Le Centre Pompidou jette un nouveau regard sur le cubisme dans une nouvelle exposition complète

Le 17 octobre, la première grande exposition cubiste à Paris depuis 65 ans ouvre au Centre Pompidou. Cubisme (1907-1917) réunit plus de 300 œuvres dans une tentative d'élargir notre compréhension de l'un des mouvements artistiques les plus influents du XX^e siècle. La plupart des expositions cubistes se concentrent sur les fondateurs du mouvement : Pablo Picasso et Georges Braque. Cette exposition met également en lumière leur travail, mais va bien au-delà de ce cadre limité. Elle commence par examiner des œuvres rarement exposées de Paul Cézanne et Paul Gauguin ainsi que des exemples d'art africain traditionnel qui ont influencé Picasso. Elle explore ensuite la galaxie d'artistes entourant Picasso et Braque, qui ont repris leurs découvertes pour les développer en plusieurs autres positions distinctes. Non seulement des peintures sont présentées, mais aussi quelques-uns des exemples les plus célèbres de sculpture cubiste, comme la guitare en carton assemblée par Picasso en 1914. Enfin, nous découvrons l'héritage du cubisme à travers les œuvres d'artistes tels qu'Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi et Piet Mondrian. Selon ses conservateurs, l'objectif de cette ambitieuse exposition est simplement d'offrir au public une vue d'ensemble plus large de l'histoire de ce mouvement important. Mais ce qu'ils ont réellement accompli va un peu plus loin. Ils ont rassemblé une exposition pleine d'espoir, qui nous encourage à embrasser les idées de nos contemporains et à bâtir sans retenue sur le génie du passé.

Un changement de perspective

Il existe de nombreuses explications différentes du cubisme. Certains le décrivent comme une manière géométrique de peindre le monde. D'autres le qualifient d'introduction de la quatrième dimension dans l'art en montrant le mouvement. D'autres encore disent qu'il s'agit d'une réduction abstraite des formes et des figures trouvées dans la vie quotidienne. La meilleure explication que j'aie jamais entendue est que le cubisme était une tentative de réexaminer la perspective. Depuis la Renaissance, l'art occidental était guidé par des règles précises en matière d'art visuel — des règles concernant le réalisme, le contenu acceptable et la perspective. Les peintures devaient imiter la vie en adoptant la profondeur, la perspective et d'autres outils illusionnistes. Cependant, tout au long du XIXe siècle, ces règles ont été remises en question. Les impressionnistes ont contesté les règles sur le sujet, créant des œuvres uniquement consacrées à la lumière. Les divisionnistes ont utilisé des touches de pinceau expérimentales pour poser la question de savoir si la couleur existe dans la réalité ou n'est qu'une interprétation du cerveau. Les post-impressionnistes ont embrassé le mysticisme, le symbolisme et la spiritualité, et ont prouvé que des éléments formels comme la couleur et l'espace pouvaient en eux-mêmes constituer un contenu digne d'intérêt.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Bas-relief en bois de tilleul polychrome, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Le cubisme a ajouté à ce mélange l'idée que la réalité est perçue bien différemment par l'œil humain de la manière dont elle est habituellement représentée dans l'art. Lorsque nous voyons quelque chose, nous ne le voyons pas aplati et parfaitement immobile. Le monde est toujours en mouvement, et nous sommes toujours en train de le traverser. Nous en voyons des fragments sous différents angles. La lumière change constamment. Le monde est fragmenté en morceaux — certains invisibles, mais dont nous savons qu'ils existent. Le cubisme tente de montrer ces fragments de réalité réassemblés en une seule composition. Il analyse le monde selon plusieurs perspectives simultanées, déconstruisant la vie pour en révéler la complexité. Cubisme (1907-1917) montre comment, à cet égard au moins, Cézanne était bien en avance sur Picasso et Braque. L'une des premières œuvres de l'exposition est la peinture de Cézanne « La Table de cuisine » (1890). De la table au premier plan aux paniers, chaises et vaisselle, chaque élément de l'image est montré sous un point de vue subtilement différent. La simultanéité des perspectives est réalisée dans cette œuvre, la déclarant clairement proto-cubiste 18 ans avant que Picasso et Braque n'arrivent à la même idée.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Nature morte au panier), vers 1888-1890. Huile sur toile, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

L'art de l'emprunt

Un des aspects les plus rafraîchissants de Cubisme (1907-1917) est qu'il ne cache pas le fait que ces artistes empruntaient librement les uns aux autres. Nous accordons parfois une telle importance à l'originalité, exigeant que les artistes innovent de manière spectaculaire. Cette exposition montre que parfois, innover signifie simplement faire un petit pas en avant en s'appuyant sur les réalisations des autres. Nous voyons le « Masque krou », de Côte d’Ivoire, l'un des masques africains qui ont directement inspiré Picasso. Le visage est divisé en quadrants ; les yeux sont déséquilibrés ; les traits sont répartis en zones géométriques d'ombre et de lumière. Deux peintures proches de Picasso — « Portrait de Gertrude Stein » (1905-1906) et son autoportrait de 1907 — montrent comment Picasso imitait précisément le langage visuel du masque africain. Puis nous voyons comment il a disséqué ces aspects formels et a fait le pas suivant, utilisant ces idées pour déconstruire les objets dans l'espace dans des peintures comme « Pains et compotier aux fruits sur une table » (1908-1909), et pour révéler les aspects invisibles du caractère dans des œuvres comme « Portrait d’Ambroise Vollard » (1910).

Pablo Picasso - Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906. Huile sur toile, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / image du MMA. © Succession Picasso 2018

Au fil de l'exposition, nous voyons comment Sonia Delaunay a ainsi emprunté le langage géométrique de Picasso — non pas pour explorer le monde physique, mais pour utiliser les formes afin d'explorer le potentiel métaphysique des relations de couleurs. Nous voyons comment Piet Mondrian a également emprunté les aspects géométriques du cubisme, mais contrairement à Picasso qui compliquait la réalité, Mondrian a utilisé la géométrie pour simplifier le monde à ses éléments les plus fondamentaux. Nous voyons comment des artistes comme Juan Gris ont emprunté au cubisme pour créer un style artistique plus graphique, qui allait inspirer les affichistes. Et nous voyons comment les collages du cubisme synthétique ont inspiré des dadaïstes comme Francis Picabia. Nous voyons aussi des œuvres dites « tubistes » de Fernand Léger, illustrant une subtile modification du style cubiste qui est devenue un précurseur du Pop Art. Magnifiquement, il n’y a aucune honte dans cette progression d’influences. Bien au contraire. La mise en scène réfléchie nous rappelle la joie pure de s’appuyer sur les idées des autres. Personne ne dirait que ces artistes manquaient d’imagination. Au contraire, Cubisme (1907-1917) prouve que parfois l’imagination est encore plus féconde quand elle demande de l’aide.

Image en vedette : Pablo Picasso - Guitare, Paris, janvier-février 1914. Plaque de métal et fer, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Image numérique, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florence. © Succession Picasso 2018
Par Phillip Barcio