जब जॉर्जिया ओ'कीफ ने अमूर्त कला बनाई

कला के साथ बातचीत करते समय यह एक चुनौती है कि हम दूसरों द्वारा उस पर डाले गए क्लिच, उपमा और निर्णयों को नजरअंदाज करें, और बस इसे एक खुले मन के साथ देखें। यह जॉर्जिया ओ'कीफ कला के साथ विशेष रूप से कठिन है। अपने 98 वर्षों के जीवन में, ओ'कीफ ने अमेरिकी कला के इतिहास में सबसे प्रसिद्ध, प्रिय और तुरंत पहचानने योग्य कृतियों में से एक बनाई। उसके काम के उदाहरण अधिकांश प्रमुख अमेरिकी संग्रहालयों में हैं। उसकी पेंटिंग, ड्राइंग और मूर्तियों का पिछले सदी के हर प्रमुख आलोचक द्वारा विश्लेषण किया गया है, और इन पर किताबें और विश्वविद्यालय पाठ्यक्रम बनाए गए हैं। और फिर भी, जब जॉर्जिया ओ'कीफ कला के बारे में बोलने के लिए कहा जाता है, तो हम में से कई आलसी तरीके से समान रूप से सीमित दृष्टिकोणों को फैलाते हैं: कि ओ'कीफ एक सजावटी कलाकार थीं जो अमेरिकी दक्षिण-पश्चिम को पसंद करती थीं; कि वह एक आकृतिवादी चित्रकार थीं जिनकी सबसे प्रसिद्ध छवियाँ फूलों की हैं; और कि वे प्रतिष्ठित फूलों की पेंटिंग वास्तव में योनि के गुप्त चित्र हैं। 2009 में, न्यूयॉर्क के व्हिटनी संग्रहालय ने इन पुराने विचारों को कमजोर करने का प्रयास किया जब उसने प्रदर्शनी जॉर्जिया ओ'कीफ: अमूर्तता का आयोजन किया। इस शो में ओ'कीफ के 125 अमूर्त काम शामिल थे जिन्होंने मिलकर यह साबित किया कि इस आवश्यक अमेरिकी कलाकार को विशाल रूप से गलत समझा गया है। लेकिन व्हिटनी प्रदर्शनी की सफलता और उसके काम को मिली बाद की आलोचनात्मक पुनरावृत्ति के बावजूद, जॉर्जिया ओ'कीफ को अभी भी मुख्य रूप से एक आकृतिवादी चित्रकार के रूप में संदर्भित किया जाता है, और अभी भी उसके काम के बारे में उपमा और क्लिचों का बोझ उठाना पड़ता है। लोग अभी भी इस बारे में बात करते हैं कि उसकी पेंटिंग किस बारे में हैं, बजाय इसके कि वे एक को कैसा महसूस कराती हैं। यदि हम कभी भी उसकी दृष्टि को अधिक पूर्णता से समझना चाहते हैं, और समकालीन कला में उसके अनिवार्य योगदान को समझना चाहते हैं, तो हमें एक खुले मन को बनाए रखना चाहिए और यह देखना चाहिए कि जॉर्जिया ओ'कीफ ने एक अमूर्त अग्रणी के रूप में क्या हासिल किया।

एक अमेरिकी प्रोटो-एब्स्ट्रैक्शनिस्ट

"चाहे यह हिलमा अफ क्लिंट, 19वीं सदी की स्वीडिश रहस्यवादी चित्रकार, पोस्ट-इम्प्रेशनिस्ट चित्रकारों जैसे जॉर्ज स्यूराट, या वासिली कंदिंस्की और कज़ीमिर मालेविच जैसे दृष्टाें के कामों से जुड़ा हो, आधुनिक अमूर्त कला का इतिहास लगभग हमेशा यूरोप या रूस में शुरू होने का कहा जाता है। लेकिन सबूत हैं कि विस्कॉन्सिन में जन्मी जॉर्जिया ओ'कीफ को उन नवप्रवर्तकों के साथ समान महत्व मिलना चाहिए। ओ'कीफ द्वारा बनाए गए पहले अमूर्त कलाकृतियाँ कम से कम 1915 में बनाई गई थीं, वही वर्ष जब मालेविच ने ब्लैक स्क्वायर चित्रित किया और केवल दो साल बाद जब कंदिंस्की ने अपने पहले अमूर्त काम बनाए। लेकिन अमूर्तता की संभावनाओं को संप्रेषित करने की ओ'कीफ की बौद्धिक समझ मुख्य कारण है कि ओ'कीफ को आधुनिक अमूर्त कला के आविष्कार में समान श्रेय मिलना चाहिए।"

क्लिंट, सेउरात, कंदिंस्की और मालेविच की तरह, ओ'कीफ ने अपने काम के प्रति एक दार्शनिक श्रद्धा के साथ दृष्टिकोण अपनाया। उसने कला को केवल चित्रों और वस्तुओं के निर्माण से अधिक समझा। कलाकार ने इसे कुछ अधिक गहन के अभिव्यक्ति के लिए एक संभावित मार्ग माना। कंदिंस्की की तरह, ओ'कीफ ने संगीत की उस क्षमता के बारे में बात की जो अमूर्त रूप से गहराइयों को संप्रेषित कर सकती है। उसने कहा, "गाना हमेशा मेरे लिए अभिव्यक्ति का सबसे पूर्ण साधन प्रतीत हुआ है। यह इतना स्वाभाविक है। और गाने के बाद, मैं वायलिन के बारे में सोचती हूं। चूंकि मैं गा नहीं सकती, मैं चित्रित करती हूं।" लेकिन जबकि कंदिंस्की ने कुछ आध्यात्मिक और सार्वभौमिक व्यक्त करने की उम्मीद में अमूर्तता की ओर रुख किया, ओ'कीफ कुछ अधिक, आप कह सकते हैं, अमेरिकी व्यक्त करने की कोशिश कर रही थी। वह खुद को व्यक्त करने की कोशिश कर रही थी।

Georgia O'Keeffe - Abstraction White Rose, 1927 (Left) and Georgia O'Keeffe - Music Pink And Blue II, 1927 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

वे फूल नहीं हैं

जॉर्जिया ओ'कीफ द्वारा बनाई गई सबसे प्रारंभिक अमूर्त कलाकृतियाँ सरल, सुरुचिपूर्ण रचनाएँ थीं जो चारकोल से कागज पर बनाई गई थीं। ये चित्र जैविक रूपों और पैटर्नों को उजागर करते हैं जो प्रकृति में पाए जाते हैं। लेकिन इन चित्रों में अपने विषय वस्तु को सीधे चित्रित करने के बजाय, उसने केवल औपचारिक तत्वों पर ध्यान केंद्रित किया जैसे कि रेखा, आकार, ब्रश स्ट्रोक, इशारा, और संतुलन। इन चारकोल चित्रों के बारे में एक महान कहानी यह है कि वे इतिहास में आसानी से खो सकते थे यदि एक मित्र की चालाकी भरी कार्रवाई न होती। ओ'कीफ ने उन चित्रों को उस मित्र के साथ साझा किया, जिसने फिर बिना अनुमति के उन्हें मैनहट्टन में 291 गैलरी के मालिक अल्फ्रेड स्टिग्लिट्ज को दिखाया। स्टिग्लिट्ज ने चित्रों की स्पष्ट सुंदरता और प्रभावशाली आधुनिकता को पहचाना और तुरंत उन्हें अपने प्रसिद्ध स्थान पर प्रदर्शित करने का निर्णय लिया। और इस प्रकार जॉर्जिया ओ'कीफ का पेशेवर कला करियर शुरू हुआ।

स्टिग्लिट्ज़ के साथ पहली बार प्रदर्शनी लगाने के तुरंत बाद, ओ'कीफ न्यूयॉर्क चली गईं। अगले दशक या उससे अधिक समय तक, उन्होंने अमूर्तता की खोज को प्रचुरता से बढ़ाया। उन्होंने ऐसे काम करना जारी रखा जो उन सौंदर्य तत्वों और रचनाओं की गूंज थी जो उन्होंने प्रकृति में देखी, और अपने प्रारंभिक चारकोल चित्रों से बहुत आगे बढ़कर रंग संबंधों के लिए एक उन्नत अंतर्दृष्टि विकसित की। उनके रंगों का उपयोग उनके चित्रों की अभिव्यक्तिशीलता को अत्यधिक बढ़ा देता है। लेकिन वह विशेष रूप से क्या व्यक्त करने की कोशिश कर रही थीं, यही वह जगह है जहाँ उनके काम की एक सामान्य गलतफहमी खुद को प्रकट करती है। इस समय के दौरान उन्होंने जो कई चित्र बनाए, वे केवल फूलों के बड़े टुकड़े जैसे लगते हैं। या वे कम से कम फूलों की सौंदर्य विशेषताओं के साथ सीधे बातचीत करते हुए प्रतीत होते हैं। और शायद वे वास्तव में कुछ ऐसा संवाद करते हैं जो फूलों द्वारा भी संवादित किया जाता है। लेकिन वे कुछ और भी संवादित करते हैं। जैसा कि ओ'कीफ ने कहा, "मुझे पता चला कि मैं रंग और आकार के साथ ऐसी बातें कह सकता था जो मैं किसी और तरीके से नहीं कह सकता - ऐसी बातें जिनके लिए मेरे पास शब्द नहीं थे। मुझे उस चीज़ के लिए एक समकक्ष बनाना पड़ा जो मैं देख रहा था - इसे नकल नहीं करना।"

Georgia O'Keeffe - Flower of Life (Left) and Georgia O'Keeffe - Flower of Life II (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

एक सच्चा पायनियर

1930 के दशक के आसपास, एक दशक और आधे तक अमूर्त चित्रण पर ध्यान केंद्रित करने के बाद, ओ'कीफ ने शैलियों और प्रभावों की एक व्यापक श्रृंखला का अन्वेषण करना शुरू किया। उसने कई वर्षों तक चित्रात्मक रूप से चित्रित किया, फिर अमूर्तता की ओर वापस लौटी, फिर आगे-पीछे होती रही, अक्सर दोनों दृष्टिकोणों के बीच के अंतर पर सवाल उठाते हुए। अपने अंतिम वर्षों में, वह कभी-कभी सीधे अपने न्यू मैक्सिको के घर के चारों ओर के लैंडस्केप और प्राकृतिक वस्तुओं को चित्रित करती हुई प्रतीत होती थी, जिसके लिए उसने अंततः न्यू यॉर्क छोड़ दिया। लेकिन उसके काम का सार हमेशा वही रहा। उसका उद्देश्य हमेशा एक भावना को संप्रेषित करना था, यह कैसा महसूस होता है, इसे प्रकृति को प्रेरणा के रूप में उपयोग करके कैद करना, न कि प्रकृति की सजावटी छवियों को चित्रित करना जैसा कि यह वस्तुनिष्ठ रूप से प्रकट होता है।

अपनी जीवनभर की भावना संप्रेषण की खोज में, ओ'कीफ ने कई महत्वपूर्ण सौंदर्यात्मक अन्वेषणों का नवाचार किया। उसने समग्र अमूर्त रचनाओं में रुचि दिखाई, चित्र के समतल के सभी क्षेत्रों पर समान महत्व रखते हुए, बहुत पहले जब क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने उस उपलब्धि को अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों को श्रेय दिया। उसने चित्र के समतल की सपाटता पर ध्यान केंद्रित किया, बहुत पहले जब यह पोस्ट-पेंटर्ली अमूर्तवादियों के लिए एक चिंता का विषय था। वह रंगों के अमूर्त क्षेत्रों की पारलौकिक शक्तियों में रुचि रखती थी, बहुत पहले जब रंग क्षेत्र के कलाकारों ने समान रुचियों का अन्वेषण किया। और दशकों पहले जब पोस्ट-मॉडर्नतावाद का सापेक्षवाद शिल्प कला में घुसपैठ कर रहा था, ओ'कीफ ने सहज रूप से इस विचार को समझ लिया कि सभी शैलियाँ, सभी दृष्टिकोण, सभी तकनीकें और सौंदर्य में सभी भिन्नताएँ अपनी संभावित मूल्य में समान हैं, और अंततः ईमानदार आत्म-प्रकाशन की प्राथमिकता के मुकाबले द्वितीयक हैं।

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landscape, New Mexico, Out Back Of Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

औपचारिकताओं को अपनाएं

शायद जो बात जॉर्जिया ओ'कीफ की कला के बारे में गलत समझी गई है, वह वही है जो अक्सर सभी कला के बारे में गलत समझी जाती है: यह विचार कि कला में निश्चित गुण होने चाहिए, या यह किसी तरह से जनता के लिए उपयोगी या अर्थपूर्ण होनी चाहिए। हमें सिखाया जाता है कि हम कलाकृतियों की आलोचना करें कि क्या हमें वे पसंद हैं या नहीं; विवरण चरण को छोड़कर, जिसमें देखने और महसूस करने की आवश्यकता होती है, इसके बजाय व्याख्या और निर्णय चरणों की ओर तेजी से बढ़ते हैं। हम ओ'कीफ की पेंटिंग को केवल इतना देखते हैं कि हमें कुछ ऐसा छाप मिल जाए जिसे हम पहचानते हैं, जैसे कि जो एक फूल या एक परिदृश्य प्रतीत होता है, और इस प्रकार ओ'कीफ को फूलों और परिदृश्यों की चित्रकार घोषित करते हैं। हम देखते हैं कि कैसे कुछ फूल के हिस्से कुछ मानव हिस्सों के समान होते हैं और इस प्रकार ओ'कीफ को एक गुप्त चित्रकार के रूप में घोषित करते हैं जो रूपात्मक संकेत देता है। ओ'कीफ अमूर्तता और आकृति के बीच झूलती है और इस प्रकार हम उसे बाजार की ताकतों या सार्वजनिक अपेक्षाओं के प्रति संवेदनशील घोषित करते हैं। ऐसी चीजों के बारे में हमारे व्यक्तिगत विचारों के आधार पर हम कहते हैं, "मुझे यह पसंद है!" या, "मुझे यह नफरत है!"

लेकिन उस आलोचना की विधि अपरिपक्व है। जॉर्जिया ओ'कीफ की कला, या किसी भी कला को अधिक गहराई से समझने के लिए, हमें वर्णन चरण में रुकना चाहिए, सतह, रंग, रंगत, रेखाएँ, आकृतियाँ, और उन तत्वों के बीच के संबंधों के साथ जितना संभव हो सके बातचीत करनी चाहिए। कार्य के औपचारिक सौंदर्य तत्वों को गाने दें। रचना की लय को महसूस करें। हाँ, ओ'कीफ ने प्रसिद्ध रूप से एक बार कहा था, "मुझे लगता है कि महिलाओं के बारे में कुछ ऐसा है जो अन्वेषणीय है, जिसे केवल एक महिला ही अन्वेषण कर सकती है।" लेकिन उसके चित्रों में नारीत्व की छवि देखने के लिए खुद को मजबूर करने के बजाय, खुद को इस बात के लिए खोलें कि नारीत्व कैसा महसूस हो सकता है। जॉर्जिया ओ'कीफ को अमेरिकी अमूर्तता की एक अग्रणी बनाने वाला यह नहीं था कि उसने ऐसी छवियाँ बनाई जो अमेरिका की तरह दिखती थीं। उसे नारीत्व की चित्रकार बनाने वाला यह नहीं था कि उसने ऐसी छवियाँ बनाई जो महिला शरीर के हिस्सों की तरह दिखती थीं। उसे अमेरिकी अमूर्तता की एक अग्रणी और नारीत्व की चित्रकार बनाने वाला यह था कि उसने उन दृष्टिकोणों, छापों और भावनाओं को चित्रित किया जो उसके लिए अमेरिका और नारीत्व का अनुभव करती थीं।

Georgia O'Keeffe - Series I, No 3, 1918 (Left) and Georgia O'Keeffe - Series 1, No 8, 1918 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

विशेष छवि: जॉर्जिया ओ'कीफ - ग्रे ब्लू एंड ब्लैक, पिंक सर्कल (विवरण), 1927, © द एस्टेट ऑफ जॉर्जिया ओ'कीफ
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा