"Collage neu interpretieren - Brenna Youngblood"

Wenn Sie, wie viele Kunstliebhaber, ständig die Last mit sich tragen, in Ihrem Leben Zehntausende von Kunstbildern betrachtet zu haben, könnten Sie beim schnellen Überfliegen der Werke von Brenna Youngblood feststellen, dass Ihnen die Namen anderer Künstler aus der Vergangenheit einfallen, die scheinbar eine ähnliche ästhetische Art geschaffen haben. Zum Beispiel denkt man sofort an Robert Rauschenberg, wenn man die Multimedia-Collage Untitled (Double Lincoln) betrachtet, die Youngblood 2008 geschaffen hat. Oder das Gemälde Democratic Dollar von Youngblood aus dem Jahr 2015 könnte an die abstrakte Verwendung grob gehauener Ikonographie erinnern, die durch Jasper Johns berühmt wurde. Oder die Dadaistin Hannah Höch könnte einem in den Sinn kommen, wenn man das Youngblood-Gemälde Foreva von 2005 betrachtet. Schließlich könnte der Name Arman, der Pionier der Kunst der Anhäufung, auftauchen, wenn man das Youngblood-Gemälde The Army von 2005 sieht. Unbestreitbar verdanken all diese Werke eine gewisse ästhetische Tiefe Künstlern der Vergangenheit. Doch jedes dieser Werke steht auch selbstbewusst für sich allein. Alle oben genannten Künstler kamen aus Gründen, die mit ihrer eigenen Zeit zu tun hatten, zu den Techniken der Collage, Assemblage und Anhäufung sowie der Verwendung gefundener Gegenstände. Youngblood nutzt manchmal ihre Techniken und schafft dadurch Bilder, die ihre Geister heraufbeschwören, doch ihre Arbeit gehört der Gegenwart an.

Collage als Langschrift

Als die Collage erstmals in der bildenden Kunst von den kubistischen Pionieren Pablo Picasso und Georges Braque verwendet wurde, schuf sie eine Form des Superrealismus, indem sie tatsächliche Materialien und Gegenstände aus der physischen Welt auf die Oberfläche von Kunstwerken brachte und so auf eine zuvor unbekannte Weise das Illusionäre und das Konkrete vermischte. Sie schuf auch eine Art ästhetische Kurzschrift, die später von Dada-Künstlern wie Hannah Höch und Francis Picabia erweitert wurde, die Collage nutzten, um einen sofortigen Ausdruck von Absurdität zu schaffen. Als Robert Rauschenberg später ebenfalls zur Collage griff, tat er dies, um die abstrakten Möglichkeiten ikonischer Bilder zu erforschen und sie so zu mischen, dass die Bedeutung der erkennbaren Wirklichkeit infrage gestellt wird. Jeder dieser Künstler nutzte Collage etwas anders, doch alle hatten die gemeinsame Vorstellung, dass Collage eine Möglichkeit ist, mit wenig viel zu sagen.

Brenna Youngblood verwendet Collage auf eine subtil andere Weise. Ihr Einsatz von Fotografien und gefundenen Gegenständen auf den Oberflächen ihrer Gemälde führt weniger zu Kurzschrift, sondern eher zu einer Art Langschrift. Sie nutzt Collage und Assemblage auf eine Weise, die die Tiefen ihrer Bilder erweitert und deren erzählerisches Potenzial steigert. Ihre Collagen fehlen die beißende Ironie des Dadaismus. Sie vermeiden die konzeptuelle, akademische Neugier von Künstlern wie Rauschenberg. Vielleicht haben sie etwas gemeinsam mit den Werken von Picasso und Braque, insofern als sie danach streben, eine gesteigerte Wirklichkeit zu offenbaren. Doch die Wirklichkeit, die Youngblood in ihren Collagen ausdrückt, ist eine unmittelbarere, rohe, persönliche und intuitive Wirklichkeit als die frühe modernistische Wirklichkeit, die von Picasso und Braque erforscht wurde. Es ist eine Wirklichkeit ohne klare Richtung oder Moral und ohne eindeutiges Potenzial. Sie entfaltet sich noch. Anstatt sie zu kritisieren, zu definieren oder zu erklären, fügt Youngblood durch ihre Collage- und Assemblage-Langschrift dieser Wirklichkeit üppig Schichten von Reichtum, Geheimnis und Weite hinzu.

Brenna Youngblood - Chuck Taylor, 2015, Farbfotografie und Acryl auf Leinwand, 183 × 152 cm, (links) und X, 2015, Papier und Acryl auf Leinwand, 183 × 152 cm, (rechts), Fotoangaben der Künstlerin und Honor Fraser Galerie, Los Angeles, Kalifornien

Oberfläche als Bild

In den letzten Jahren verlässt sich Brenna Youngblood weniger auf Collage und Assemblage und wendet sich mehr der Malerei zu, um geschichtete Farbflächen und Strukturen zu schaffen. Ihre jüngsten Gemälde sind tief atmosphärisch, manchmal sogar düster. Sie sind dynamische, selbstbewusste visuelle Objekte. Einige von ihnen lassen sich fast als monochrome Farbflächen lesen, vielleicht in bestimmten Aspekten ähnlich den Werken der Color-Field-Künstler der 1960er und 70er Jahre. Während die Werke solcher Künstler zur Betrachtung einladen und oft den Ausgangspunkt einer transzendenten geistigen Erfahrung bilden, sind die abgeschabte, rustikale, abgenutzte und verwitterte Oberfläche von Youngbloods Werken eher als ästhetische Zwecke an sich zu verstehen.

Youngblood malt und kratzt, malt und kratzt, fügt Schicht um Schicht von Farbtönen hinzu; mischt abgenutzte und pastose Strukturen auf eine Weise, die mühelos mit der zeitgenössischen, hergestellten Welt in Dialog tritt. Es sind Oberflächenbilder. Sie sind Zwecke an sich. Ob sie Aussagen treffen oder Fragen aufwerfen, ist nicht erkennbar und vielleicht auch unwichtig. Wie visuelle Lebensschnitte enthalten sie all die Komplexität und Verwirrung der Kultur, die sie widerspiegeln. Das Betrachten dieser Oberflächenbilder fühlt sich voyeuristisch, fast fetischistisch an. Youngblood malt unsere Zeit ohne Urteil, auf eine Weise, die zugleich albtraumhaft und schön ist.

Brenna Youngblood - Division, 2017, Tapete, Acrylfarbe und Sprühfarbe auf gefundenem Holz, 181 × 152 × 4 cm (links) und Untitled (rotes Zimmer), 2017, Fotografien und Acrylfarbe auf Leinwand, 102 × 76 × 4 cm, Fotoangaben der Künstlerin und Galerie Nathalie Obadia, Paris und Brüssel

Vision und Offenbarung

Je länger ich die Werke von Brenna Youngblood betrachte, desto weniger assoziiere ich sie mit den Zehntausenden von Bildern anderer Kunstwerke, die ich in meinem Leben gesehen habe; und je tiefer ich sie betrachte, desto weniger erinnern sie mich an jene, die in der Vergangenheit ähnliche Techniken verwendet haben. Je genauer ich hinschaue, desto mehr Belohnungen bietet mir das, was ich sehe. Ich würde Youngblood nicht als Visionärin bezeichnen, denn ich empfinde beim Betrachten ihrer Werke zu viel, als dass sie rastlos nach etwas suchen würde. Ihre Vision ist nicht klar, obwohl ihre einzelnen Werke Klarheit besitzen. Doch ich würde auch nicht den anderen Kunstkritikern folgen, die sie vorschnell mit ihren Vorgängern vergleichen, indem sie sich nur auf Formalitäten wie Materialien und Technik konzentrieren.

Was mich am meisten am Gesamtwerk von Brenna Youngblood beeindruckt, einer Künstlerin, die hoffentlich noch am Anfang ihrer Laufbahn steht, ist nicht, was es offenbart, sondern dass es so deutlich das Potenzial hat, eines Tages offenbarend zu sein. Youngblood besitzt eine Ernsthaftigkeit, die zur Wahrheit einlädt. Ihre Gemälde, Skulpturen und Installationen stellen jeweils einen individuellen Versuch dar, nach etwas Echtem zu greifen. Oft hat sie das geschafft, was so oft unmöglich scheint: Authentizität; und ebenso oft hat sie etwas Echtes nur lange genug festgehalten, um uns allen einen Blick darauf zu gewähren.

Brenna Youngblood - Untitled (Subtraktionszeichen), 2011, Holz, 8 × 53 × 8 cm, Fotoangaben der Künstlerin und The Landing, Los Angeles

Titelbild: Brenna Youngblood - The Army, 2005, Fotoangaben der Künstlerin und Hammer Museum, Los Angeles, Kalifornien

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio