Cómo la Abstracción Sirvió al Arte de Vanguardia

La mayoría de los políticos hoy en día ignoran el arte de vanguardia. Lo ven como un bastión inofensivo para intelectuales que comercian con filosofías estéticas esotéricas. Pero no siempre fue así. En un pasado no tan lejano, los intermediarios de poder temían el arte de vanguardia como una fuerza que podría ejercer influencia cultural, o incluso alterar el carácter nacional. Y los movimientos de arte de vanguardia vinculados con la abstracción a menudo se percibían como particularmente amenazantes, debido a la ambigüedad de su propósito y la imprevisibilidad de su influencia. Hoy miramos hacia atrás a algunas de las formas en que la abstracción influyó en los movimientos de arte de vanguardia del pasado, y el impacto de esos movimientos en nuestra cultura.

Salón de los Rechazados

1863, París

La vanguardia significa guardia avanzada. Es un término militar francés para los soldados que abren camino en territorio nuevo contra enemigos inciertos. Su uso para describir el arte se remonta al menos a 1863. Ese es el año en que un movimiento artístico vanguardista llamado Impresionismo trastocó la estructura de poder cultural de Francia. Desde 1667, una institución llamada la Académie des Beaux-Arts había definido el arte francés respetable. Celebraban una exposición anual llamada el Salon de París, que otorgaba a artistas selectos la estatura asociada con la aprobación de la élite social.

Los impresionistas eran experimentadores. Inventaron nuevas formas de pintar; pintaron al aire libre, pintaron escenas cotidianas y se centraron más en transmitir la luz que en el tema. Buscaban una nueva forma de pintar, pero también una nueva forma de ver el mundo. Su trabajo fue rechazado por el Salon de París. Pero Napoleón decidió que el público debería determinar si había valor en el estilo impresionista, así que organizó el Salon des Refusés en 1963, exhibiendo obras rechazadas por el Salon formal. La exposición fue aún más popular que el Salon formal, lo que resultó en el auge del impresionismo y la disminución del poder de la Académie des Beaux-Arts.

Salón de los Independientes

1884, París

A pesar del éxito del Salon de Refusés, la idea de que las exposiciones de arte debían ser juradas persistía; que ciertas personas de élite debían tener el poder de establecer el gusto. Pero en 1884, un grupo llamado la Société des Artistes Indépendants, que incluía a Georges Seurat y Paul Signac, los fundadores del Puntillismo, ayudó a destruir esa noción al crear el primer Salon des Indépendants, una exposición abierta a cualquier artista. Su lema era sin jurado ni recompensa.

Durante sus 30 años de existencia, el Salon des Indépendants ayudó a establecer el Neoimpresionismo, el Divisionismo, los Simbolistas, el Fauvismo, el Expresionismo, Cubismo y Orfismo. Dio refugio a la abstracción y conectó a artistas vanguardistas afines. Solidificó las reputaciones de Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh y Matisse. Y lo más importante, estableció que el arte modernista no estaba bajo el control de ninguna institución, y que la sociedad podía ser accesible, y por lo tanto influenciada, por la vanguardia.

Pablo Picasso - Las señoritas de Avignon, 1907. Óleo sobre lienzo. 8' x 7' 8" (243.9 x 233.7 cm). Colección del MoMA. Adquirido a través de la herencia de Lillie P. Bliss (por intercambio). © 2019 Patrimonio de Pablo Picasso / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Futurismo italiano

1909, Italia

Aproximadamente a principios del siglo XX, ocurrió una evolución general en la mentalidad de las personas industrializadas. La cultura pasó de confiar en las viejas y antiguas formas de organizar la sociedad hacia la creencia de que las viejas y antiguas formas eran inútiles. El movimiento artístico de vanguardia que expresó más claramente esta evolución y la solidificó en la mente de las masas fue el Futurismo italiano.

El Manifiesto Futurista, publicado en 1909, expresó la intención de una nueva generación de artistas de destruir las instituciones y las ideas del pasado para dar paso a lo nuevo. Exaltaba la maravilla de las máquinas y la velocidad, y abogaba por la guerra para purificar a la sociedad. El estilo de arte futurista abstracto se basaba en mostrar el movimiento para glorificar la tecnología. Sus ideas fomentaron la retórica y las políticas que llevaron a la Primera Guerra Mundial. Varios entre sus filas murieron en la guerra.

Wyndham Lewis - Pintura vorticista. © La herencia de G A Wyndham Lewis

Suprematismo y Constructivismo

1913, Rusia

En la aftermath de la Primera Guerra Mundial, surgieron dos movimientos de vanguardia rusos opuestos en respuesta a los vastos desafíos sociales que enfrentaba ese país. Kazimir Malevich creó un estilo de arte abstracto llamado Suprematismo, que buscaba expresar universalidades de la manera más simple y pura. Malevich escribió en su manifiesto, El Mundo No Objetivo, “El arte ya no se preocupa por servir al estado y a la religión, ya no desea ilustrar la historia de las costumbres, quiere no tener nada más que ver con el objeto, como tal, y cree que puede existir, en y para sí mismo…”

Simultáneamente, Vladimir Tatlin desarrolló el Constructivismo, una filosofía artística que sostiene que el arte debe servir al mundo material de manera objetiva. Aunque el Constructivismo y el Suprematismo estaban directamente opuestos, ambos fueron altamente influyentes. El Suprematismo estableció un punto de vista cultural que el arte abstracto, y la humanidad en general, tiene un lado metafísico fundamental. El Constructivismo estableció un punto de vista cultural que el arte, y la vida, es material, y debe ser abordado desde una perspectiva utilitaria. Ambos puntos de vista, evidentemente, todavía prosperan hoy en día.

Kazimir Malevich - Composición suprematista: Blanco sobre blanco, 1918. Óleo sobre lienzo. 31 1/4 x 31 1/4" (79.4 x 79.4 cm). Colección del MoMA. Adquisición en 1935 confirmada en 1999 por acuerdo con la herencia de Kazimir Malevich y hecha posible con fondos del legado de la Sra. John Hay Whitney (por intercambio)

Pecho

1915, Nueva York

1916, Zúrich

Mientras los artistas rusos debatían si el arte debería ser objetivo o no objetivo, varios artistas en Nueva York y Zúrich estaban fomentando una tercera perspectiva. Consideraban el arte, y la vida, absurdos. Respondiendo a los horrores de la Primera Guerra Mundial, los dadaístas adoptaron el punto de vista nihilista de que nada es sagrado. Se burlaron de todas las instituciones, estilos, filosofías y tendencias mientras, al mismo tiempo, apropiaban sus tendencias en su arte.

Los dadaístas crearon una declaración estética intencionadamente caótica e incomprensible. En cierto sentido, fue una respuesta a la locura. En otro sentido, el dadaísmo creó una cultura aún más nihilista al validar y nutrir la locura. Los artistas asociados con el Dada eran tajantes en que no estaban haciendo sátira. No estaban diciendo nada. Estaban destruyendo la idea de que el arte tenía significado.

Jean Arp - Composición Abstracta, 1915. Collage.

Arte degenerado

1937, Alemania

En la Alemania de la posguerra, los artistas de vanguardia trabajaron brevemente en concierto con la cultura más amplia. En 1919, la República de Weimar instituyó reformas de gran alcance, fomentando una Alemania abierta, liberal y moderna. La Bauhaus surgió en consonancia con los ideales de Weimar. Durante 14 años, los artistas asociados con esta institución de vanguardia cultivaron la perspectiva cultural de que el arte y la sociedad deberían estar vinculados, combinando arte, arquitectura y diseño.

Pero en 1933, tras un colapso económico, la República de Weimar perdió el control ante el Partido Nazi. Los nazis se opusieron al Modernismo. Prohibieron cualquier arte que estuviera fuera de su estrecha visión de la grandeza histórica alemana. Etiquetaron el arte abstracto, el arte moderno y el arte de vanguardia como degenerado. La primera exposición de Arte Degenerado en 1937 marcó el comienzo de un ataque formal y oficial contra cualquiera asociado con las llamadas opiniones degeneradas.

Rechazo total

1948, Canadá

Mientras los nazis tomaban el control de Alemania, el Reino Unido estaba liberando el control de muchos de sus territorios. En 1931, el Reino Unido aprobó una legislación que permitía a Canadá determinar su propio destino legal y nacional. Así, los canadienses se involucraron en un proceso gradual de determinación de su carácter nacional. Un grupo de artistas lideró esa conversación cultural. Dirigido por Paul-Émile Borduas y Jean-Paul Riopelle, el grupo publicó un manifiesto en 1948 llamado Le Refuse Global (Rechazo Total).

El manifiesto exigía que los artistas canadienses estuvieran libres del control religioso y académico. Abrazó la abstracción, la experimentación y el secularismo cultural. La reacción inmediata al manifiesto fue negativa, pero a lo largo de varias décadas ayudó a instigar la Revolución Tranquila, un movimiento más grande que logró reformas liberales en todo Canadá. Esas reformas definen el carácter nacional canadiense hoy en día, y en cierta medida deben su génesis a Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Composición, 1954. Óleo sobre lienzo. © Jean-Paul Riopelle

Grupo Gutai

1954, Japón

A medida que Japón se reconstruía después de la Segunda Guerra Mundial, un colectivo de arte vanguardista llamado el Grupo Gutai se embarcó en una misión para reimaginar la cultura japonesa. Los artistas de Gutai creían que la violencia del pasado era el resultado de una cultura de asimilación y aislamiento. Creían que la individualidad, la libertad creativa, una conexión con la naturaleza y una conexión con otras culturas eran fundamentales para fomentar la paz.

El grupo se formó en 1954 y escribió un manifiesto en 1956 que explicaba su enfoque para hacer arte. Su trabajo era intencionalmente abstracto y experimental. Provocó un renacimiento cultural en Japón. A través del correo, se conectaron con otros artistas de todo el mundo. Gutai influyó directamente en el Movimiento Fluxus y en muchos otros movimientos de arte conceptual en Europa y América del Norte.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Óleo sobre lienzo. 31 7/8 x 45 5/8 in. (81 x 116 cm). © Shiraga Kazuo

El Movimiento de Espacios de Arte Alternativos

Década de 1970, mundial

Comenzando en Nueva York, el Movimiento de Espacios de Arte Alternativos emergió como un movimiento vanguardista global en la década de 1970. O, quizás de otra manera, fue un anti-movimiento, porque en lugar de definir un enfoque particular hacia el arte, simplemente proporcionó a un artista un entorno y los medios con los cuales ofrecer cualquier fenómeno estético a la pública.

Los artistas conectados con los Espacios de Arte Alternativos incluyen a Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno y los Beastie Boys. Como un experimento vanguardista que acoge a todos y abarca todo, el movimiento fue en sí mismo una fantástica abstracción: una idea del mundo del arte como una experiencia totalmente abierta, resistente a todo juicio, evaluación y crítica.

Sol LeWitt - Dibujo de Pared 1. © Sol LeWitt

Abstracción, la Vanguardia y Nosotros

En innumerables casos, los movimientos de arte vanguardista han influido en las culturas en las que existieron. No es de extrañar que la mala interpretación de la abstracción y el miedo al arte vanguardista hayan llevado a algunos de los regímenes e instituciones más poderosos del pasado a ser abiertamente antagónicos hacia el arte como una amenaza a su control.

Al mirar hacia atrás en los muchos movimientos de arte vanguardista del pasado (y hubo muchos más de los que cubrimos), podemos ver que la abstracción era una parte integral de sus filosofías. Cada movimiento vanguardista se basa esencialmente en ideas. Y muchas de esas ideas han involucrado experimentación, apertura, ambigüedad y libertad artística.

Imagen destacada: Giacomo Balla - Línea de velocidad (detalle), 1913. Óleo sobre lienzo
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio