"Collage neu interpretieren - Brenna Youngblood"

Wenn Sie, wie viele Kunstliebhaber, ständig das Gepäck mit sich herumtragen, in Ihrem Leben Zehntausende von Kunstbildern betrachtet zu haben, könnten Sie, wenn Sie schnell über das Werk von Brenna Youngblood blicken, sich an die Namen anderer Künstler aus der Vergangenheit erinnern, die Arbeiten mit einer scheinbar ähnlichen ästhetischen Natur geschaffen haben. Zum Beispiel kommt Robert Rauschenberg sofort in den Sinn, wenn man das Multimedia-Collage Untitled (Double Lincoln), die Youngblood 2008 geschaffen hat, betrachtet. Oder das Youngblood-Gemälde Democratic Dollar von 2015 könnte die abstrakte Verwendung von grob gehauener Ikonographie hervorrufen, die von Jasper Johns berühmt gemacht wurde. Oder die Dadaistin Hannah Höch könnte in Ihr Bewusstsein springen, wenn Sie das Youngblood-Gemälde Foreva, aus dem Jahr 2005 betrachten. Oder schließlich könnte der Name Arman, der Pionier der Kunst der Akkumulation, auftauchen, wenn Sie das Youngblood-Gemälde The Army von 2005 betrachten. Unbestreitbar schulden all diese Werke eine gewisse ästhetische Schuld an Künstlern der Vergangenheit. Aber auch jedes dieser Werke steht selbstbewusst für sich. All diese anderen oben genannten Künstler kamen aus Gründen, die mit ihrer eigenen Zeit zu tun hatten, zu den Techniken der Collage, Assemblage und Akkumulation sowie zur Verwendung von gefundenen Objekten. Youngblood mag manchmal ihre Techniken nutzen und dadurch Bilder schaffen, die ihre Geister heraufbeschwören, aber ihr Werk gehört der Gegenwart.

Collage als Langschrift

Als Collage erstmals von den kubistischen Pionieren Pablo Picasso und Georges Braque in der bildenden Kunst verwendet wurde, entstand eine Form des Superrealismus, indem tatsächliche Materialien und Objekte aus der physischen Welt an die Oberfläche von Kunstwerken eingeführt wurden, wodurch auf eine zuvor ungehörte Weise das Illusionäre und das Konkrete vermischt wurden. Es schuf auch eine Art ästhetische Kurzschrift, die später von Dada-Künstlern wie Hannah Höch und Francis Picabia erweitert wurde, die Collage nutzten, um einen unmittelbaren Ausdruck von Absurdität zu schaffen. Als Robert Rauschenberg dann noch später zur Collage griff, tat er dies, um die abstrakten Möglichkeiten ikonischer Bilder zu erkunden und sie auf Weisen zu mischen, die die Bedeutung der erkennbaren Realität in Frage stellen. Jeder dieser Künstler verwendete Collage etwas anders, aber jeder hatte auch die gemeinsame Idee, dass Collage eine Möglichkeit war, viel mit wenig zu sagen.

Brenna Youngblood verwendet Collage auf eine subtil andere Weise. Ihr Einsatz von Fotografien und gefundenen Objekten auf den Oberflächen ihrer Gemälde führt nicht so sehr zu einer Kurzfassung, sondern eher zu einer Art Langfassung. Sie verwendet Collage und Assemblage auf Weisen, die die Tiefen ihrer Bilder erweitern und deren potenzielle narrative Tiefe erhöhen. Ihre Collagen fehlen der beißenden Ironie des Dada. Sie vermeiden die konzeptionelle, akademische Neugier von Künstlern wie Rauschenberg. Sie haben vielleicht etwas gemeinsam mit den Werken von Picasso und Braque, da sie anscheinend danach streben, eine erhöhte Realität zu offenbaren. Aber die Realität, die Youngblood in ihren Collagen ausdrückt, ist eine visceralere, rohere, persönlichere, intuitivere Realität als die frühe modernistische Realität, die von Picasso und Braque untersucht wurde. Es ist eine Realität ohne klares Gefühl für Richtung oder Moral und ohne klares Gefühl für Potenzial. Sie entfaltet sich noch. Anstatt sie zu kritisieren, zu definieren oder zu erklären, fügt Youngblood durch ihre Collage und Assemblage Langfassung üppig mit Schichten von Reichtum, Geheimnis und Umfang hinzu.

Brenna Youngblood - Chuck Taylor, 2015, Farbfotografie und Acryl auf Leinwand, 72 × 60 Zoll, (Links) und X, 2015, Papier und Acryl auf Leinwand, 72 × 60 Zoll, (Rechts), Foto Credits des Künstlers und Honor Fraser Gallery, Los Angeles, Kalifornien

Oberfläche als Bild

In den letzten Jahren verlässt sich Brenna Youngblood weniger auf Collage und Assemblage und wendet sich mehr der Malerei zu, um geschichtete Farbflächen und Texturen zu schaffen. Ihre neuesten Gemälde sind zutiefst atmosphärisch, manchmal sogar stimmungsvoll. Sie sind dynamische, selbstbewusste visuelle Objekte. Einige von ihnen können fast als monochromatische Farbflächen gelesen werden, vielleicht in bestimmten Aspekten ähnlich den Arbeiten der Color Field-Künstler der 1960er und 70er Jahre. Während die Werke solcher Künstler zur Kontemplation einladen und oft als Ausgangspunkt für eine transzendente mentale Erfahrung dienen, sind die geschabten, rustikalen, abgenutzten und verwitterten Oberflächen von Youngblood leichter als ästhetische Enden für sich selbst zu lesen.

Youngblood malt und kratzt und malt und kratzt, fügt Schicht um Schicht von Farbnuancen hinzu; mischt abgenutzte und Impasto-Texturen auf eine Weise, die mühelos mit der zeitgenössischen, industriell gefertigten Welt kommuniziert. Sie sind Oberflächenbilder. Sie sind Ziele an sich. Ob sie Aussagen machen oder Fragen aufwerfen, ist ununterscheidbar und vielleicht irrelevant. Wie visuelle Lebensschnitte enthalten sie die gesamte Komplexität und Verwirrung der Kultur, die sie widerspiegeln. Der Blick auf diese Oberflächenbilder fühlt sich voyeuristisch, fast fetischistisch an. Youngblood malt unsere Zeit ohne Urteil, auf eine Weise, die gleichzeitig albtraumhaft und schön ist.

Brenna Youngblood - Division, 2017, Tapete, Acrylfarbe und Sprühfarbe auf gefundenem Holz, 71 3/10 × 60 × 1 3/5 Zoll (Links) und Untitled (roter Raum), 2017, Fotografien und Acrylfarbe auf Leinwand, 40 1/5 × 29 9/10 × 1 3/5 Zoll, Foto Credits des Künstlers und Galerie Nathalie Obadia, Paris und Brüssel

Vision und Offenbarung

Je länger ich die Werke von Brenna Youngblood betrachte, desto weniger assoziiere ich sie mit den Zehntausenden von Bildern anderer Kunstwerke, die ich in meinem Leben gesehen habe; und je tiefer ich über sie nachdenke, desto weniger erinnern sie mich an diejenigen, die in der Vergangenheit ähnliche Techniken verwendet haben. Je näher ich hinschaue, desto mehr Belohnungen erhalte ich von dem, was ich sehe. Ich würde Youngblood nicht als Visionärin bezeichnen, weil ich zu viel empfinde, wenn ich ihre Arbeiten sehe, als würde sie rastlos nach etwas suchen. Sie ist in ihrer Vision nicht klar, obwohl ihre einzelnen Werke Klarheit haben. Aber ich würde auch nicht den anderen Kunstschreibern folgen, die sich beeilt haben, sie mit ihren Vorgängern zu vergleichen, indem sie sich nur auf Formalitäten wie Materialien und Technik konzentrieren.

Was mich an dem gesamten Werk, das bisher von Brenna Youngblood, einer Künstlerin, die hoffentlich noch ganz am Anfang ihrer Karriere steht, geschaffen wurde, am meisten beeindruckt, ist nicht das, was es offenbart, sondern vielmehr, dass es so klar das Potenzial hat, eines Tages offenbart zu werden. Youngblood besitzt eine Aufrichtigkeit, die zur Wahrheit einlädt. Ihre Gemälde, Skulpturen und Installationen stellen jeweils einen individuellen Versuch dar, den sie unternommen hat, um nach etwas Echtem zu greifen. Oft hat sie das geschafft, was so oft unmöglich scheint: Authentizität; und ebenso oft hat sie etwas Echtes lange genug ergriffen, um uns anderen einen Blick darauf zu gewähren.

Brenna Youngblood - Untitled (Subtraktionszeichen), 2011, Baum, 3 × 21 × 3 Zoll, Foto Credits des Künstlers und The Landing, Los Angeles

Titelbild: Brenna Youngblood - The Army, 2005, Foto Credits des Künstlers und Hammer Museum, Los Angeles, Kalifornien

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio