El Centre Pompidou ofrece una nueva mirada al cubismo en una completa exposición.

El 17 de octubre, se inaugura en el Centro Pompidou la primera gran exposición cubista en París en 65 años. Cubismo (1907-1917) reúne más de 300 obras en un intento de ampliar nuestra comprensión de uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX. La mayoría de las exposiciones cubistas se centran en los fundadores del movimiento: Pablo Picasso y Georges Braque. Esta exposición también destaca su trabajo, pero va mucho más allá de ese alcance limitado. Comienza examinando obras raramente exhibidas de Paul Cézanne y Paul Gauguin junto con ejemplos de arte africano tradicional que influyó en Picasso. Luego explora la galaxia de artistas que rodean a Picasso y Braque, quienes tomaron sus descubrimientos y los expandieron en múltiples otras posiciones distintas. No solo se incluyen pinturas, sino que también se exhiben algunos de los ejemplos más famosos de escultura cubista, como el ensamblaje de guitarra de cartón que Picasso creó en 1914. Finalmente, vemos el legado del cubismo a través de las obras de artistas como Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi y Piet Mondrian. Según sus comisarios, el objetivo de esta ambiciosa exposición es simplemente ofrecer al público una visión más amplia de la historia de este importante movimiento. Pero lo que realmente han logrado va un poco más allá. Han ensamblado una exposición esperanzadora, una que nos anima a abrazar las ideas de nuestros contemporáneos y a construir sin vergüenza sobre el genio del pasado.

Un Cambio de Perspectiva

Existen muchas explicaciones diferentes del Cubismo. Algunos lo describen como una forma geométrica de pintar el mundo. Otros lo llaman una manera de introducir la cuarta dimensión en el arte al mostrar movimiento. Otros dicen que fue una reducción abstracta de las formas y figuras que se encuentran en la vida cotidiana. La mejor explicación que he escuchado es que el Cubismo fue un intento de reexaminar la perspectiva. Desde el Renacimiento, el arte occidental fue guiado por reglas específicas en lo que respecta al arte visual—reglas sobre el realismo, el contenido aceptable y la perspectiva. Se esperaba que las pinturas imitaran la vida al abrazar la profundidad, la perspectiva y otras herramientas ilusionistas. Sin embargo, a lo largo de los años 1800, esas reglas fueron desafiadas. Los Impresionistas desafiaron las reglas sobre el tema, creando obras que eran únicamente sobre la luz. Los Divisionistas utilizaron marcas de pincel experimentales para plantear preguntas sobre si el color existe en la vida real o solo se interpreta en el cerebro. Los Postimpresionistas abrazaron el misticismo, el simbolismo y la espiritualidad, y demostraron que elementos formales como el color y el espacio podían ser en sí mismos dignos de ser perseguidos como contenido.

Paul Gauguin - Séan misteriosas, 1890. Bajorelieve en madera de tilo policromado, 73 x 95 x 5 cm. Museo de Orsay, París. © RMN-Grand Palais (Museo de Orsay) / Tony Querrec

El cubismo añadió a esta mezcla la idea de que la realidad es percibida de manera muy diferente por el ojo humano que como suele ser representada en el arte. Cuando vemos algo, no lo vemos aplanado y perfectamente quieto. El mundo siempre está en movimiento, y nosotros siempre nos movemos a través de él. Vemos fragmentos y piezas desde diferentes ángulos. La luz está cambiando constantemente. El mundo está descompuesto en fragmentos y piezas—algunos de los cuales son invisibles, pero sabemos que están ahí. El cubismo intenta mostrar los fragmentos de la realidad reensamblados en una sola composición. Analiza el mundo desde múltiples perspectivas simultáneas, deconstruyendo la vida para mostrar su complejidad. Cubismo (1907-1917) demuestra cómo, en este aspecto al menos, Cézanne estaba muy por delante de Picasso y Braque. Una de las primeras obras en la exposición es la pintura de Cézanne "La Table de cuisine" (1890). Desde la mesa en primer plano hasta las cestas, sillas y platos, cada elemento en la imagen se muestra desde un punto de vista sutilmente diferente. La simultaneidad de perspectivas se logra en esta obra, declarándola como distintivamente proto-cubista 18 años antes de que Picasso y Braque llegaran a la misma idea.

Paul Cézanne - La Mesa de cocina. (Naturaleza muerta con cesta), hacia 1888-1890. Óleo sobre lienzo, 65 x 81,5 cm. Museo de Orsay, París. © RMN-Grand Palais (Museo de Orsay) / Hervé Lewandowski

El Arte de Pedir Prestado

Uno de los aspectos más refrescantes del Cubismo (1907-1917) es que no se esconde del hecho de que estos artistas se prestaron libremente entre sí. A veces, ponemos tanto énfasis en la originalidad, exigiendo que los artistas innoven de manera salvaje. Esta exposición demuestra que a veces la innovación simplemente significa dar un pequeño paso adelante construyendo sobre los logros de otros. Vemos "Masque krou", de Côte d’Ivoire, una de las máscaras africanas que inspiraron directamente a Picasso. La cara está dividida en cuadrantes; los ojos están desbalanceados; los rasgos están divididos en áreas geométricas de sombra y luz. Dos pinturas cercanas de Picasso—"Portrait de Gertrude Stein" (1905-1906) y su autorretrato de 1907—muestran cuán precisamente Picasso imitó el lenguaje visual de la máscara africana. Sin embargo, luego vemos cómo diseccionó estos aspectos formales y dio el siguiente paso, utilizando las ideas para deconstruir objetos en el espacio en pinturas como "Pains et compotier aux fruits sur une table" (1908-1909), y para revelar los aspectos no vistos del carácter en obras como "Portrait d’Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Retrato de Gertrude Stein, 1905-1906. Óleo sobre lienzo, 100 x 81,3 cm. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. © El Museo Metropolitano de Arte, Dist RMN-Grand Palais / imagen del MMA. © Sucesión Picasso 2018

A medida que avanza la exposición, vemos cómo Sonia Delaunay tomó prestado el lenguaje geométrico de Picasso—no para explorar el mundo físico, sino para utilizar las formas para explorar el potencial metafísico de las relaciones de color. Vemos cómo Piet Mondrian también tomó prestados los aspectos geométricos del Cubismo, pero a diferencia de Picasso, que complicó la realidad, Mondrian utilizó la geometría para simplificar el mundo en sus elementos más básicos. Vemos cómo artistas como Juan Gris tomaron del Cubismo para crear un estilo artístico más gráfico, que inspiraría a los artistas de carteles. Y vemos cómo los collages del Cubismo Sintético inspiraron a Dadaístas como Francis Picabia. También vemos las llamadas obras "Tubistas" de Fernand Léger, que ilustran una alteración matizada del estilo cubista que se convirtió en un precursor del Arte Pop. Hermosamente, no hay vergüenza en esta progresión de influencias. Todo lo contrario. La cuidadosa curaduría nos recuerda la pura alegría de construir sobre las ideas de otros. Nadie diría que alguno de estos artistas carecía de imaginación. Por el contrario, Cubismo (1907-1917) demuestra que a veces la imaginación es aún más fructífera cuando pide ayuda.

Imagen destacada: Pablo Picasso - Guitare, París, enero-febrero 1914. Placa de metal y hierro, 77,5 x 35 x 19,3 cm. El Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018. Imagen digital, El Museo de Arte Moderno, Nueva York/Scala, Florencia. © Sucesión Picasso 2018
Por Phillip Barcio