MoMA Pariisissa - Isännöi Fondation Louis Vuitton

Tämä viikko avattiin Pariisissa paljon kehuttu modernin taiteen näyttely, joka inspiroi melkoista juhlintaa. Mutta ehkä sen pitäisi myös inspiroida yhtä paljon huolta. Being Modern: MoMA in Paris esittelee noin 200 teosta New Yorkin modernin taiteen museon kokoelmasta. Frank Gehryn suunnittelemassa Louis Vuittonin säätiön museossa pidettävä näyttely on ensimmäinen kerta, kun merkittävä valikoima MoMA:n teoksia on esillä Ranskassa. On melko helppoa luetella lukemattomia syitä, miksi tätä näyttelyä pidetään upeana asiana Ranskalle, MoMA:lle ja modernille taiteelle yleisesti. Loppujen lopuksi näyttelyyn sisältyvien taiteilijoiden ja teosten lista kattaa koko museon historian sen perustamisesta vuonna 1929 tähän päivään. Se sisältää monia viimeisen 100 vuoden suurimpia taiteilijoita. Joten on ilmeistä, että jokaisen, joka voi mahdollisesti päästä paikalle, tulisi tarttua tilaisuuteen nähdä niin monia vaikutusvaltaisia ja kuuluisia teoksia. Mutta hetkeksi meidän pitäisi myös tarkastella vakavasti, miksi näyttely aiheuttaa myös ahdistusta: nimittäin hämmästyttävä määrä liioiteltua ylistystä, jota levitetään tapahtuman tärkeydestä. Viralliset lehdistömateriaalit, joita on toistettu ja siteerattu kyllästymiseen asti lehdistössä, kutsuvat näyttelyä toistuvasti "manifestonäyttelyksi" ja kuvaavat MoMA:a yhtenä "maailman tärkeimmistä museoista". Näyttelyä kutsutaan "innovatiiviseksi", "kattavaksi" ja "verrattomaksi". Kerta toisensa jälkeen sana "myyttinen" jopa nousee esiin. Ja juuri tuo viimeinen adjektiivi, "myyttinen", vaikuttaa olevan vaarallisin, koska se on ainoa tunne, joka liittyy tähän näyttelyyn, jota ei voida hylätä pelkkänä liioitteluna. Myytit ovat voimakkaita. Ja kun on kyse näin suuresta näyttelystä, myytit, joita se sekä luo että ylläpitää, voivat muokata globaalia narratiivia taiteesta tuleville sukupolville.

Purkaa nuo adjektiivit

Ilmeisin naurettava adjektiivi, jota käytetään kuvaamaan Being Modern: MoMA in Paris, on "kattava." Erityisesti lehdistötiedotteessa todetaan, että "Being Modern: MoMA in Paris onensimmäinen kattava näyttely RanskassaModernin taiteen museon kokoelmasta." Mutta totuus on, että vaikka näyttely onkin merkittävä – se esittelee noin 200 esinettä – nykyinen koko MoMA:n kokoelman koko on noin 200 000 esinettä. Joten tämä näyttely esittelee noin yhden tuhannesosan siitä, mitä MoMA omistaa. Se on vain pieni vilahdus koko arkistosta. Miksi kutsua sitä kattavaksi? Vastaus voisi olla se, että valintakomitea, johon kuului edustajia sekä Fondation Louis Vuittonista että MoMA:sta, uskoo, että se vähäinen määrä valittuja esineitä edustaa täysin jäljellä olevien 199 800 esineen luonteen ja sisällön. Mutta onko se edes etäisesti totta?

Kun tarkastelen MoMA in Paris -näyttelyyn sisältyvien taiteilijoiden luetteloa, se ei missään nimessä vaikuta edustavan koko MoMA-kokoelmaa. Yli 75 000 esinettä tuosta kokoelmasta on arkistoitu verkkoon, joten tein nopean tekstihaku tämän tietokannan kautta etsiäkseni kolmea taiteilijaa, joita ei ole mukana tässä näyttelyssä, mutta joita pidän yhtenä kaikkein vaikutusvaltaisimmista moderneista taiteilijoista: Louise Bourgeois, Anni Albers ja Helen Frankenthaler. Kävi ilmi, että MoMA:lla on satoja teoksia näiltä kolmelta taiteilijalta. Mutta kummallista kyllä, heitä ei ole mukana tässä näyttelyssä. Tein toisen haun ja huomasin, että MoMA in Paris sisältää töitä muutamalta mieheltä Dadaistilta. Joten tarkistin, onko MoMA-arkistossa mitään töitä vaikutusvaltaisilta nais-Dadaisteilta. Kävi ilmi, että heillä on yli tusina teosta Hannah Höchiltä ja Sophie Taeuber Arpilta, mutta vain heidän tunnetuimmat mieskollegansa on mukana tässä näyttelyssä. Voimmeko siis sanoa, että tämä näyttely on kattava? Tuskin. Voimme sanoa, että kuraattorit valitsivat suurten nimien taidetta. Mutta sitä kutsutaan blockbusteriksi, ei kattavaksi esitykseksi historiasta tai MoMA-kokoelmasta.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Innovaatioiden vaikeus

Seuraava adjektiivi MoMA:n Pariisin lehdistötiedotteesta, jonka meidän täytyy purkaa, on "innovatiivinen". Tämä on merkityksellinen sana, ja se kuuluu oikeutetusti mihin tahansa keskusteluun modernista taiteesta. Innovaatio tarkoittaa alkuperäisyyttä, luovuutta, kokeilua ja joskus jopa neroutta. Onko siis oikea sana käyttää tätä näyttelyä kuvaamaan? Kuten jo tiedämme, taiteilijoita ei valittu sen vuoksi, että he olisivat, tai ovat, luovimpia, alkuperäisimpiä, kokeellisimpia tai suurimpia neroja. Pienellä määrällä poikkeuksia (kuten brasilialaisen konstruktivistin Lygia Clarkin sisällyttäminen tunnetun minimalisti-valkoisten poikien kerhoon Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly ja Frank Stella), taiteilijat valittiin suurelta osin nimen tunnistettavuuden vuoksi tai koska he sopivat olemassa olevaan narratiiviin modernin taiteen historiassa. Mutta tämä ei ole mitään uutta, tietenkään. Se on standardi kuraattoristrategia laajoille historiallisille retrospektiiveille. Ja se on ihan ok. Mutta se ei ole innovatiivista. Toisaalta, ehkä kun sana innovatiivinen käytetään tämän näyttelyn kuvaamiseen, se viittaa ei näyttelyyn itsessään, vaan työhön.

Jos näin on, meidän pitäisi odottaa näkevämme modernismin innovatiivisimmat edustajat mukana näyttelyssä. Analysoidaksemme, onko näin, katso näyttelyssä olevien abstraktin ekspressionismin edustajien lista. Jackson Pollock on mukana, samoin kuin Willem de Kooning. Mutta missä ovat muut? Missä on Louise Nevelson, joka on helposti tuon sukupolven innovatiivisin kuvanveistäjä? Hänen teoksensa ovat MoMA:ssa. Miksi niitä ei sisällytetä tänne? Missä on Perle Fine? Tai Jay DeFeo? Tai rehellisesti sanottuna, jos aiot sisällyttää Jackson Pollockin teoksia, miksi et sisällyttäisi David Alfaro Siqueirosta, kuuluisaa meksikolaista muraalitaiteilijaa, joka opetti työpajan New Yorkissa (jonka Pollock osallistui), joka ensimmäisenä esitteli monia menetelmiä, joita Pollock käytti ikonisten roiske- ja tiputustensa luomisessa. Tai miksi ei sisällytetä Janet Sobelia, naista, joka myös osallistui Siqueirosin työpajaan, ja jonka studioon Pollock vieraili ennen "innovatiivista" omaa roisketekniikkaansa. Sekä Siqueirosin että Sobelin teoksia on MoMA:n kokoelmassa. Niiden puuttuminen täältä osoittaa, että tämä näyttely ei ole innovaatioista. Se on vain toistaminen niistä vakiintuneista puolittaisista totuuksista, jotka ovat esittäytyneet historiaksi sukupolvien ajan.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Myyttien ongelma

Yhteenvetona, ainoa adjektiivi, jota käytetään kuvaamaan MoMA in Paris ilman liioittelun makua, on "verrattoman." Tämä on todella ensimmäinen kerta, kun niin monta teosta MoMA:sta on ollut esillä samanaikaisesti Ranskassa. Joten okei, määritelmän mukaan tämä on verratonta. (Vaikka se ei tarkoita, etteikö se olisi myös geneeristä.) Ja ainoa liioittelunomainen lause lehdistötiedotteessa, joka on lähellä totuutta, on se, että MoMA on yksi "maailman tärkeimmistä museoista." Tämä kommentti on osoitettavissa faktaksi. Se, että MoMA on kiistatta tärkeä, voidaan todistaa monin tavoin. Voimme mitata sen vaikutusta, jota instituutio käyttää hankinnoillaan muihin suuriin taidekokoelmiin maailmassa. Loppujen lopuksi, kuinka moni taidekauppias osoittaa yksityiskeräilijöille edustamiensa taiteilijoiden tärkeyden viittaamalla siihen, missä museoiden kokoelmissa taiteilija on? (Vastaus on kaikki heistä.) Ja voimme mitata MoMA:n vuosittaisen kävijämäärän (noin kaksi–kolme miljoonaa). Ja voimme katsoa museon vuotuista budjettia (noin 150 miljoonaa dollaria) ja sen johtajan palkkaa (2,1 miljoonaa dollaria vuonna 2013). Kaikki nämä mittarit osoittavat, että MoMA on todella valtavasti, globaalisti vaikuttava ja siten tärkeä.

Ja tämä vie meidät viimeiseen adjektiiviin, jota käytetään yhdessä tämän näyttelyn kanssa: "myyttinen." Voiman lopullinen mittari on kyky vaikuttaa siihen, mitä ihmiset uskovat olevan totta. MoMA on voimakas. Sillä on valta joko jatkaa myyttien luomista ja levittämistä tai oikaista asiat. Tämän näyttelyn myötä sekä Fondation Louis Vuitton että MoMA ovat ilmoittaneet aikomuksestaan ylläpitää nykytilaa. Kyllä, esillä olevat teokset ovat täynnä suuruutta. Mutta kuinka paljon tuosta suuruudesta liittyy aitoon arvoon, ja kuinka paljon liittyy jatkuvaan markkinointiponnistukseen, joka sukupolvien ajan on edistänyt tarinoita taiteesta ja historiasta, jotka ovat parhaimmillaan liioiteltuja ja pahimmillaan suoranaisia valheita? Mikä todella olisi innovatiivista, alkuperäistä ja modernia, olisi järjestää tämän suuruuden näyttely, joka yrittäisi kertoa totuuden modernismista. Näytä meille, ketä Picasso kopioi. Näytä meille, ketä Pollock varasti. Näytä meille alkuperäiskansojen taiteilijat, naistaiteilijat, ei-valkoiset taiteilijat ja kouluttamattomat taiteilijat, joiden kauloja supertähdet, joita kaikki tunnemme ja rakastamme, polkivat. Se olisi "innovatiivinen", "kattava" ja todella "verrattoman" "manifestonäyttely", jonka taakse voisin asettua.

Esittelykuva: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Ompelemalla täytetty kangas, maali ja tuolin fringi 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Modernin taiteen museo, New York William B. Jaffen ja Evelyn A. J. Hallin lahja (vaihdon kautta), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Kaikki kuvat: MoMA ja Fondation Louis Vuitton

Kirjailija: Phillip Park