El Centre Pompidou ofrece una nueva mirada al cubismo en una completa exposición.

El 17 de octubre se inaugura en el Centre Pompidou la primera gran exposición cubista en París en 65 años. Cubismo (1907-1917) reúne más de 300 obras en un intento por ampliar nuestra comprensión de uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX. La mayoría de las exposiciones cubistas se centran en los fundadores del movimiento: Pablo Picasso y Georges Braque. Esta exposición también destaca su obra, pero va mucho más allá de ese alcance limitado. Comienza examinando obras raramente exhibidas de Paul Cézanne y Paul Gauguin junto con ejemplos de arte africano tradicional que influyeron en Picasso. Luego explora la galaxia de artistas que rodearon a Picasso y Braque, quienes tomaron sus descubrimientos y los expandieron en múltiples otras posiciones distintas. No solo se incluyen pinturas, sino que también se exhiben algunos de los ejemplos más famosos de escultura cubista, como el ensamblaje de guitarra de cartón que Picasso creó en 1914. Finalmente, vemos el legado del cubismo a través de las obras de artistas como Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi y Piet Mondrian. Según sus curadores, el objetivo de esta ambiciosa exposición es simplemente ofrecer al público una visión más amplia de la historia de este importante movimiento. Pero lo que realmente han logrado va un poco más allá. Han reunido una exposición esperanzadora, que nos anima a abrazar las ideas de nuestros contemporáneos y a construir sin reservas sobre el genio del pasado.

Un cambio de perspectiva

Existen muchas explicaciones diferentes del cubismo. Algunos lo describen como una forma geométrica de pintar el mundo. Otros lo llaman una manera de introducir la cuarta dimensión en el arte mostrando el movimiento. Otros dicen que fue una reducción abstracta de las formas y figuras que se encuentran en la vida cotidiana. La mejor explicación que he escuchado es que el cubismo fue un intento de reexaminar la perspectiva. Desde el Renacimiento, el arte occidental estuvo guiado por reglas específicas en cuanto al arte visual: reglas sobre el realismo, el contenido aceptable y la perspectiva. Se esperaba que las pinturas imitaran la vida abrazando la profundidad, la perspectiva y otras herramientas ilusorias. Sin embargo, a lo largo del siglo XIX, esas reglas fueron desafiadas. Los impresionistas cuestionaron las reglas sobre el tema, haciendo obras que trataban únicamente sobre la luz. Los divisionistas usaron pinceladas experimentales para plantear preguntas sobre si el color existe en la vida real o solo es interpretado en el cerebro. Los postimpresionistas abrazaron el misticismo, el simbolismo y la espiritualidad, y demostraron que elementos formales como el color y el espacio podían ser en sí mismos un contenido digno de exploración.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Bajorrelieve en madera de tilo policromada, 73 x 95 x 5 cm. Museo de Orsay, París. © RMN-Grand Palais (Museo de Orsay) / Tony Querrec

El cubismo añadió a esta mezcla la idea de que la realidad se percibe de manera muy diferente por el ojo humano a como usualmente se representa en el arte. Cuando vemos algo, no lo vemos aplanado y perfectamente quieto. El mundo siempre está en movimiento, y nosotros siempre nos movemos a través de él. Vemos fragmentos desde diferentes ángulos. La luz cambia constantemente. El mundo está fragmentado en pedazos, algunos invisibles, pero sabemos que están ahí. El cubismo intenta mostrar los fragmentos de la realidad reensamblados en una sola composición. Analiza el mundo desde múltiples perspectivas simultáneas, deconstruyendo la vida para mostrar su complejidad. Cubismo (1907-1917) demuestra cómo, al menos en este aspecto, Cézanne estaba muy adelantado a Picasso y Braque. Una de las piezas más tempranas de la muestra es la pintura de Cézanne “La mesa de cocina” (1890). Desde la mesa en primer plano hasta las cestas, sillas y platos, cada objeto en la imagen se muestra desde un punto de vista sutilmente diferente. La simultaneidad de perspectivas se logra en esta obra, declarándola como proto-cubista claramente 18 años antes de que Picasso y Braque llegaran a la misma idea.

Paul Cézanne - La mesa de cocina. (Bodegón con cesta), hacia 1888-1890. Óleo sobre lienzo, 65 x 81,5 cm. Museo de Orsay, París. © RMN-Grand Palais (Museo de Orsay) / Hervé Lewandowski

El arte de tomar prestado

Uno de los aspectos más refrescantes de Cubismo (1907-1917) es que no rehúye el hecho de que estos artistas tomaron libremente prestado unos de otros. A veces valoramos tanto la originalidad, exigiendo que los artistas innoven de manera radical. Esta exposición demuestra que a veces innovar simplemente significa dar un pequeño paso adelante construyendo sobre los logros de otros. Vemos el “Masque krou”, de Costa de Marfil, una de las máscaras africanas que inspiraron directamente a Picasso. El rostro está dividido en cuadrantes; los ojos están desequilibrados; los rasgos se dividen en áreas geométricas de sombra y luz. Dos pinturas cercanas de Picasso —“Retrato de Gertrude Stein” (1905-1906) y su autorretrato de 1907— muestran cómo Picasso imitó con precisión el lenguaje visual de la máscara africana. Pero luego vemos cómo diseccionó estos aspectos formales y dio el siguiente paso, usando las ideas para deconstruir objetos en el espacio en pinturas como “Panes y frutero sobre una mesa” (1908-1909), y para revelar los aspectos invisibles del carácter en obras como “Retrato de Ambroise Vollard” (1910).

Pablo Picasso - Retrato de Gertrude Stein, 1905-1906. Óleo sobre lienzo, 100 x 81,3 cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. © Museo Metropolitano de Arte, Dist RMN-Grand Palais / imagen del MMA. © Sucesión Picasso 2018

A medida que avanza la exposición, vemos cómo Sonia Delaunay tomó prestado el lenguaje geométrico de Picasso, no para explorar el mundo físico, sino para usar las formas y explorar el potencial metafísico de las relaciones de color. Vemos cómo Piet Mondrian también tomó prestados los aspectos geométricos del cubismo, pero a diferencia de Picasso, que complicaba la realidad, Mondrian usó la geometría para simplificar el mundo a sus elementos más básicos. Vemos cómo artistas como Juan Gris tomaron prestado del cubismo para crear un estilo artístico más gráfico, que luego inspiraría a los artistas de carteles. Y vemos cómo los collages del cubismo sintético inspiraron a los dadaístas como Francis Picabia. También vemos las llamadas obras “tubistas” de Fernand Léger, que ilustran una alteración matizada del estilo cubista que se convirtió en precursor del arte pop. Hermosamente, no hay vergüenza en esta progresión de influencias. Todo lo contrario. La cuidadosa curaduría nos recuerda la pura alegría de construir sobre las ideas de otros. Nadie diría que a alguno de estos artistas les faltó imaginación. Por el contrario, Cubismo (1907-1917) demuestra que a veces la imaginación es aún más fructífera cuando pide ayuda.

Imagen destacada: Pablo Picasso - Guitarra, París, enero-febrero 1914. Placa de metal y hierro, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018. Imagen digital, Museo de Arte Moderno, Nueva York/Scala, Florencia. © Sucesión Picasso 2018
Por Phillip Barcio