betyder, at det ikke også er generisk.) Og den eneste reklameagtige sætning i pressepakken, der nærmer sig at være sand, er, at MoMA er et af de "mest vigtige museer" i verden. Den kommentar er demonstrabelt faktuel. At MoMA er ubestrideligt vigtigt kan bevises på mange måder. Vi kan måle den indflydelse, institutionen udøver med sine indkøb på de andre store kunstsamlinger i verden. Når alt kommer til alt, hvor mange kunsthandlere demonstrerer for private samlere vigtigheden af de kunstnere, de repræsenterer, ved at henvise til, hvilke museumsamlinger kunstneren er i? (Svaret er alle sammen.) Og vi kan måle antallet af besøgende, som MoMA modtager hvert år (omkring to til tre millioner). Og vi kan se på det årlige budget for museet (omkring 150 millioner dollars) og lønnen til dets direktør (2,1 millioner dollars i 2013). Alle disse målinger indikerer, at MoMA faktisk er massivt, globalt indflydelsesrigt, og derfor vigtigt.

Og det bringer os til det sidste adjektiv, der bruges i forbindelse med denne udstilling: "mytisk." Den ultimative målestok for magt er evnen til at påvirke, hvad folk tror er sandt. MoMA er magtfuld. Det har magten til enten at fortsætte med at skabe og udbrede myter eller til at sætte rekord. Med denne udstilling har både Fondation Louis Vuitton og MoMA annonceret deres hensigt om at opretholde status quo. Ja, værkerne, der vises, er fyldt med storhed. Men hvor meget af den storhed har at gøre med autentisk værdi, og hvor meget har at gøre med den vedholdende markedsføringsindsats, der i generationer har promoveret historier om kunst og historie, der er overdrivelser i bedste fald og direkte løgne i værste fald? Hvad der virkelig ville være innovativt, originalt og moderne, ville være at iscenesætte en udstilling af denne størrelse, der forsøgte at fortælle sandheden om modernismen. Vis os, hvem Picasso kopierede. Vis os, hvem Pollock plagierede. Vis os de oprindelige kunstnere, de kvindelige kunstnere, de ikke-hvide kunstnere og de utrænede kunstnere, hvis nakker blev trådt på af de superstars, vi alle kender og elsker. Det ville være en "innovativ", "omfattende" og virkelig "uovertruffen" "manifesto-udstilling", jeg kunne støtte.

Fremhævet billede: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Syet fyldt stof, maling og stol frynse 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Museum of Modern Art, New York Gave fra William B. Jaffe og Evelyn A. J. Hall (ved bytte), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alle billeder er venligst stillet til rådighed af MoMA og Fondation Louis Vuitton

Af Phillip Barcio